Autor: Señor Lobo

Better Man (2024)

Better Man es una película musical biográfica sobre Robbie Williams, dirigida por Michael Gracey, a quien ya conocíamos por The Greatest Showman (2017). En esta ocasión, Gracey apuesta por un enfoque visual innovador y arriesgado, convirtiendo a Williams en un personaje CGI, un chimpancé animado que interactúa con el resto del elenco en un mundo completamente realista.

El guion corre a cargo de Oliver Cole y Simon Gleeson, mientras que la producción está en manos de Joel Pearlman y Jules Daly, con Warner Bros. Pictures y Village Roadshow Pictures como principales responsables del proyecto.

El reparto lo encabeza Jonno Davies, quien da vida a Robbie Williams a través de captura de movimiento. Junto a él, Steve Pemberton (Inside No. 9) y Alison Steadman (Gavin & Stacey) interpretan a los padres de Williams, Peter y Betty. También encontramos a Damon Herriman (Mindhunter) como Nigel Martin-Smith, el mánager de Take That, y a Raechelle Banno (Pandora) en el papel de Nicole Appleton.

La película tuvo un presupuesto estimado en 110 millones de dólares, una cifra elevada para una biografía musical, y recaudó alrededor de 19,9 millones a nivel mundial, lo que la convirtió en un fracaso comercial.

Better Man

La película narra la vida de Robbie Williams, desde su explosión en Take That en los años 90 hasta su consolidación como una de las estrellas más importantes del pop británico en solitario. A través de una combinación de secuencias realistas y momentos de animación, el film muestra su lucha con la fama, las adicciones, la presión mediática y su crisis de identidad.

Uno de los aspectos más llamativos es cómo la película convierte a Robbie en un chimpancé CGI, reflejando su percepción de sí mismo como alguien «menos evolucionado» que sus compañeros de la industria. Esta decisión estilística le otorga un tono onírico y simbólico a la historia, diferenciándola de otros biopics musicales más convencionales.

Spoilers

Desde el inicio, la película presenta a Robbie Williams en su infancia, marcado por la ausencia de su padre y la constante presión de su madre. Su salto a la fama con Take That se retrata como una experiencia llena de luces y sombras: por un lado, la adrenalina de los conciertos y la idolatría de las fans; por otro, la sensación de no encajar, de ser diferente a sus compañeros de banda.

Conforme avanza la historia, la película profundiza en su salida del grupo y su tormentosa relación con la industria musical. La soledad y el abuso de sustancias se convierten en una constante en su vida, y el chimpancé CGI se vuelve un reflejo de su alienación. En una de las escenas más impactantes, vemos a Robbie caminando por un Londres hiperrealista mientras la ciudad se transforma en una jungla, subrayando la metáfora de la fama como una selva incontrolable.

Momentos como su lucha con la depresión, la sensación de que la prensa lo veía como un fraude y el miedo a ser percibido como homosexual son tratados con sensibilidad y profundidad. La película cierra con un emotivo montaje en el que Robbie, en su forma animada, se encuentra consigo mismo en un escenario vacío, abrazando su identidad y aceptando su pasado.

Opinión

La película ha generado opiniones divididas. The New York Times la califica de «arriesgada y visualmente deslumbrante», mientras que Screen Rant destaca que es «un espectáculo musical que atrapa desde el primer minuto». Sin embargo, The Guardian la describe como «un experimento fallido que no termina de encontrar su tono».

Desde un punto de vista cinematográfico, la integración de un personaje CGI en un mundo real es uno de los mayores logros del film. Lejos de parecer artificial, Robbie Williams encaja sin fisuras en la narrativa, logrando que el espectador lo perciba como un personaje real.

El gran problema de Better Man es que su apuesta visual puede alienar al público. La metáfora del chimpancé es poderosa, pero hay momentos en los que la animación se siente como un artificio que distrae de la historia. Además, su fracaso en taquilla demuestra que el público estadounidense, donde Robbie Williams no es tan popular, no se sintió atraído por la propuesta.

Curiosidades

  • Robbie Williams participó activamente en la producción, supervisando los detalles de la historia y dando su aprobación al uso de CGI para su personaje.
  • La captura de movimiento de Jonno Davies fue supervisada por el equipo que trabajó en El Planeta de los Simios: Confrontación.
  • La película estuvo a punto de ser cancelada, ya que los ejecutivos dudaban de la viabilidad del CGI como parte esencial del relato.
  • La banda sonora incluye regrabaciones de los mayores éxitos de Williams, con arreglos orquestales y versiones inéditas.
  • La escena final fue grabada con Robbie Williams en persona, y luego su imagen fue reemplazada digitalmente por el personaje animado.

Conclusión

Better Man es una película que divide opiniones. Su apuesta visual es arriesgada, su narrativa es emotiva y su ejecución técnica es impecable. Sin embargo, su fracaso en taquilla y su tono a veces confuso la convierten en una obra difícil de encasillar.

Si eres fan de Robbie Williams, encontrarás momentos emocionantes y un retrato íntimo del artista. Si buscas una biografía convencional, esta película puede resultarte extraña. Lo que es indiscutible es que Better Man es una de las propuestas más originales dentro del cine musical reciente. Yo la he incluido dentro de las películas a ver de 2024.

Treinta y tantos años más tarde, he visto Terminator (y ahora entiendo por qué volverá)

Lo confieso. Hasta hace unos días, no había visto ni una sola película de Terminator. Sé que suena casi imperdonable en el mundo del cine, pero simplemente nunca me había llamado la atención. Ya me había pasado con Titanic y con la saga Harry Potter, y estoy intentando solucionarlo.

No soy muy fan de las películas de acción sin sentido (the fast & the furious o triple XXX), de esas donde todo explota sin razón y los protagonistas disparan sin mirar. Pensaba que Terminator iba a ser algo por el estilo.
Pero después de ver las tres primeras películas seguidas, tengo que decirlo: me equivoqué.

El inicio de la aniquilación

Para alguien que nunca ha visto Terminator, la primera película de 1984 es una sorpresa. Yo esperaba un desfile de explosiones y tiros sin parar, pero en realidad es más un thriller de ciencia ficción con una historia que se toma su tiempo. James Cameron tenía claro que quería contar algo más que una simple persecución entre un robot asesino y una chica. Hay tensión, hay construcción de personajes y hasta toques de terror.

Ahora bien, Arnold Schwarzenegger como el T-800 es un casting perfecto. No sé si el tipo podía actuar bien en esa época, pero para este papel no hacía falta. Su físico imponente, su acento alemán y su expresión robótica natural lo convierten en el Terminator ideal. La primera película funciona porque es simple: el futuro es una mierda, los robots quieren exterminarnos y un pobre humano viaja en el tiempo para impedirlo. Pero entonces llega Terminator 2 y todo cambia.

