Tiene un presupuesto de 78 millones de dólares y a día de hoy ha recaudado 272 millones de dólares. Dura 142 minutos, y al ser de animación cuenta con las voces en su versión original de grandes actores del momento como:
Lupita Nyong’o: Después de aparecer en poniendo su voz en películas como «las nuevas de Star Wars (7,8,9)», que no le hacen ningún favor, o en Black Panther: Wakanda Forever, ha encontrado un muy buen sitio, haciendo un papel protagonista en Robot Salvaje.
Pedro Pascal: Otro actor de moda, no voy a recordar de cuantas series o películas lo conocemos porque entonces no acabamos, co-protagonizando con bastante éxito en esta película. Su papel me recuerda un poco al del gato con botas de Antonio Banderas y no creo que lo hubiera hecho mal nuestro compatriota en este papel. Sin embargo, Pedro Pascal debuta con bastante éxito en el mundo del doblaje.
Kit Connor: Tiene el tercer papel co-protagonista de la película. Lo tengo que reconocer, para mi es un desconocido, me suenan algunas de sus películas y puedo entrar en filmaffinity y hablar de el. Lo único que parece reseñable es una película llamada Heartstopper, que no he tenido el gusto de ver.
Mark Hamill: Es un personaje secundario pero me parecía importante reseñar la presencia de un actor como Mark Hamill en una producción de este tipo.
El reparto en español han sido:
Macarena García, como protagonista, conocida por participar en multitud de series y películas en España y recientemente premiada por su papel en «La Mesias«.
Álvaro Morte, como co-protagonista, es otro de los actores de moda en España desde que co-protagonizó La Casa De Papel. Desde ese momento ha hecho multitud de anuncios y otras series y películas.
Y en un papel mas secundario un gran clásico del doblaje en español como es Miguel Ángel Jenner.
Robot salvaje (2024)
No quiero escribir un resumen exhaustivo de la película. Tampoco es tan importante, el guión. La película es una buena película de animación, muy cuidada en todos los aspectos. Tiene una buena banda sonora, un buen ritmo, unos personajes bien diseñados, se hace agradable de ver para adultos y entretiene a los niños. Y supongo que es eso a lo que debe aspirar cualquier película de este tipo.
A partir de aqui spoilers
La película trata de un robot abandonado con la misión de ayudar y cuidar, y lo que se encuentra para cuidar es una cria de ganso. Y lo ayuda hasta que el ganso se convierte en el mejor ganso de todos. Obviamente, en medio correrán mil y una aventuras, y las compartirán con un zorro que les echará una mano siempre que lo vea posible.
La película lo tiene todo para triunfar en los Oscar y en general en todos los certámenes donde se presente. Y en general han habido otras buenas obras de animación este año, sin embargo parece actualmente la principal candidata por la acogida de la prensa y del publico. Pero bueno, todavía no ha salido las nominaciones y todo son especulaciones.
Cosas curiosas:
La historia se basa en un libro original del Peter Brown.
No quiero dar pistas, pero tiene 3 volúmenes, y la película esta basada en el primero.
Trueno, el halcón salvaje de la película, no aparecía en el libro original de Peter Brown.
Según Peter Brown, la idea de esta película se le ocurrió al dibujar un robot en un árbol, y pensar, ¿Qué haría un robot inteligente en la naturaleza?
Mi opinión personal:
Hoy estoy quejica:
No se porque motivo, últimamente, los trailers en español te cuentan toda la película de principio a fin, con los mejores diálogos y escenas. Prácticamente te desvela todo y te quita gran parte de la magia del cine. Vamos, que si quieres decir que la has visto, sin haberla visto entera, busques en Youtube en trailer, y te lo ves… y poco mas.
Segunda queja. Entiendo que es una película de animación infantil, y entiendo que es una película de éxito. Pero yo no se como, me encontré con una niña de 3 años o así que se quería comunicar conmigo en mi asiento. Un poquito de respeto, y si lleváis niños al cine, por lo menos llevadlos sujetos y que no se os escapen muchos metros.
Por lo demás, bien, la película chula, y doblemente chula porque es la semana del espectador o lo que sea o como se llame y te cuestan las entradas mas baratas. Eso que me ahorro.
Smile 2 (2024), traducida como Sonrie 2 en Latinoamérica, con un presupuesto nada desdeñable de 28 millones de dólares, a día de hoy lleva una recaudación de mas de 109 millones de dólares. Su productora es Temple Hill Entertainment y su distribuidora Paramount Pictures. Dura 127 minutos.
Secuela de Smile, como indica claramente su título. Si no has visto Smile, te recomiendo que veas Smile y luego, veas Smile 2, y luego te leas este post.
Desde mi punto de vista hay pocas ocasiones en las que las secuelas superen a las precuelas, quizás porque es difícil mantener un guión o una historia coherente a partir de la anterior. Y supongo que en una película de terror y ciencia ficción es quizás algo mas sencillo. Existen excepciones y cada vez que escribo un post aquí estoy deseando sacar a El Padrino a relucir, y puede que este sea uno de esos casos. Quizás esta película es lo único que tenga que ver con El Padrino, que la segunda es mejor que la primera.
Guión y dirección de Parker Finn, con varias películas de terror a sus espaldas, de las cuales solo he visto Smile. Y para ser sincero, aunque el terror no es mi género favorito, me pareció una película con un argumento y un ritmo interesante. Veamos el reparto de Smile 2:
Naomi Scott, la recordarás (o con suerte no) por el reboot de la película Los Angeles de Charlie que se hizo en 2019, ella era la morena que no era de color. También ha salido en Aladdin (2019), Power Rangers (2017), y según filmaffinity su mejor película hasta ahora es Modern Love Tokyo (2022), que no he tenido el gusto de ver. Punto a favor de Naomi Scott es que también canta, e interpretó ella misma las canciones en Aladdin, y otras películas.