Pero si hay alguien que hace un viaje brutal en la saga, esa es Sarah Connor. En la primera película, pasa de ser una camarera que apenas entiende lo que está pasando a convertirse en la madre del futuro líder de la resistencia. Pero es en Terminator 2 donde se come la pantalla.

El pico de la saga

Siempre se dice que las segundas partes son mejores. Y es verdad en casos contados: El Padrino II, El Imperio Contraataca y, por supuesto, Terminator 2: El Juicio Final. Esta película no solo supera a la original, sino que redefine lo que una secuela debería ser.
Aquí Schwarzenegger ya no es el villano, sino el héroe. John Connor, que en la primera era solo un «concepto», ahora es un niño que tendrá que liderar la resistencia humana contra las máquinas. Y entonces aparece el T-1000.

No sé qué pacto con el diablo hicieron para los efectos especiales, pero ver a Robert Patrick convertirse en mercurio líquido en 1991 sigue siendo impresionante. El T-1000 es uno de los mejores villanos del cine, y la dinámica entre Schwarzenegger y John Connor hace que la película tenga corazón. No es solo acción; hay drama, desarrollo de personajes y un final que, aunque previsible, sigue doliendo.

Pero volvamos a Sarah Connor. Si en la primera parte era una mujer asustada que no entendía nada, aquí es directamente una guerrera imparable. Linda Hamilton pasó de ser una chica normal a una auténtica máquina de supervivencia, con músculos, estrategia y una obsesión enfermiza por preparar a su hijo para lo que viene. Su arco de transformación es brutal, y verla manejar escopetas con una sola mano o enfrentarse al T-1000 es una de las mejores cosas de la película. No es la típica «damisela en apuros»; es la que lleva la película adelante.

La caída en desgracia

Y entonces, como siempre pasa cuando Hollywood quiere exprimir la gallina de los huevos de oro, llegó Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas.
Lo primero que pensé al verla fue: esto no era necesario. Después de la épica conclusión de T2, esta tercera parte parece un intento forzado de continuar la historia sin saber muy bien cómo hacerlo. No es un desastre absoluto, pero se nota que falta algo.

El tono cambia, las escenas de acción parecen más forzadas y el nuevo Terminator enemigo, la T-X, aunque tiene su punto, no logra generar el mismo impacto que el T-1000. Pero lo peor de todo es que Sarah Connor ya no está. Y se nota. Sin ella, la historia pierde mucho peso, porque lo que hacía grande a la saga no era solo la acción, sino la evolución de los personajes.

Conclusión: ¿volveré para ver más?

Después de esta maratón de Terminator, entiendo por qué esta saga es tan querida. No es solo acción sin sentido; hay una historia interesante sobre viajes en el tiempo, destino y rebelión. Aún no me animo a ver las secuelas posteriores, pero como dice el propio T-800: «Volveré»… quizás.

Jurado Nº 2 (2024)

A sus 94 años, Clint Eastwood sigue demostrando que aún tiene mucho que decir en el cine con Jurado Nº 2, un thriller judicial que podría convertirse en su última película como director. Eastwood, cuya filmografía incluye títulos legendarios como Million Dollar Baby (2004) (INCISO: película que personalmente me parece una de las mejores películas de la historia, pero que nunca mas volveré a ver, porque me lo he prometido a mi mismo), Gran Torino (2008) o Sin perdón (1992), nos trae un relato de tensión moral donde la línea entre la justicia y la culpabilidad se difumina peligrosamente.

El guion corre a cargo de Jonathan Abrams, guionista emergente con experiencia en thrillers de tensión contenida. La película cuenta con un reparto de lujo encabezado por Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera, Renfield, La favorita), quien interpreta a un miembro del jurado atrapado en un dilema ético. Junto a él, Toni Collette (Hereditary, Puñales por la espalda), J.K. Simmons (Whiplash, Spider-Man), Kiefer Sutherland (24, Designated Survivor) y Zoey Deutch (Zombieland: Mata y remata) completan el elenco.

La película ha sido producida por Malpaso Productions, la compañía de Eastwood, y distribuida por Warner Bros. Con un presupuesto de 30 millones de dólares, Jurado Nº 2 se estrenó en el Festival AFI Fest el 27 de octubre de 2024 y llegó a los cines el 31 de octubre del mismo año. Hasta la fecha, ha recaudado 20,4 millones de dólares a nivel mundial.

Jurado Nº 2

Justin Kemp (Nicholas Hoult) es un hombre de familia, periodista en recuperación y miembro de un jurado en un caso de asesinato con alta carga mediática. A medida que avanzan las deliberaciones, Kemp comienza a darse cuenta de que podría tener una conexión directa con el crimen que se está juzgando.

El conflicto moral se apodera de él: ¿debe revelar la verdad y arriesgarse a arruinar su vida o debe permanecer en silencio y permitir que el juicio siga su curso? La presión aumenta conforme la fiscal del caso, interpretada por Toni Collette, presenta pruebas cada vez más contundentes contra el acusado. Kemp, atrapado en una red de mentiras y decisiones imposibles, deberá enfrentarse a su propia conciencia en un juego donde la verdad puede ser su peor enemigo.

Ojo spoilers:

Desde el inicio, Eastwood nos sitúa en la sala del tribunal, donde el juicio por asesinato parece ser un caso más de justicia rutinaria. El acusado, un joven de clase baja, es señalado como responsable de un homicidio cometido en circunstancias poco claras.

Sin embargo, a medida que se presentan las pruebas, Justin Kemp empieza a experimentar un creciente malestar. Un testimonio clave describe una escena que encaja con un recuerdo borroso de su pasado: una noche en la que, conduciendo bajo los efectos del alcohol, estuvo involucrado en un accidente en la misma zona del crimen.

El dilema moral se intensifica cuando el jurado se retira a deliberar. Mientras el resto de los miembros parecen inclinados a un veredicto de culpabilidad, Kemp lucha internamente: ¿está condenando a un inocente para ocultar su propia responsabilidad?

Desesperado, intenta confesar su dilema a su esposa, pero se encuentra con otra barrera: su relación familiar podría desmoronarse si la verdad sale a la luz. Por otro lado, la fiscal Killebrew (Collette) presiona para un veredicto rápido, y el juez (J.K. Simmons) impone un plazo estricto para la decisión final.

En la recta final, Kemp se enfrenta a una elección imposible: si habla, arruinará su vida, pero si calla, condenará a otro. En un momento de máxima tensión, decide escribir una nota anónima a la defensa, sugiriendo nuevas pruebas que pueden cambiar el curso del juicio sin revelar directamente su culpabilidad.

El juicio se reabre y, aunque el veredicto final sigue siendo incierto, Kemp queda atrapado en un limbo de culpa del que nunca podrá escapar.

Opinión

Clint Eastwood, con su característico estilo sobrio y sin artificios, construye un thriller legal tenso que se centra más en el conflicto moral del protagonista que en el suspense tradicional.