Kyle Gallner ya venia de Smile, donde hacia un papel muy interesante, y ha participado en una colección de películas decentes, pero que no pasarán a la historia como: Veronica Mars, El Francotirador, o Scream. Y Rosemarie Dewitt al contrario ha participado en series de gran nivel y que, desde mi punto de vista, dejarán huella en la historia de la cinematografía como son Black Mirror, Mad Men, o The Boys.
Y ahora viene el actor del que quería hablar desde el minuto uno y para el cual he tenido que comentar algo del resto:Ray Nicholson. Si. Es el hijo de su padre. Si. El maestro Jack Nicholson. No sale mucho en la peli, pero lo poco que sale me gusta mucho, y además cuando lo veas no vas a poder obviar el parecido con su padre en clásicos como El resplandor.
Smile 2 (2024)
Aunque me encantan las películas de gore absurdo con mucha sangre de por medio, no soy un gran fan de las películas de terror por lo que voy a intentar que no se me note demasiado. La película Smile se dejaba ver, una película de terror, no de sustos. No era mala, te ponías con unas palomitas y una mantita y echabas un rato en la tarde haciendo algo entretenido. Smile 2 pues mas o menos igual, aunque quizás este algo mas entretenida y puedas disfrutar algo mas del género de terror. Tiene algunos giros de guión, mas un final… Quizás lo que mas me gustó de la película, aparte de que se acabara.
Otro detalle que me gusta de esta película es el marketing y la promoción previa, que esta muy conseguida, al igual que la primera. Por ejemplo, la protagonista tiene un instagram, un tiktok, un twitter, un spotify, o una página web propia como si de un personaje real se tratara.
También se colaron en los MTV Video Music Awards con esta performace:
La protagonista principal de la película es una cantante de nombre Skye Riley interpretada por Naomi Scott (`PARA NADA ESTÁ BASADO EL PERSONAJE EN MILEY CYRUS ¡EH!).
Sorprendente punto a favor para Naomi Scott es que interpreta las canciones ella misma con bastante éxito.
Volvamos al guión, Skye Riley una cantante juvenil que llena estados, explotada por su madre, que no tiene ni un minuto para ella y que está completamente vigilada debido a sus excesos previos con las drogas y el alcohol. Conocemos a Skye Riley en el programa de Drew Barrymore, donde nos cuenta que ha sobrevivido a un accidente de coche que le ha costado la vida a su novio. A ella prácticamente la deja paralítica, con unos grandes dolores de espalda y cicatrices tanto en el abdomen como en la espalda. Para remediar estos dolores, toma a escondidas lo que en EEUU se llama Vicodin, un analgésico muy potente. Y aquí empiezan sus problemas.
En un ataque de dolor y después de un arduo entrenamiento para un gran concierto, pierde sus Vicodin por el desagüe del fregadero (que poco cuidadosa es la gente, a mi nunca me ha pasado eso y en todas las películas pasa). Así que la gran idea que tiene la muchacha es irse a hablar con su camello de confianza, para conseguir las pastillas y lo que haga falta. Y cuando llega se lo encuentra de droga hasta arriba y comportándose muy raro.
Y como ya habéis visto Smile, os podéis imaginar que pasa, el chaval le sonríe muy raro y se quita la vida justo delante de ella. A partir de ahí se le complica mucho la vida a la pobre Skye Riley. La diferencia entre Smile, y Smile 2, es que en este caso se centra en la vida de un solo personaje al que le va ocurriendo, y sin embargo, «la cosa», «el demonio», o como lo quieras llamar se la va comiendo poco a poco, haciéndole tener alucinaciones. En un determinado momento de la película el propio espectador ya no sabe si lo que esta ocurriendo es real o es una alucinación de la protagonista.
Una diferencia con respecto a Smile, es que durante su camino hacia la locura Skye Riley se encuentra con Morris (interpretado por Peter Jacobson, conocido por series como House), que le comenta que ha seguido la transmisión del «demonio», «cosa», «infección» o como se le quiera llamar desde su hermano hasta ella, a través de diferentes casos.
Desde ese momento, la película toma otro cariz, y ¡se me hace muy largo el post!, no os voy a desvelar el final porque simplemente creo que es genial y que no se merece que alguien como yo lo cuente, y lo haga trizas.
Mi recomendación es que es una película de palomitas y manta en casa acurricaditos y a oscuras con vuestra pareja, vuestro perro, solos o con quien os de la gana, pero palomitas y manta siempre que ya empieza a refrescar.
La primera palabra que se me ocurre es: Impresionante. Pero primero vamos a lo importante, Demi Moore guapísima, un espectáculo, y haciendo un gran papel principal, cualquiera diría que tiene 61 tacazos ya, desde luego ya me gustaría a mi llegar con ese aspecto a esa edad. Margaret Qualley (hija de Andie MacDowell y Paul J. Qualley) co-protagoniza con mucho éxito, y las apariciones de Dennis Quaid justo cumplen con su papel, mucho más que correcto.
Reparto, Coralie Fargeat, Dennis Quaid, Margaret Qualley y Demi Moore en el estreno de ‘The Substance’ en Cannes. Foto: EFE/EPA/SEBASTIEN NOGIER
No conocía a la directora, Coraline Fargeat, no había visto nada de ella, pero desde luego que ahora tengo todo el interés en ver sus obras pasadas (serie Sandman, Revenge, y el cortometraje Reality+) y le prestaré mucha más atención en el futuro.
The substance ha tenido un presupuesto de 17 millones y una recaudación de 38 a día de hoy. La duración es de 141 minutos, la producción corre a cargo de Working Title Films y Blacksmith. Ha sido premio al mejor guión en Cannes.
The substance (2024)
Poster oficial de la película
A ver por donde empiezo. No voy a hacer un anuncio de la película ni una promoción gratuita ni nada de eso. Sé, de hecho, que habrá mucha gente, que vayan a ver la película con mucho interés y saldrán diciendo que es una auténtica basura asquerosa. Sin embargo a mi me ha encantado y me ha dejado con la boca abierta por múltiples factores.