Las actuaciones elevan la película: Nicholas Hoult logra transmitir la angustia de un hombre atrapado en su propia mentira, mientras que Toni Collette brilla como una fiscal implacable que no sospecha que su mayor aliado en el jurado es, en realidad, parte del problema.

En cuanto a la crítica, Jurado Nº 2 ha sido bien recibida en general. Pablo O. Scholz, de Diario Clarín, la describe como «un filme de suspenso que pide la reflexión del espectador ante lo que le muestran». Por su parte, Leonardo García Tsao, de La Jornada, destaca que «Eastwood dirige con su acostumbrado estilo sobrio, sin adornos de ningún tipo, y obtiene interpretaciones convincentes de su uniforme reparto».

No obstante, algunos críticos consideran que la película sigue un desarrollo predecible y que no arriesga lo suficiente en su resolución.

Curiosidades

  • Se rumorea que Jurado Nº 2 podría ser la última película de Clint Eastwood como director. A sus 94 años, el cineasta ha insinuado su retiro tras este proyecto.
  • La película rinde homenaje a clásicos del cine judicial como 12 hombres sin piedad (1957), recreando escenas de deliberación llenas de tensión.
  • Kiefer Sutherland aceptó su papel en la película sin leer el guion, solo por la oportunidad de trabajar con Eastwood.
  • Eastwood es conocido por sus rodajes rápidos y eficientes. En este caso, la filmación duró solo 34 días.
  • En un primer momento, el protagonista iba a ser interpretado por Jake Gyllenhaal, pero por problemas de agenda se optó por Nicholas Hoult.

Conclusión

Jurado Nº 2 es un thriller judicial que, sin reinventar el género, nos sumerge en un dilema moral inquietante. Eastwood demuestra una vez más su maestría al narrar historias sobre la culpa y la redención, dejando en el espectador la incómoda pregunta: ¿qué haríamos en el lugar del protagonista?

Si esta resulta ser su última película, Clint Eastwood se despide con una obra digna de su legado, sin estridencias, pero con su sello inconfundible.

La infiltrada (2024)

«La infiltrada» es la nueva película de Arantxa Echevarría, directora reconocida por su trabajo en «Carmen y Lola» y la no tan conocida «Chinas» que para mi es una obra de arte. Con un estilo realista y comprometido, Echevarría se adentra en el thriller político con esta historia basada en hechos reales. El guion, coescrito por la propia Echevarría junto a Amèlia Mora, combina tensión y drama, logrando un retrato profundo del conflicto vivido por la protagonista.

El reparto está encabezado por Carolina Yuste («Chinas», «Carmen y Lola», «Saben aquell«), quien brilla en el papel de Aranzazu Berradre, acompañada por un elenco de lujo que incluye a Luis Tosar («Celda 211«, «Los lunes al sol«), Iñigo Gastesi («Marco«, «Vis a Vis«), Diego Anido («As bestas«, «Rapa«). Que ingrato es ser el malo de la película. Quiero hacer especial mención al papelón que hace siempre Diego Anido. Que siempre es el malo. Y que siempre lo hace muy bien.

La producción corre a cargo de Bowfinger International Pictures y Beta Fiction Spain, con un presupuesto de aproximadamente 5 millones de euros. Desde su estreno el 11 de octubre de 2024, «La infiltrada» ha sido un éxito en taquilla, recaudando cerca de 8,5 millones de euros. Se ha convertido en la película española dirigida por una mujer más taquillera hasta la fecha, reafirmando el interés del público por historias basadas en hechos reales y bien ejecutadas.

La infiltrada

En plena actividad de la organización terrorista ETA, Aranzazu Berradre es seleccionada por la Policía Nacional para una misión encubierta sin precedentes. Con apenas 20 años, asume una identidad falsa e ingresa en la izquierda abertzale con el objetivo de desarticular el comando Donosti.

A medida que se sumerge en la organización, la tensión crece. Aranzazu vive bajo una amenaza constante, enfrentándose al dilema de traicionar a quienes han llegado a confiar en ella o cumplir con su deber. El film muestra de manera detallada su infiltración, sus dilemas morales y las consecuencias de una vida en la sombra.

Opinión

«La infiltrada» es un thriller absorbente que destaca por su realismo y su carga emocional. Arantxa Echevarría logra plasmar la tensión y el sacrificio de la protagonista sin caer en dramatismos innecesarios. Carolina Yuste entrega una actuación potente y contenida, transmitiendo la angustia de vivir una doble vida.

El ritmo narrativo mantiene al espectador en vilo, con una fotografía sobria que refuerza la atmósfera de peligro constante. La película no solo es un retrato de una operación policial, sino también una reflexión sobre los límites del compromiso y la identidad.

Curiosidades

  • Carolina Yuste pasó meses investigando sobre la infiltración policial en ETA para construir su personaje.
  • El rodaje se llevó a cabo en localizaciones reales en el País Vasco y Navarra para aumentar el realismo.
  • Arantxa Echevarría entrevistó a varios ex-agentes encubiertos para lograr mayor autenticidad en la narración.
  • La película fue nominada a 13 premios Goya 2025 y ganó en la categoría de Mejor Película y Mejor Actriz Protagonista.
  • El asesinato de Gregorio Ordoñez en 1995 se filmó en el mismo bar y en la misma mesa donde ocurrió, La Cepa, en la Parte Vieja

Conclusión

«La infiltrada» es una película intensa y necesaria, que nos recuerda el sacrificio de quienes han trabajado en la sombra por la seguridad de muchos. Con una historia impactante, un reparto excepcional y una dirección impecable, se convierte en una de las grandes apuestas del cine español de 2024.

Si te gustan los thrillers bien construidos, llenos de tensión y con un trasfondo histórico, «La infiltrada» es una opción imperdible. Eso sí, prepárate para un viaje emocional de los que dejan huella.

Nuestros premios sin premio a las mejores películas de 2024

Estamos en esa época del año en la que todo el mundo se pone intenso con los premios pre-Óscar, que si los BAFTA, que si los Critics Choice, que si los Globos de Oro… Pues bien, nosotros no queríamos ser menos. Así que también hemos decidido dar unos premios. Pero sin premio. Porque nosotros no tenemos dinero y hacemos esto por amor al arte. Que si alguien nos quiere patrocinar, oye, que estamos abiertos a negociar.

1. Substance

Después de múltiples nominaciones y premios en diferentes festivales. Poco más se puede decir de Substance que no haya dicho ya en mi artículo (que deberías leer, por cierto). Es una absoluta joya que mezcla ciencia ficción y terror con un comentario social mordaz.

Demi Moore está impresionante, la atmósfera es opresiva y el concepto de la película es simplemente brillante. Para mí, la mejor de 2024 sin discusión.