A partir de aqui spoilers
Para mi entender, aunque quizás me equivoque, la directora, ha intentado hacer 3 películas en una, con gran éxito.
La primera, una crítica social a que las mujeres, a partir de cierta edad (45 – 50 años), empiezan a ser marginadas por la sociedad, empiezan a ser tratadas de otra forma, y sobre todo por parte del «show business».
La segunda parte de la película es todo un homenaje al cine de acción duro, al cine de acción de toda la vida, con referencias a películas de otras épocas. He disfrutado de claras referencias a varias películas de Tarantino, a El resplandor o 2001: Odisea en el espacio, que luego mencionaré.
Y una parte final, dedicada plenamente al cine de serie B, resuelto de una forma genial. Me parece increíble que actores como Demi Moore o Denis Quaid se hayan prestado a hacer una película con contenido claramente de serie B.
Después de ver esta «La sustancia» solo se puede decir de Coraline Fargeat que es una directora completísima.
La caída en desgracia (Critica social)
Ambientada en una ciudad como Los Angeles, en una época algo anterior, quizás finales de los 80’s principios de los 90’s. La película nos presenta, como he comentado previamente, a una espléndida y sorprendente Demi Moore como Elisabeth Sparkle, una antigua estrella de cine venida a menos que trabaja en la televisión como monitora deportiva, haciendo aerobic para la gente que lo ve en la tele (cosa muy típica durante los 80’s y 90’s, una suerte de Jane Fonda, de hecho diría que esta basado directamente en ella). Es una estrella, lleva 30 años haciendo lo mismo, y ese es el problema. Se ha hecho mayor para los cánones de belleza actuales, y su jefe (Harvey, interpretado por Denis Quaid) ya está buscando una sustituta mas joven.
Denis Quaid haciendo de Harvey, jefe de Elisabeth y Sue
Denis Quaid lo consigue. Da un asco tremendo, como jefe, como persona, como cualquier cosa. Una persona sin ética, sin moral, sin respeto a las mujeres. Odioso.
Y en el fondo tiene gracia, Demi Moore interpreta a una mujer de 50 y la marginan de la tele por eso, y sin embargo ya le gustaría a la mayoría de mujeres de 40 y a muchas de 30 o 20 de «la vida real» estar como Demi Moore a los 61. (Puede sonar machista ese último comentario, pero ya me gustaría a mi estar con 41 como Brad Pitt o George Clooney, aunque eso no viene al caso). También es verdad que la Demi Moore de ahora esta irreconocible con respecto a la Demi Moore de hace unos años. Cualquiera diría que es la misma persona, tanto en cuerpo como en cara, y eso solo puede deberse a la acción de unos buenos cirujanos y unos buenos maquilladores, estilistas etc. Totalmente respetable por otra parte.
La sustancia (Acción)
Pero volvamos a la historia. Elisabeth Sparkle recibe un mensaje muy críptico de un médico, mientras le dice que es una buena candidata, con una dirección, y al poco tiempo, recibe en su casa una tarjeta con un número. Se arma de valor y se pone su parka amarilla larga, con un amarillo muy concreto que a mi me recuerda mucho al amarillo de Beatrix Kiddo en la saga Kill Bill.
Demi Moore y la parka amarillo Kill Bill
Se dirige a esa dirección y encuentra una caja, en una habitación que a mi me parece una clara referencia a Stanley Kubrick de nuevo.
Stanley Kubrick – 2001 una odisea en el espacioEl almacén de «la sustancia»
Se dirige a su casa, y al abrirla se encuentra con diferentes artilugios líquidos y jeringuillas que le prometen ciertas capacidades. Todo parece maravilloso, le promete que será como si rejuvenezca de golpe, pero debe cumplir una reglas principal: Al usar esos instrumentos, se generaran dos cuerpos diferentes, y tendrán que alternarse una cada 7 días exactamente, sino, la persona que esta «hibernando» empezará a sufrir daños. Sin embargo, durante toda la película se les intenta comunicar que las dos son una. Que aunque tengan diferente cuerpo, son una única persona.
Del uso de esta «sustancia» nace Sue, interpretada por Margaret Qualley. Mucho mas joven que Sparkle, adorada por todos, y rápidamente contratada por su antiguo director como su reemplazo en el programa de aerobic. Y todo va bien, pero Sue se encuentra tan cómoda, que decide empezar a no respetar las las reglas de la sustancia.
Pasillo inspirado en El resplandor
Finalmente, después de diferentes desavenencias entre ambas parte de un mismo ser, se produce una gran disputa, violenta y desgarradora, donde Sue, se deshace de Elisabeth, esperando no tener que volver nunca mas al cuerpo de una persona mayor que le está haciendo perder tiempo de vida. Otra referencia al cine Tarantiniano es la forma de asesinarla, pero no os la voy a contar ni enseñar, así os dejo algo para cuando la veáis.
La locura final (Serie B)
Y ahora es donde vamos a la parte mas corta pero a la vez interesante de la película al menos a mi parecer. Una vez rota la estabilidad entre los dos cuerpos, la sustancia no funciona correctamente, y aun así, Sue, decide ir a ponerse en público esperando poder hacer una presentación correcta.
Sin embargo, no lo consigue, y delante del público se convierte en un ser horripilante y asqueroso (durante un segundo me recordó al maravilloso, Jocántaro de Karate a muerte en torremolinos). Rápidamente los espectadores temen por su vida y deciden hacerle frente convirtiendo todo en una autentica sangría al mas puro estilo (Braindead: Tu madre se ha comido a mi perro. nuestra review). Un final totalmente inesperado al principio de la película y por el cual, deberían llevarse algún premio de maquillaje.