2. Civil WarCivil War poster

Está siendo una de las grandes olvidadas en los premios pero es un peliculón (también escribí de ella en su día). Alex Garland ha vuelto a hacer de las suyas, y esta vez con una película que se siente demasiado real para ser ficción. Civil War no es solo una historia de guerra moderna en suelo estadounidense, sino un golpe en la cara a la polarización y la decadencia de la democracia. La fotografía es una barbaridad, la tensión es constante y hay escenas que se te quedan grabadas en la retina. Soberbia. Si tuviera que elegir otra película para ver en el cine, quizás sea esta.

Kirsten Dunst está espectacular.

3. La infiltrada

La vi hace poco y todavía tengo que escribir su artículo (que también deberías leer cuando lo publique). No quiero adelantar demasiado, pero sí puedo decir que es un thriller bien construido, con un ritmo que no decae y una interpretación protagonista que lleva la película a otro nivel. Merecidísimo su reconocimiento en los Goya como co-ganadora del premio a mejor película.

La actuación de Carolina Yuste en La infiltrada la hizo ganadora del Goya a la actriz femenina de forma totalmente justificada.

4. Emilia Pérez

Hay que hablar de Emilia Pérez (yo ya hable de ella). Es una buena película, lo digo sin miedo. Premiada en diferentes festivales por diferentes motivos. El problema es que ha estado muy perjudicada por la polémica alrededor de su director y su protagonista principal. Y también porque una de sus actrices no se le entiende nada cuando habla (que alguien le pase un subtítulo, por favor). Pero si dejas eso de lado, la película está bien contada y es valiente en su planteamiento.

Zoe Saldaña espectacular. Mira que soy fan de Selena Gomez por «Solo Asesinatos en el Edificio» pero es que en este papel no hay por donde cogerla.

5. Conclave

Una película que ha sorprendido por su sobriedad y su capacidad de mantener la tensión en una historia donde todo se juega con miradas y diálogos afilados. Conclave es un thriller político y religioso que atrapa desde el primer momento y que merece un puesto en esta lista.

Ralph Fiennes brilla en un papel contenido pero poderoso, demostrando una vez más su enorme talento interpretativo.

Otras películas destacadas

Me niego a escribir un post sobre películas de 2024 y no nombrar películas como:

Wicked: Me gustó bastante mas de lo que esperaba. Pero creo que acababa de ver otros dos musicales esa semana, no recuerdo exactamente cuales (quizás el Joker 2 y alguna otra cosa del estilo), y mi cabeza tiene un límite de dos musicales semanales. No la pude apreciar como se merece.

El 47: Estoy deseando verla, no tengo ni idea de que va, ni quiero saberlo, ya que le quitaría gracia al asunto. Estoy muy interesado en verla tanto por la actuación del ganador al Goya por protagonista masculino Eduard Fernandez como por el del Goya al actor de reparto el malagueño Salva Reina.

The brutalist: Menos mal que pusieron un descanso para que pudiera tomarme algo, y despertarme un poco.

Dune: Part 2: Es una película intranscendente. Una gran inversión en efectos especiales, en casting y en general en todo. Y un éxito en taquilla. Hicieron un buen negocio vendiendo algo que no había. Ni una buena historia, ni grandes actuaciones, ni un gran guión…

Segundo premio: No sé como ha conseguido colarse en los Goya. No se como ha conseguido estrenarse en cines. Está basada en la historia del grupo «Los planetas«. Y «Los planetas» reniegan de ella.

Better Man - VOD/Rent Movie - Where To Watch

Better Man: Al contrario que la anterior, estaría un buen rato hablando de esta (y lo haré cuando escriba el post correspondiente), y sinceramente, espero que esta película si que tenga repercusión histórica, y se ponga de vez en cuando en la tele. Actualmente proporciona un cambio de concepto donde un protagonista de la película es un ser animado mientras el resto no, pero por otra parte, muestra también la parte mas sentimental y profunda de los sentimientos del protagonista que no es ni mas ni menos que Robbie Williams.

Actuaciones destacadas

El Goya al mejor actor se lo llego Eduard Fernandez, por Marco, aunque también es el protagonista de «El 47», co-ganadora del premio a mejor película junto a La infiltrada. Estoy deseando ver tanto Marco, como el 47, ya que ambas prometen ser grandes películas.

Decir Luis Tosar es sinónimo de actuación sólida, creíble, exitosa. Todo el mundo sabe que donde pongas a Luis Tosar al menos vas a ver a un buen actor haciendo un buen papel. Y en La infiltrada lo vuelve a hacer, obviamente. Y lo mismo ocurre con Adrien Brody, que en The brutalist no decepciona. De nuevo, da igual donde lo pongas, que él va a clavar su papel.

Y en la sección femenina, Zoe Saldaña en Emilia Perez hace un papel espectacular, junto con Kirsten Dunst o como ya he comentado previamente Carolina Yuste en «La infiltrada». Añadiría también a Cynthia Erivo de «Wicked» que también me gustó mucho. Y por poco se me olvida nombra a Demi Moore, teniendo 60 años hace una película donde dice que la despiden por tener 50.

Menciones especiales

Histórico el empate entre El 47 y La infiltrada en los Goya, hacia años que no se daba un empate en un premio, y mucho menos en el de mejor película. Pero también histórica la cantidad de fallos técnicos que hubo en la retransmisión. Entre los problemas de imagen y sonido, hubo momentos en los que parecía que el Goya al mejor montaje lo estaban haciendo en directo y con Windows Movie Maker.

Otra mención especial, porque solo ocurre una vez en la vida, recordar que hace 30 años que se grabó una de las mejores películas de la historia, a mi entender, como es Pulp Fiction, y posiblemente una de las películas que más veces haya visto en mi vida, y que sigo disfrutando cada vez que veo.

En fin, este ha sido nuestro humilde intento de lista de lo mejor de 2024. Sin premios, pero con amor al cine. Ahora sí, a esperar los Óscar, que seguro que también nos dan material para comentar.

 

Escape (2024)

Rodrigo Cortés, reconocido por su habilidad para crear atmósferas de tensión y suspense, regresa a la gran pantalla con «Escape» (2024), una película que mezcla el drama existencial con el humor negro. El director español, conocido por títulos como «Buried» (2010) y «El amor en su lugar» (2021), ha sido galardonado en diversos festivales internacionales y en esta ocasión nos ofrece una historia provocadora basada en la novela homónima de Enrique Rubio.

El reparto está encabezado por Mario Casas en el papel de N., un personaje que busca desesperadamente perder su autonomía ingresando voluntariamente en la cárcel. Casas, quien previamente ha trabajado en películas como «No matarás» (2020) y «Bajo la piel de lobo» (2017), demuestra una vez más su capacidad para interpretar roles complejos. Acompañándolo, Anna Castillo interpreta a Abril, la hermana que intenta impedir su autodestrucción. Castillo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por «El Olivo» (2016), aporta una profundidad emocional que contrasta con la frialdad del protagonista.