Si te gustan y te emocionan las películas donde salen perritos, y de superación, resistencia, y resiliencia, esta es tu película. Está distribuida por Lions Gate, cuenta con un presupuesto de 19M de dólares y su duración es de una hora y 47 minutos. Está calificada para todos los públicos y puedes verla ahora mismo en las principales plataformas (Apple TV, Amazon Prime Video, Youtube…), o comprarla en DVD o Blue Ray. La recaudación a día de hoy se estima en unos 35M de dólares.
Arthur (Arthur the King)(2024)
Arthur the king – poster
La película esta dirigida por Simon Cellan Jones, con guión de Mikael Lindnord (instagram), co-protagonista de la historia y autor de la novela. Simon Cellan Jones es conocido por haber dirigido capítulos en series como Boardwalk Empire, con el gigante de la escena Steve Buscemi, Years and Years, con la gigante Emma Thompson, y algunos capítulos de la serie Jessica Jones. El reparto, aparte de Mark Wahlberg, son unos grandes profesionales, que no por ello, estrellas de cine. Tengo que hacer una mención especial a Ukai, el es protagonista principal, y no lo puedo poner en otro sitio que el primero. Sin el no hay película. Como os podéis imaginar estoy hablando del perro que hace el papel de Arthur. Y lo clava.
Mark Wahlberg, para mi es un gran actor, y en este papel lo hace genial. Aunque siempre me da la sensación de que podría haber sido un actor con la repercusión de Matt Damon y se ha quedado a mitad de camino. Y por otra parte tenemos a los secundarios Nathalie Emmanuel (Fast and furious 7, 8, 9, 10, Juego de tronos), Simu Liu (Barbie), Juliet Rylance, que hacen unos buenos papeles y los vas a querer y odiar por momentos a cada uno de ellos.
Esta película podría haber sido otra película cualquiera de Mark Wahlberg, podría haber sido una película dura, de esfuerzo, de superación, de limites personales. Una película hasta en cierto punto violenta. Pero hay un perro. Y ese perro suaviza y la convierte en una película familiar que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar.
Desde el punto de vista cinematográfico, Arthur ha sido alabada por su capacidad de conectar emocionalmente con la audiencia a través de una narrativa sencilla pero conmovedora. La dirección de Simon Cellan Jones y la actuación del reparto, especialmente la del protagonista, proporcionan la credibilidad necesaria para una historia basada en eventos reales. Sin embargo, algunos críticos señalan que la película puede ser predecible en su desarrollo, con una fórmula que ya se ha visto en otras películas de género similar.
A pesar de esto, el impacto emocional y la autenticidad en la representación de la relación entre humanos y animales es notable, lo que sigue atrayendo a diferentes audiencias a nivel mundial. Al tratar temas como la lealtad, supervivencia y el altruismo, Arthur puede emocionar al público, y presenta importantes preguntas sobre la sociedad y nuestro trato a los animales.
Desde el punto de vista económico, Arthur the King, Arthur a secas en España, se estrenó a la vez que dos películas que se sabía que iban a ser muy importantes en taquilla, como son: Dune Part 2, y Kung Fu Panda 4, y a pesar de esto ha tenido unos resultados notables.
Curiosidades de Arthur (Arthur the king)
Que esta basado en hechos reales ya lo hemos comentado, pero que los protagonistas no son americanos sino Suecos no. La película esta basada en el libro escrito por Mikael Lindnord y de nombre en español «Arthur: El perro que atravesó la jungla para encontrar un hogar». No es dificil de encontrar.
historia-real-arthur-the-king-mikael-lindnord
Mark Wahlberg se rompió un menisco al principio del rodaje.
Arthur, era una mezcla entre Labrador y terrier, vivió 6 años mas con su nueva familia en Suecia y falleció en 2020 de un tumor.
Mark Wahlberg es un gran amante de los animales y a pesar de que ya tiene 4 perros, intentó sobornar al entrenador de Ukai para quedárselo después del rodaje.
Opinión personal
Si has tenido perros o te gustan los perros, esta película te va a llegar al corazón. No son los mejores actores del mundo, ni el mejor guión del mundo. No se va a llevar ni un Óscar, ni una Palma de oro. Pero no todas las películas están destinadas a eso.
Hoy vamos a hablar de una super producción hollywoodense (he tenido que buscar en google como escribir eso, pero vosotros me entendéis). El especialista es el pequeño homenaje de Hollywood a un gremio invisible sin el cual no se podrían rodar muchas escenas de nuestras películas favoritas. Está distribuida por Universal Pictures, cuenta con un presupuesto de casi 105M de dólares y su duración es de dos horas y cinco minutos.
El Especialista (The fall guy) (2024)
Vamos al reparto: Ryan Gosling, protagonista principal, tiene 3 nominaciones a los Óscar, 1 Globo de Oro y 6 nominaciones, 2 nominaciones a BAFTA. Sus principales películas hasta ahora son La la Land (la ciudad de las estrellas) y Barbie, película que se estrenó a la vez que esa obra de arte protagonizada por Cillian Murphy y la propia Emily Blunt, Oppenheimer.
Ryan Gosling
Todos sabemos de la rivalidad existente entre Barbie y Oppenheimer originada por el hecho de que ambas películas se estrenaran en cines el mismo dia, el 21 de Julio de 2023 .En redes se creó el fenómeno Barbenheimer, en el que los fans afirmaban que asistirían a una sesión doble, para luego decidir quién ganaba entre ambas. Esta iniciativa fue apoyada por celebridades, como Quentin Tarantino, a quién se le vio asistiendo a este pase doble.
Siendo conscientes de esta rivalidad, en la gala de los Oscar 2024, Emily Blunt y Ryan Gosling protagonizaron un «beef» sobre Barbenheimer durante una entrega de premios, que fue muy graciosa. Poca gente sabía que ya habían rodado El especialista juntos, lo que hace la escena todavía más interesante.
Emily Blunt, con una nominación al Óscar, un Globo de Oro y siete nominaciones, y 3 nominaciones a los BAFTA, Estuvo genial en Oppenheimer, estuvo muy bien en Sicario y en general, es una gran actriz.
No voy a destripar mucho de la película. Como se puede prever, sin ser un premio Nobel, trata de un especialista de películas, y en este caso ya he comentado antes que Ryan Gosling era el protagonista, así que es fácil intuir quien va a ser el doble de acción. Emily Blunt hará de directora novata, que acaba de recibir su primera oportunidad para dirigir algo serio.
Obviamente existe un pasado entre ellos, en el que han coincidido en otras películas, existiendo una cierta relación romántica y una tensión sexual/sentimental no resuelta.
Esta es una película del género Cine dentro del cine, en el que vemos los entresijos de un rodaje de acción, con persecuciones de coches al estilo Mad Max, en un desierto tipo Dune. Hay una serie de conspiraciones entre los diferentes miembros del equipo: productores, directores, estrellas, dobles, etc. cada uno siempre pensando en su objetivos personales.
Curiosidades de El especialista
Se vinculó a Dwayne Johnson como protagonista de la película pero se descartó finalmente.
Es un remake de una serie homónima «The Fall Guy» de 1981. El protagonista de esta (Lee Majors), hace un pequeño papel en la nueva.
Ryan Gosling tiene miedo a las alturas, confesado por él mismo, y sin embargo hizo una caída de 12 pisos, porque confiaba mucho en el equipo.
David Leitch grabó una de las primeras películas donde aparece Paris Hilton, de nombre «Nueve tumbas«. Es cortita, si os animáis a verla dejadme un comentario y lo convierto en una publicación.
Opinión personal
A ver, ni tan mal. No voy a renegar de haberla visto. ¿Pasará a la historia?, no lo creo. Sus protagonistas hacen unos papeles correctos y al menos se grabó antes de que Gosling se pusiera esos pómulos.
Pómulos Ryan Gosling
Gracias a dios, no hubo que pagarle un sueldo a los nuevos pómulos de Ryan Gosling que llegaron justo después del estreno de la película. Desde luego, se hubieran llevado un sueldo de estrella de Hollywood, aunque creo que ningún premio.
Tengo que reconocer que pasé un rato agradable y entretenido, con una película con mucha acción y ritmo, de la que no esperaba nada. Sabes lo que vas a ver, y es lo que ves. Está bien hecha, bien ejecutada. La historia no es muy compleja y en casi todos los aspectos es previsible, pero bueno, tampoco esperas una gran trama de este tipo de películas.
Hay acción, hay escenas sentimentales, hay emoción. Un poco de todo. Pero no mucho, sin pasarse.
Pasé un buen rato, me comí unas palomitas, me bebí un refresco de cola (¡¡estamos abiertos a proposiciones de sponsors eh!!) y me entretuve un par de horas en buena compañía de @Mia Wallace,
«Civil War» es la última y más ambiciosa película del director británico Alex Garland, conocido por títulos como «Ex Machina» y «Aniquilación«. Ambientada en un futuro cercano, esperemos que alternativo, la película nos sumerge en un Estados Unidos sumido en una cruenta guerra civil entre el gobierno federal y varios grupos secesionistas.
Civil War – Kirsten Dunst
Con un guión escrito por el propio Garland, y con un reparto encabezado por Kirsten Dunst , nominada en multitud de ocasiones a los Globos de Oro, Emmy y una vez al Óscar. En este reparto también participa Warger Moura (Pablo Escobar en las dos primeras temporadas de Narcos, lo que le supuso la nominación al Globo de Oro en 2016) y la joven y también nominada a los Globos de Oro Cailee Spaeny.
Civil War
La historia sigue a un equipo de periodistas compuesto por la veterana fotógrafa Lee Smith (Kirsten Dunst), su colega Joel (Wagner Moura), el mentor Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la joven aspirante Jessie Cullen (Cailee Spaeny). Tras quedar atrapados en un atentado en Nueva York, deciden viajar a Washington para intentar entrevistar al presidente, mientras el conflicto se recrudece por momentos.
Lo que hace especial a «Civil War» es que, a diferencia de otras películas bélicas, aquí la guerra no ocurre en un país lejano o en un futuro distópico, sino en el mismísimo corazón de Estados Unidos, en un presente/futuro cercano alternativo. Esto le da un toque de realismo y actualidad que resuena con fuerza en el espectador. Garland logra un equilibrio perfecto entre la crudeza de la violencia y la belleza sombría de las imágenes. El sonido envolvente y la cinematografía de alto nivel nos sumergen en la acción, mientras que los toques de humor inesperados nos proporcionan breves respiros.
Las actuaciones están a la altura, con Dunst y Moura destacando como los veteranos periodistas que han visto demasiado horror, pero siguen adelante por su compromiso con la verdad. Cailee Spaeny y Stephen McKinley Henderson completan un reparto coral que muestra las diferentes caras del impacto humano en tiempos de guerra.
En definitiva, «Civil War» es una película bélica que no pertenece al cine bélico tradicional. Garland usa el género para hacer una potente alegoría sobre la polarización y la violencia que acechan a la sociedad actual. Un thriller trepidante y aterrador que no dejará indiferente a nadie
Curiosidades sobre Civil War
Alex Garland escribió el guión en apenas 3 meses, inspirándose en la creciente tensión política y social que se vive en Estados Unidos.
Kirsten Dunst y Wagner Moura tuvieron que someterse a un intenso entrenamiento para interpretar de forma creíble a los veteranos periodistas. Dunst aprendió a manejar cámaras de fotos profesionales.
El rodaje se llevó a cabo en Atlanta y Londres, con un presupuesto de 50 millones de dólares, convirtiéndose en la película más cara producida por A24.
Un 17% del público disfrutó de la película en salas IMAX, para apreciar en toda su espectacularidad las impactantes escenas de acción y destrucción.