En el elenco también encontramos a Guillermo Toledo, Josep Maria Pou, Blanca Portillo, José Sacristán y Juanjo Puigcorbé, todos ellos con una amplia trayectoria en cine y televisión. La película ha sido producida por Nostromo Pictures en colaboración con Movistar Plus+ y RTVE, y ha contado con la participación de Martin Scorsese como productor ejecutivo, lo que añade un prestigio adicional al proyecto.

No nos podemos olvidar de la especial colaboración de Albert Plá. Al contrario de lo que esperaba, tuve la ocasión de preguntar al director si fue difícil dirigirlo en una película así y sin embargo, el director comentaba que era una película en la que las cosas fluían mucho, y que fue fácil y que muchas cosas simplemente se iban añadiendo a la historia y que Albert Plá aportó mucho y fue fácil trabajar con el.

Una de las anécdotas que nos contó el director es que ir con los cascos todo el rato no era una parte del guión pero que en algún momento, para evitar el ruido los cogió Mario Casas, para protegerse, del supermercado (no quiero revelar mas detalles), y que al director le gustó la imagen que proyectaba, por lo que se quedaron durante el resto de la película.

Escape

N. es un hombre que se siente atrapado en su propia existencia. Cansado de la toma constante de decisiones y del peso de la libertad, desarrolla una obsesiva idea: vivir en la cárcel para liberarse de la carga de la autonomía. En su búsqueda de encarcelamiento, comete delitos cada vez más graves, convencido de que solo entre rejas podrá encontrar la paz. Sin embargo, las cosas no salen como espera y pronto se enfrenta a un sistema que, irónicamente, se resiste a concederle su extraño deseo.

A medida que N. avanza en su plan, la sociedad que lo rodea reacciona de maneras inesperadas. Mientras que su hermana Abril lucha por comprender su decisión e intenta convencerlo de que existen otras soluciones, los medios de comunicación comienzan a retratar su caso como una anomalía, convirtiéndolo en una figura mediática. Paralelamente, las autoridades judiciales se encuentran en un dilema: castigar los delitos de N. de manera proporcional o impedir que cumpla su inusual objetivo.

La película nos sumerge en un mundo donde la lógica parece desdibujarse, explorando temas como la alienación social, la burocracia del sistema penal y la propia naturaleza del castigo y la libertad. En un giro inesperado, N. descubre que estar dentro de la cárcel no es la solución que imaginaba, lo que lo obliga a replantear su concepto de escape y a enfrentarse a una realidad aún más absurda de la que intentaba huir.

Análisis y Opinión:

«Escape» es una propuesta audaz que juega con los límites del absurdo y el drama existencial. Rodrigo Cortés, reconocido por su dominio de la tensión cinematográfica, nos sumerge en un viaje introspectivo a través del protagonista, interpretado magistralmente por Mario Casas. Sin embargo, aunque su actuación logra transmitir la angustia y determinación de un personaje que busca en la cárcel una solución a su desasosiego interno, personalmente considero que Casas es un actor bastante mediocre, con actuaciones poco creíbles que restan fuerza a la historia.

Por otro lado, el papel corto pero intenso de José Sacristán es una maravilla y no deja indiferente. Su interpretación aporta un peso dramático que equilibra las deficiencias del protagonista y eleva la calidad general de la película.

Anna Castillo, en el papel de Abril, ofrece una interpretación emotiva como la hermana del protagonista, tratando de comprender y evitar su drástico plan. La dinámica entre ambos aporta un toque humano a la historia, que en ocasiones se siente surrealista y kafkiana.

El guion de Cortés equilibra la tragedia con el humor negro, generando una sensación de incomodidad en el espectador. La dirección de fotografía de Rafa García utiliza tonos fríos y encuadres cerrados para reforzar la sensación de opresión que rodea al protagonista. La música de Víctor Reyes añade un matiz de melancolía a la narración.

Aunque la película inicia con un ritmo intrigante, algunos pasajes en la segunda mitad pueden sentirse algo prolongados. A pesar de ello, «Escape» mantiene su capacidad de provocar reflexión sobre la libertad, la alienación y la paradoja del control dentro de la sociedad.

Curiosidades:

  • La película está basada en la novela «Escape» de Enrique Rubio, aunque Cortés tomó ciertas licencias narrativas para adaptarla al lenguaje cinematográfico.
  • Martin Scorsese participó como productor ejecutivo, lo que añadió un notable prestigio al proyecto.
  • «Escape» tuvo su estreno en la 72ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y en el 57º Festival de Sitges, donde fue bien recibida por la crítica especializada.
  • No se sabe que nombre se esconde detrás de «N»

Conclusión:

«Escape» es una película arriesgada y provocadora que juega con el absurdo y el existencialismo de una manera inusual en el cine español. Sin embargo, no estoy seguro de si se trata de una comedia, un drama o una tragicomedia, lo que me hace dudar sobre si realmente es una buena película. La dificultad de catalogarla puede ser vista como un mérito o una debilidad, dependiendo del espectador. Lo que sí tengo claro es que hay muchas otras películas que volvería a ver antes que esta.

 

Black Panther (2018)

«Black Panther» es una película de superhéroes del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) dirigida por Ryan Coogler y estrenada en 2018. Coogler también ha dirigido películas como «Fruitvale Station» (2013) y «Creed» (2015), consolidándose como un director talentoso en el cine contemporáneo.

La película tuvo un presupuesto de aproximadamente 200 millones de dólares y logró una recaudación global de más de 1.3 mil millones de dólares, convirtiéndose en un gran éxito comercial. Fue distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures y recibió múltiples premios en festivales internacionales. Entre sus reconocimientos destacan tres Premios Oscar (Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora), además de nominaciones a Mejor Película y otras categorías. También ganó el premio SAG al Mejor Elenco y recibió galardones en los Critics’ Choice Awards y los BAFTA.

Se convirtió en un fenómeno cultural y fue la primera película de Marvel en recibir una nominación al Oscar a Mejor Película. A pesar de su impacto, no es mi favorita del UCM, ya que me parece más bien una excusa para la existencia de Black Panther dentro de la franquicia.

Reparto Principal

Black Panther

Tras la muerte de su padre, T’Challa regresa a Wakanda para asumir el trono como rey. Sin embargo, su liderazgo se ve amenazado por Erik Killmonger, un enemigo con una visión radical sobre el futuro de Wakanda. Killmonger, que ha crecido fuera del reino, cuestiona las políticas aislacionistas de Wakanda y pretende utilizar su tecnología avanzada para liberar a los oprimidos del mundo mediante la fuerza.

Mientras T’Challa lucha por equilibrar sus deberes como rey y como Black Panther, se enfrenta a una traición interna cuando M’Baku, líder de la tribu Jabari, lo desafía en combate ritual por el trono. Tras ser derrotado temporalmente, T’Challa busca la ayuda de Nakia, Shuri y Okoye para retomar su lugar como gobernante y detener los planes de Killmonger, que pretende lanzar una revolución global desde Wakanda.

La película explora temas como la identidad, la responsabilidad, la lucha por el poder y el conflicto entre el aislamiento y la globalización. En su clímax, T’Challa y Killmonger se enfrentan en una batalla decisiva que pone en juego no solo el destino de Wakanda, sino también su legado como nación.

Análisis y Opinión Personal

Si bien la película ha sido elogiada por su representación cultural y diseño visual, siento que narrativamente no es tan innovadora como otras dentro del UCM. Su estructura es bastante convencional, y la trama sigue un esquema de «héroe descubre su identidad y derrota al villano» sin muchas sorpresas.

Sin embargo, lo que sí destaca son las coreografías de combate, muy logradas y bien ejecutadas. Las secuencias de acción, en especial las que involucran a Okoye y las Dora Milaje, son de lo mejor de la película.

Estoy realizando un reto de ver todas las películas y series de Marvel en orden cronológico, aunque Mia Wallace ha hecho que me vea las de Spider-Man antes de tiempo debido a su entusiasmo por el personaje.

Curiosidades

  • «Black Panther» fue la primera película de superhéroes nominada al Oscar a Mejor Película.
  • La banda sonora fue producida por Kendrick Lamar y ganó un Grammy.
  • Michael B. Jordan se inspiró en el Magneto de los X-Men para dar vida a Killmonger.
  • Wakanda está inspirada en varias culturas africanas, incluyendo la zulú y la masai.

Conclusión

«Black Panther» es una película con un impacto cultural innegable y con un diseño de producción impresionante, pero en cuanto a narrativa, se siente dentro de lo convencional. No es mi favorita del UCM, pero reconozco su importancia dentro de la saga y el cine en general.

 

The brutalist (2024)

The Brutalist es una película de drama histórico épico dirigida y producida por Brady Corbet, quien coescribió el guion junto a Mona Fastvold. Corbet, además de su faceta como director, es conocido por películas como The Childhood of a Leader (2015) y Vox Lux (2018), ambas bien recibidas en el circuito de festivales por su enfoque visual distintivo y narrativas introspectivas. Por su parte, Mona Fastvold ha trabajado previamente en guiones como The World to Come (2020), que explora una profunda historia de amor en un entorno hostil y melancólico.

La cinta es una coproducción internacional entre Estados Unidos, Reino Unido y Hungría, y está protagonizada por Adrien Brody, Felicity Jones y Guy Pearce.

Adrien Brody, ampliamente reconocido por su papel en El Pianista (2002), ofrece una interpretación intensa en este film. Felicity Jones, conocida por La teoría del todo (2014) y Rogue One: Una historia de Star Wars (2016), aporta profundidad y sensibilidad a su personaje. Guy Pearce, actor de filmes como Memento (2000) y L.A. Confidential (1997), encarna un rol que complementa perfectamente la narrativa de la película.

El elenco también cuenta con la participación de Alessandro Nivola (American Hustle, The Many Saints of Newark), Isaach De Bankolé (Casino Royale, Ghost Dog: The Way of the Samurai), Raffey Cassidy (Vox Lux, El sacrificio de un ciervo sagrado) y Stacy Martin (Nymphomaniac, Vox Lux), quienes aportan interpretaciones destacadas en papeles secundarios que enriquecen la trama y refuerzan la atmósfera del filme.

Teniendo en cuenta la capacidad de atención cada vez menor de la sociedad debido a las redes sociales y su información de consumo inmediato y urgente, una película de esta duración me parece una apuesta muy arriesgada. Su duración es nada mas y nada menos que de 215 minutos, y recupera un intermedio de 15 minutos para comodidad del espectador, al igual que se hacia antiguamente en películas muy largas como Lo que el viento se llevó o 2001: Una odisea en el espacio. Según el propio director, aunque pueda parecer sorprendente, ese descanso estaba programado desde el inicio de la grabación de la película, ya que ni el mismo es capaz de aguantar 3 horas y media sentado en una butaca de cine.

Estrenada en el 81.º Festival Internacional de Cine de Venecia el 1 de septiembre de 2024, donde Corbet recibió el León de Plata a la Mejor Dirección, The Brutalist se estrenó en Estados Unidos el 20 de diciembre de 2024 y en el Reino Unido el 24 de enero de 2025. Con un presupuesto estimado de 9,6 millones de dólares, la película ha recaudado aproximadamente 25 millones de dólares a nivel mundial.

The Brutalist ha sido aclamada en la temporada de premios, obteniendo diez nominaciones en la 97.ª edición de los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director para Brady Corbet y Mejor Actor para Adrien Brody. En los Globos de Oro 2025, la película ganó tres galardones: Mejor Película – Drama, Mejor Director y Mejor Actor en una Película – Drama para Brody.

The brutalist

La película narra la vida de László Tóth (Adrien Brody), un arquitecto judío húngaro que, tras sobrevivir al Holocausto, emigra a Estados Unidos en 1947 junto a su esposa Erzsébet (Felicity Jones). Allí, László lucha por reconstruir su vida y carrera en un país desconocido, enfrentando desafíos personales y profesionales hasta que un acaudalado cliente, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), cambia su destino.

Opinión Personal

Desde mi perspectiva, The Brutalist resulta excesivamente larga, incluso con la inclusión del intermedio. Aunque entiendo la intención del director de desarrollar una narrativa pausada y reflexiva, hay momentos en los que la película se torna demasiado contemplativa, ralentizando el ritmo de una historia que, en esencia, es poderosa. La primera mitad avanza con una cadencia muy lenta, lo que puede dificultar la inmersión inicial para algunos espectadores. Sin embargo, la segunda parte ofrece una narrativa más dinámica y envolvente, con escenas que logran capturar la atención de manera mucho más efectiva.

Uno de los aspectos más destacables de la película es su cinematografía. Cada plano está cuidadosamente compuesto, utilizando una paleta de colores sobria y una iluminación medida que refuerza el tono melancólico de la historia. La arquitectura y el diseño de producción juegan un papel fundamental en la narrativa visual, transmitiendo la frialdad y monumentalidad del brutalismo arquitectónico que da nombre a la película.

Adrien Brody, como es habitual, ofrece una actuación magistral. Su capacidad para transmitir emociones con sutileza y profundidad es una de las grandes fortalezas del film. No importa en qué producción se encuentre, Brody siempre eleva el material con su interpretación. Felicity Jones también brilla en su papel, aportando una gran sensibilidad a su personaje. El resto del elenco conforma una actuación coral efectiva, creando un universo coherente y bien interpretado.

Si bien la película tiene sus momentos de grandeza, también es cierto que podría haber sido más concisa sin perder impacto. Hay escenas que podrían haberse acortado sin sacrificar la esencia de la historia. No obstante, para aquellos que disfrutan de narrativas pausadas y de un cine que apuesta por la exploración de personajes y temáticas profundas, The Brutalist es una experiencia que vale la pena.