«Civil War» se estrenó en el festival SXSW en marzo de 2024 y se convirtió en el estreno más taquillero de la historia de A24, recaudando 113 millones de dólares en todo el mundo
Alex Garland considera la película como una alegoría de ciencia ficción sobre la polarización actual, situada en un futuro lo suficientemente cercano como para ser creíble.
Opinion personal
«Civil War» es una de esas películas que te dejan con el estómago revuelto pero que no puedes dejar de mirar. Garland nos sacude con una visión aterradora y profética de un futuro que parece cada vez más cercano. Una película que no olvidarás fácilmente.
Fue una grata sorpresa y me alegro mucho de haber ido a verla al cine, donde se pueden disfrutar mas intensamente los efectos y matices, así como la gran interpretación de Kirsten Dunst. Aunque la gran sorpresa de la película no deja de ser Cailee Spaeny que hace un papel espléndido.
Cailee Spaeny
Por ponerle una pega, diría que el nombre no esta bien elegido, ya que se confunde con la todavía reciente y más que presente «Civil War» de Marvel.
Permaneced atentos a su estreno en plataformas (principalmente movistar+ y filmin) y no desaprovechéis la oportunidad de disfrutar de esta gran obra.
De como iba a ser el evento ya habló mi socia Mia Wallaceen un post anterior, y solo se puede confirmar lo previsible, resumiendo en pocas palabras, un peliculón, presentado por un gran profesional como Iván Gelibter y con un debate posterior igual o más interesante que la película. Como comentaristas y colaboradoras del debate acudieron Ana Bernal-Triviño y Verónica Fumanal.
ANA BERNAL TRIVIÑO
Ana Bernal Triviño
Ana Isabel Bernal Triviño, conocida como Ana Bernal Triviño, es una periodista e investigadora española, doctora en Periodismo y profesora de la Universidad Abierta de Cataluña. Periodista en @lahoraTVE, @publico_es, @elperiodico. Participó como experta especializada en violencia de género en el éxito mediático de Tele5 Rocío, contar la verdad para seguir viva.
Veronica Fumanal
Veronica Fumanal
La comunicadora está licenciada en Ciencias Políticas por la Universidad Autónoma de Barcelona y es experta en Marketing Político, formación que le ha servido a lo largo de su larga carrera. Fue la directora de comunicación de Pedro Sánchez como Secretario General del PSOE entre 2014 y 2016. Ha participado en programas como @lahoraTVE, @todoesmentiratv, y el programa de Ana Rosa.
AVISO: A partir de aqui, todo son spoilers.
Como comentaba Iván Gelibter durante la presentación, pocas veces se puede decir que el título en español sea más representativo que en la versión original, y sin embargo, en este caso, la traducción literal «La persecución» se queda corto, y «La jauría humana» es bastante más apropiado.
No quiero hacer comparaciones odiosas pero (como ya comenté en la reseña sobre Pulp Fiction) es que hay una realidad que es ineludible en el cine: cuando juntas a un gran reparto con un gran director y con un buen guion pues suelen salir obras maestras. Detrás de todo esto, el productor es Sam Spiegel, que justo acababa de producir Lawrence de Arabia, ganadora de 7 Óscar y candidata a 3 más. Esta película esta basada en el libro y guión homónimo de Horton Foote (1956).
En este caso caso, contando con Marlon Brando (2 Óscar, 8 nominaciones), Robert Redford (1 Óscar como director, otro honorífico), o Jane Fonda (2 Óscar),para empezar, y teniendo como director a Arthur Penn con 30 obras a sus espaldas entre documentales, películas y series, y 4 nominaciones a los Óscar. Pocas cosas pueden fallar en una película así.
La película tiene una línea principal claramente trazada, y una multitud de pequeñas historias que se entremezclan con la principal. Aunque lo principal es la cantidad y grandiosidad de sus personajes lo que la hacen una gran película. La duración de la película es como las de antes: 135 minutos para disfrutar de grandes actores.
Por un lado, tenemos a un jovencísimo, guapísimo y casi desconocido Robert Redford como Charlie «Bubber» Reeves, un delincuente de poca monta.
Robert Redford
A Jane Fonda, guapísima también en el papel de esposa de Bubber, Anna Reeves.
Jane Fonda
Por otra parte tenemos al sheriff Calder, interpretado por un también guapo Marlon Brando, con 42 años, que empezaba a decaer un poco en sus actuaciones, y ya no era el de antes, pero que todavía hace un papel muy notable en esta película.
Marlon Brando
La trama
La trama principal es sencilla. Bubber es un delincuente de poca monta, que está en la cárcel echando de menos a su mujer. Todo el mundo conoce a Bubber y sabe que es un delincuente, aunque todos saben que no es una persona violenta.
Bubber decide escaparse de la cárcel para huir con su mujer a otro estado, así que emprende la fuga. Durante el camino su compañero roba un coche, asesinando a una persona y dejándolo a él en la estacada. Todo el mundo sospecha que fue Bubber quien cometió el asesinato, y no su compañero, y él lo sabe. Comienza la cacería. Comienza la jauría humana.
Bubber busca refugio en uno de los pocos lugares donde sabe que quizás pueda encontrar algo de ayuda. El dueño del desguace cerca del rio, un viejo amigo de la familia, le debe un favor, así que decide ir allí y pedirle que vaya a buscar a su mujer al pueblo.
Val Rogers entiende que si Bubber descubre la relación entre su hijo Jake y Anna, Bubber asesinará a su hijo, por lo que decide ir adelantarse y asesinarlo antes y así su hijo podrá mantener la relación con Anna Reeves.
Los matones de Rogers encuentran al dueño del desguace, que sabe donde está Bubber, e intentan sacárselo a golpes. En esta ocasión no pueden, ya que aparece el sheriff Calder para rescatarlo y protegerlo en la comisaria. Le da las llaves para que se encierre el mismo dentro de una celda, donde estará mas seguro.