Curiosidades y Datos Adicionales

  • Recepción Crítica: La película ha sido elogiada por su dirección, guion, actuaciones, cinematografía y banda sonora. Algunos críticos han destacado su ambición y profundidad temática, mientras que otros han señalado su extensa duración como un posible inconveniente.
  • Uso de Inteligencia Artificial: Una característica notable de The Brutalist es la utilización de inteligencia artificial para retocar los acentos de los actores y generar algunos de los impresionantes edificios y escenarios que se ven durante el metraje. El director, Brady Corbet, ha defendido este enfoque como una herramienta controlada para mejorar la narrativa visual.
  • Tecnologías Cinematográficas: La película ha sido elogiada por revivir el uso de VistaVision, un formato de película de alta resolución que fue popular en la década de 1950. Este enfoque ha sido destacado por varios críticos como un retorno a técnicas cinematográficas clásicas.
  • No se trata de un biopic: se trata de una obra totalmente ficticia aunque por el realismo que transmite pueda considerarse lo contrario. Nunca existieron esos personajes, aunque estoy seguro que son historias similares a las que vivieron muchos en esa época.

Conclusión

The Brutalist es una obra cinematográfica ambiciosa que, a pesar de su ritmo pausado en la primera mitad, recompensa al espectador con una narrativa enriquecedora y actuaciones destacadas. La dirección de Brady Corbet y la interpretación de Adrien Brody aportan profundidad y autenticidad a la historia. Aunque su duración puede ser un desafío para algunos, la película ofrece una experiencia cinematográfica inmersiva y reflexiva, ideal para aquellos que buscan un cine de autor con un alto contenido artístico.

 

Nosferatu (2024)

Nosferatu (2024) es una reinterpretación del clásico del cine mudo de 1922, dirigida por Robert Eggers. La película original, dirigida por F.W. Murnau, es considerada una obra maestra del cine expresionista alemán y una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker. En esta nueva versión, Eggers busca rendir homenaje al original mientras aporta su visión contemporánea al relato gótico de terror.

La dirección y el guión recaen sobre Robert Eggers, conocido por sus trabajos en La bruja (2015) y El faro (2019). La producción sobre Jeff Robinov, John Graham, Chris Columbus, Eleanor Columbus y Robert Eggers. La producción musical esta a cargo de Robin Carolan. Y la fotografía corre a cuenta de Jarin Blaschke. El presupuesto con el que contó Robert Eggers fue solo de 50 millones y su recaudación a dia de hoy son unos 167 millones de dólares. Su duración es de 132 minutos y esta distribuida por Focus Features en Estados Unidos y Universal Pictures a nivel internacional.

Su reparto es el siguiente:

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Nosferatu

Ambientada en 1838, la historia sigue a Thomas Hutter, un joven agente inmobiliario que viaja a Transilvania para cerrar una venta con el enigmático Conde Orlok. Tras una serie de eventos inquietantes en el castillo del conde, Hutter descubre la verdadera naturaleza de Orlok y su obsesión por Ellen, la esposa de Hutter. El conde decide trasladarse a Wisborg, llevando consigo una plaga y el terror a la pequeña ciudad.

Análisis y Opinión Personal

Al igual que la versión original de 1922, esta nueva adaptación de Nosferatu mantiene una atmósfera sombría y una narrativa pausada. Personalmente, encontré que ambas versiones carecen de dinamismo, lo que las hace algo tediosas. Sin embargo, es innegable la calidad técnica y artística de la película.

Una grata sorpresa fue la actuación de Lily-Rose Depp como Ellen Hutter. La hija de Johnny Depp, logra destacarse por mérito propio, aportando una vulnerabilidad y profundidad al personaje que enriquecen la narrativa. Por otro lado, Willem Dafoe, en el papel del Profesor Eberhart, ofrece una interpretación sólida y convincente, algo esperado dada su trayectoria.

Bill Skarsgård, interpretando al Conde Orlok, aporta una presencia inquietante y perturbadora, aunque su actuación puede resultar predecible para quienes están familiarizados con sus roles anteriores en el género de terror.

Bill Skarsgård prêt à hanter les écrans dans le rôle de Nosferatu

La dirección de Robert Eggers se caracteriza por su meticulosidad y atención al detalle, recreando con fidelidad la estética gótica y opresiva de la época. Sin embargo, esta fidelidad puede ser un arma de doble filo, ya que la película puede resultar demasiado similar a la original, sin aportar suficientes elementos novedosos que justifiquen una nueva adaptación.

Curiosidades

  • Se utilizó el nombre de Conde Orlok en lugar de Conde Drácula para evitar temas legales, ya que no tenían los derechos sobre el libro. Sin embargo en la versión de 1979 ya si se pudo usar el nombre de Conde Drácula.
  • Lily-Rose Depp es hija de Jhony Depp y la cantante, actriz y modelo Vanessa Paradis.
  • El papel de Lily-Rose Depp estaba pensado originalmente para Anya Taylor-Joy.
  • El perfumista Douglas Little colaboró con Focus Features para crear «Eau de Macabre», una fragancia inspirada en la película.
  • Para interpretar al Conde Orlok, Skarsgård se sometió a una intensa transformación física. Perdió una cantidad significativa de peso y pasó hasta seis horas diarias en maquillaje, utilizando alrededor de 62 prótesis para lograr la apariencia deseada. Además, trabajó con una entrenadora de ópera para bajar su voz una octava, incorporando técnicas de canto gutural mongol.

Conclusión

Nosferatu (2024) es una película que destaca por sus valores de producción, actuaciones sólidas y una dirección cuidadosa. Sin embargo, su ritmo lento y la falta de innovación en la narrativa pueden hacer que resulte monótona para algunos espectadores. A pesar de ello, es una obra que merece ser vista, especialmente por aquellos interesados en el cine de terror clásico y las reinterpretaciones contemporáneas de historias emblemáticas.

Conclave (2024)

Cónclave es un thriller dramático dirigido por Edward Berger y basado en la novela homónima de Robert Harris. La película nos sumerge en el proceso secreto de elección de un nuevo Papa tras la muerte del Pontífice anterior, explorando las tensiones, alianzas y secretos que se esconden detrás de los muros del Vaticano. Con un reparto excepcional y una narrativa envolvente, Cónclave promete ser una de las películas más intrigantes del año.

La película está dirigida por Edward Berger, conocido por su trabajo en Sin novedad en el frente (2022). El guion fue adaptado por Robert Harris, autor de la novela original. Se estima su presupuesto en 50 millones de dólares. Y una recaudación de unos 84.5 a día de hoy. La película dura 127 minutos, y esta distribuida por Warner Bros. Pictures.