Todo el pueblo sabe ya que en la comisaria hay una persona que sabe donde está Bubber gracias a los chismosos del pueblo. Y los primeros en ir a intentar averiguarlo son la señora Bubber, Anna y su actual amante Jake. El sheriff Calder los deja pasar y el dueño del desguace les dice que Bubber los esta esperando en el muelle detrás del desguace.
Val Rogers manda a sus matones a obtener la información del dueño del desguace, el sheriff Calder intenta oponerse, pero no sirve de nada, y finalmente, consiguen la información. El sheriff Calder sale, sin la ayuda de nadie y con la pasividad de todos los vecinos del pueblo mirando, cojeando y demacrado, a buscar a a Bubber, ya que sabe que si alguien lo encuentra antes que él, lo matarán.
Sheriff Calder Golpeado
Bubber, Anna y Jake se reúnen en el muelle, y Bubber se da cuenta de lo innegable: Jake y Anna están enamorados. Bubber entiende que ha pasado demasiado tiempo en la cárcel, y perdona inmediatamente a su mejor amigo Jake y a su mujer Anna.
Y ese no es su mayor problema ahora mismo. Mientras que Jake y Anna se dirigían hacia el escondite de Bubber, todo el pueblo se ha enterado de donde está Bubber.
El sheriff Calder aún consigue mantenerse en pie y en contra del criterio de su mujer, decide ir a rescatar a Bubber, ya que si la masa enfurecida, la jauría humana del pueblo lo encuentra, no cabe duda que acabarán con el, especialmente Val Rogers.
El desguace es demasiado grande, y aunque lo buscan, no saben exactamente donde está, así que deciden empezar a prenderle fuego a todo, lanzando lo que tienen a mano, fuegos artificiales, gasolina, etc. Anna, Jake y Bubber buscan una salida por todo el desguace.
Anna y Jake se separan de Bubber y salen sin problema del desguace, pero Bubber intenta atravesar el rio, y justo en ese momento Val Rogers lo encuentra y cuando parece que va a ser ajusticiado por Val Rogers aparece Calder, el apaleado sheriff del pueblo, y se interpone en su camino.
En un giro de guión totalmente sorprendente, cuando parece que la película va a acabar de otra forma, cuando van a ingresar a Bubber en la cárcel, un pistolero de Val Rogers, dispara tanto al sheriff como a Bubber en la puerta de la comisaria asesinando a Bubber, y dejando herido al sheriff Calder.
La escena final es del sheriff Calder haciendo las maletas y abandonando la ciudad con su mujer.
Las subtramas
La mujer del subdirector del banco, está muy enfadada con su marido, porque el director del banco nunca les invita a las fiestas en su casa.
Como no le invitan a las fiestas de su jefe, deciden montar otra fiesta, por lo que, cuando empieza la cacería de Bubber, hay un montón de gente borracha.
Además ella le está siendo infiel a su marido, y su marido a ella, y lo están haciendo con el mismo matrimonio.
Hay una pareja muy interesante en la película, que son la pareja cotilla. Ellos se dedican a estar cerca de lo que ocurre y transmitirlo al resto del pueblo tan rápido como pueden.
Nadie respeta realmente al sheriff Calder, todo el mundo cree que esta comprado por Val Rogers. Y en parte es así ya que es el cacique del pueblo y probablemente podría hacer que lo despidieran.
Curiosidades
Fue un tremendo fracaso en taquilla aunque luego la crítica, con el paso de los años le hayan dado el valor que se merece.
Si una persona de color andaba por la calle a ciertas horas de la noche, ya era sospechoso por defecto.
Las mujeres borrachas eran unas frescas que solo querían estar con un hombre.
Como los rumores corren de boca en boca, hasta que terminan chillándoselo entre los miembros de la comunidad; «EN LA CARCEL HAY UN NEGRO QUE SABE DONDE ESTA BUBBER».
Existe un racismo constante flotando en el ambiente.
Ven natural que una pareja hayan cambiado entre ellos a sus maridos / mujeres y que todo el mundo lo sepa también. La infidelidad es una cosa que ocurre tanto entre Anna y Bubber, con Jake, como entre el subdirector de banco y su mujer.
Opinion personal
Disfruté muchísimo de la película. Quizás Marlon Brando no estaba como se dice ahora en su «prime», todavía le quedaba por grabar el Padrino, pero había hecho grandes obras antes que esta. Quizás este no es su mejor papel, y aún así es una gran actuación. Es el descubrimiento de dos grandes actores como Robert Redford y Jane Fonda, jovencísimos que posteriormente se han convertido en dos mitos del cine.
Sobre el debate, podría decir mucho, y ojalá me leyeran Iván Gelibter, Ana Bernal Triviño y Verónica Fumanal. Ya que se dijeron muchas cosas, muchos conceptos, y con algunos estoy de acuerdo y con otros muchos no. Los blogs, twitter (ahora X), y en general, las redes sociales, en mi opinión, no son un medio de comunicación, aunque a veces lleguen a más gente que muchos medios de comunicación. Son como un loco chillando en la plaza del pueblo. Ese no es un problema de los blogs, twitter o las redes sociales, eso es un problema del medio de comunicación.
Hablamos de Galyn Galyn Susmany de como salvó una de las que probablemente sea de las mejores películas de animación de la historia, Toy Story 2. La historia sobre como perdieron el material y lo volvieron a recuperar está muy bien contada en Xataka.
Galyn Susman
A pesar de recuperar mucho dinero para la empresa (Pixar) con la recuperación de los ficheros y las copias de seguridad que tenia en su casa, y a pesar de ser Toy Story 2 una película muy taquillera que consiguió unos grandes resultados económicos, su secuela «Lightyear«, no lo fue. Además el film estuvo rodeado de otras polémicas como un beso lésbico entre dos mujeres (¿era esto en 2022?),o unos extraterrestres que aparecían o no…
Beso en Lightyear
Y parte del equipo de Pixar pagó los platos rotos entre ellos Galyn Susman. Todo esto podría ser incluso normal. Si eres el director técnico de un proyecto, y este no funciona, quizás puedan prescindir de ti, aunque hayas rescatado otro, y sea uno de los proyectos más rentables de la compañía.