El elenco de Cónclave está compuesto por actores de renombre que aportan profundidad y autenticidad a la narrativa:

Reparto conclave
Reparto conclave

Ralph Fiennes como Cardenal Thomas Lawrence: Encargado de liderar el cónclave y descubrir secretos que podrían sacudir los cimientos de la Iglesia. Fiennes es conocido por sus papeles en La lista de Schindler (1993), El paciente inglés (1996) y como Lord Voldemort en la saga de Harry Potter de la que escribía recientemente.

Stanley Tucci como Cardenal Bellini: Un influyente líder con carisma y poder dentro del Vaticano. Tucci ha destacado en películas como El diablo viste de Prada (2006), Julie & Julia (2009) y Los juegos del hambre (2012-2015).

John Lithgow como Cardenal Tremblay: Un estratega astuto con ambiciones ocultas. Lithgow es reconocido por sus actuaciones en La fuerza del cariño (1983), Footloose (1984) y la serie The Crown (2016-2019).

Sergio Castellitto como Cardenal Tedesco: Figura prominente con una visión tradicionalista de la Iglesia. Castellitto es conocido por No te muevas (2004) y La estrella ausente (2006).

Isabella Rossellini como Hermana Agnes: Una enigmática monja con un papel crucial en la trama. Rossellini ha participado en Terciopelo azul (1986), Muerte se convierte en ella (1992)  (en España: La muerte os sienta tan bien).

Lucian Msamati como Cardenal Adeyemi: Un candidato progresista con ideas renovadoras. Msamati es conocido por su papel en la serie La desaparición de Kiri y The No. 1 Ladies Detective Agency.

Brian F. O’Byrne como Cardenal O’Malley: Un cardenal influyente con fuertes convicciones. O’Byrne ha aparecido en Million Dollar Baby (2004) y Antes que el diablo sepa que has muerto (2007).

Jacek Koman como Cardenal Wozniak: Un miembro del cónclave con secretos que podrían cambiar el curso de la elección. Koman es reconocido por Moulin Rouge! (2001) y Romulus, My Father (2007).

Cada actor aporta una interpretación sólida y matizada, elevando la tensión y el drama dentro de la película. La química entre el elenco contribuye a la autenticidad y realismo del relato.

A continuación, se detallan las principales nominaciones y galardones obtenidos:

Premios Óscar 2025 con 8 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Actor Principal para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini. Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Vestuario para Lisy Christl

Globos de Oro 2025 con 6 nominaciones, de las cuales ganó 1 premio: Mejor Guion para Peter Straughan (ganador), y nominaciones en Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Banda Sonora Original para Volker Bertelmann

Premios BAFTA 2025 con 12 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Film Británico, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor para Ralph Fiennes, Mejor Actriz Secundaria para Isabella Rossellini, Mejor Casting para Nina Gold y Martin Ware, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Fotografía para Stéphane Fontaine, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Diseño de Vestuario para Lisy Christl.

Festival de San Sebastián 2024 donde fue nominada a la Concha de Oro: Mejor Película.

Premios del Cine Europeo (EFA) 2024 Nominada a Mejor Actor para Ralph Fiennes.

Satellite Awards 2024 con 8  nominaciones, incluyendo: Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter.

Estas nominaciones y premios reflejan el reconocimiento de la crítica y la industria cinematográfica hacia Cónclave, destacando su excelencia en diversas áreas de la producción cinematográfica.

Cónclave

Tras la muerte del Papa, los cardenales del mundo se reúnen en la Capilla Sixtina para llevar a cabo el cónclave que elegirá a su sucesor. El Cardenal Lomeli, Decano del Colegio Cardenalicio, se convierte en el árbitro de un proceso lleno de tensión, donde se revelan antiguas rencillas, alianzas inesperadas y oscuros secretos que podrían cambiar el curso de la Iglesia Católica. A medida que avanzan las votaciones, Lomeli se enfrenta a dilemas morales que ponen a prueba su fe y su sentido del deber.

Cónclave no solo es una película sobre la sucesión papal, sino que también encierra un trasfondo ideológico que puede ser interpretado de diferentes maneras. A lo largo de la cinta, se perciben ciertos matices de un enfoque más «woke», con discursos sobre modernización y el papel de la Iglesia en la sociedad contemporánea. Aunque no es una película panfletaria, sí deja entrever posturas que pueden generar debate entre los espectadores.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su fotografía. Cada escena está cuidadosamente compuesta, con una iluminación tenue que acentúa la solemnidad y la intriga del cónclave. Los planos cerrados y la dirección de arte logran capturar la opulencia del Vaticano sin caer en la grandilocuencia.

Las actuaciones son sencillamente espectaculares. Ralph Fiennes ofrece una interpretación matizada como el Cardenal Lomeli, mientras que John Lithgow y Stanley Tucci aportan una gran carga dramática a sus respectivos personajes. Isabella Rossellini, en un papel secundario, logra brillar con cada aparición, añadiendo una dosis de misterio a la trama.

A pesar de sus múltiples aciertos, la película deja un poco de lado el componente de la «política internacional» y las negociaciones entre las diferentes congregaciones, un elemento que suele ser crucial en los cónclaves reales. Si bien hay referencias a presiones externas y tensiones dentro de la Iglesia, no se exploran con la profundidad que algunos espectadores podrían esperar.

Sección de Spoilers (advertencia)

Uno de los giros más impactantes de la película ocurre cuando se revela que uno de los cardenales con mayores posibilidades de ser elegido Papa oculta un secreto que podría dividir a la Iglesia. A medida que el Cardenal Lomeli investiga la verdad detrás de esta revelación, se enfrenta a dilemas morales que pondrán en jaque su lealtad a la institución y su propio sentido de justicia.

El clímax del filme es intenso y está cargado de tensión, con una última votación que desafía las expectativas del público. El desenlace deja abierta la interpretación sobre el futuro de la Iglesia y el papel del nuevo Papa en un mundo cambiante.

Curiosidades

  • La película fue rodada en locaciones de Roma y en recreaciones meticulosas del Vaticano.
  • Edward Berger se inspiró en documentos históricos sobre cónclaves reales para dotar de autenticidad a la trama.
  • La Capilla Sixtina fue reconstruida en un estudio con un nivel de detalle impresionante, permitiendo un realismo visual inigualable.
  • Ralph Fiennes aprendió latín para interpretar con mayor credibilidad los diálogos en la película.

Conclusión y Recomendación

Cónclave es una película fascinante, con una gran carga de intriga, actuaciones memorables y una puesta en escena impecable. Sin embargo, debido a su temática y subtexto ideológico, puede no ser del agrado de todos. No la recomendaría a alguien profundamente creyente que busque una visión tradicional de la Iglesia, pero sí a quienes tienen interés en el funcionamiento de las religiones y los dilemas éticos dentro de ellas.

Si bien eché en falta una exploración más profunda de las negociaciones y maniobras políticas que suelen estar presentes en los cónclaves, la película sigue siendo una obra notable que logra capturar la solemnidad y el misterio del proceso de elección papal. En definitiva, una de las propuestas cinematográficas más interesantes del 2024.