Lo que me llama la atención y el motivo del artículo es que Galyn Susman no haya sido repescada por ninguna empresa, aunque conste como freelance en Linkedin, y por otra parte su último trabajo conocido sea Lightyear en 2022.
He estado buscando información sobre si estuviera trabajando en algún proyecto que haya empezado después de 2022, al fin y al cabo, son proyectos que duran más de un año y podría ser que estuviera trabajando en alguno y que todavía no estuviera lanzado, sin embargo, no consta esa información en ningún sitio.
También podría estar tomándose unas vacaciones, todo especulaciones, pero desde luego, no deja de ser llamativo, que una persona que ha trabajado y servido durante 32 años a una empresa como Pixar, y que en su currículum tiene otros 4 años en Apple, acabe marcando en Linkedin que es Freelance.
Debería ser un valor añadido en cualquier empresa y desde luego, sin conocerla, se que es un gran talento desaprovechado ahora mismo.
El otro día fuimos Mia Wallace y yo al cine a ver Los niños de Winton, la recientemente estrenada película del magistral Anthony Hopkins. El título original es simple y contundente «One life«, aunque en España se ha optado por los «Niños de Winton», y en Latinoamérica por «Lazos de vida» (otro fascinante trabajo del traductor de títulos latinos).
Voy a hacer spoilers durante el artículo así que si eres de los que no la ha visto y prefiere no saber nada, es buen momento para parar la lectura, y saltar a la parte curiosidades y resumen.
Los niños de Winton (One life) (2024)
Esta película nos cuenta la vida y tormentos del humanitario británico Sir Nicholas Winton interpretado por Sir Philip Anthony Hopkins (en 1993 la Reina de Inglaterra le nombró caballero, por eso lo de Sir) a sus 86 añazos, en su etapa de la tercera edad y en su versión joven por Johnny Flynn.
Anthony Hopkins cuenta a sus espaldas con un curriculum importante, dos Oscars, en concreto uno por «El Silencio de los corderos«, un Globo de oro, cinco premios Bafta, un EMI, un premio Donostia, en resumen, es uno de los grandes. Y como dice muchas veces Mia Wallace, que bien y que natural llora Anthony Hopkins. Hay pocos actores en el mundo que llorando sean tan creibles y emocionen tanto como él.
Importantes también los papeles principales femeninos, con Helena Bonham Carter como «Babi Winton» es decir, la madre de Nick Winton, y Lena Olin como «Grete Winton», su mujer. Todos ellos dirigidos por James Hawes.
One life
Está basada en hechos reales y en concreto, en el libro «If is not impossible…» escrito por su hija Barbara Winton. Aunque existen otros libros como ”Los niños de Winton», del escritor Fabiano Massini. Todos ellos narran la historia de como Nicholas Winton con la ayuda de múltiples colaboradores tanto de la embajada como de otros organismos consigue sacar a niños de los guetos que ya se habían formado en Checoslovaquia (actualmente República Checa), en concreto en Praga.
El proceso fue básicamente el siguiente, el joven Winton (interpretado por Flynn), con una vida acomodada, y sin ningún tipo de necesidad económica o de otro tipo, siente la pulsión de ir a colaborar con la gente en los guetos de Praga. Allí detecta la muerte, la pobreza, el hambre, la gente amontonada en las calles y en la mayor de las inmundicias. Y no solo eso, sino que el prevé lo que se viene, una invasión por parte del ejercito alemán, los nazis, que se llevarán todo por delante.
Niños judios salvados
Así que decide hacer listas con los niños en mayor riesgo de pobreza, los enfermos, los más pobres o los que viven en la calle, y con la colaboración de la embajada, decide montarlos en trenes directamente hasta Inglaterra, donde buscará familias de acogida para todos ellos. En total, se cree que Winton rescató 669 niños judíos durante el nazismo.
Nicholas Winton
Ninguna historia es perfecta, y aunque el joven Winton hace un trabajo encomiable, es obvio que no pudo rescatar a todos los niños que él hubiera deseado. De hecho, el último tren, donde más niños iban, alrededor de 250, fue alcanzado por la policía alemana, nazis, y nunca llegó a salir de Praga. De esos 250 niños y algunos adultos que iban en ese tren, nunca más se supo nada.
Este último tren atormenta al jubilado Winton (interpretado por Hopkins), que todavía guarda cajas y cajas y en concreto una cartera, muy importante para él, con los nombres y las fotos de los niños a los que tenia que ir rescatando, los que estaban ya realojados y los que estaban por realojar. A todo esto se une la carga emocional de que Winton va a ser abuelo, y necesitan espacio en casa, por lo que su familia le insta a deshacerse de sus cajas de documentos y sobretodo de su cartera, que a él, personalmente, le pesa como una mochila sobre sus hombros.
Durante su vida Winton hizo muchos contactos en la prensa y en otros sectores, en su ansia de realojar a esos pobres niños, por lo que, intenta recolocar también esa cartera en algún sitio, de forma que quede para el recuerdo y consulta a diferentes directores de medios de comunicación. Un día recibe una llamada de un programa «amarillista» That’s Life. Lo que ocurrió en ese programa es pura magia:
Esta escena real, esta muy bien recreada en la película, y aunque yo ya he visto las dos, ambas me siguen tocando la fibra sensible. En la realidad, porque es verdad lo que pasó, y en la ficción porque está muy bien recreada.
Cosas curiosas de la película Los niños de Winton:
Es la primera película de James Hawes aunque ha dirigido episodios de Doctor Who, Black Mirror o The Alienist
De entre los niños que rescató el señor Winton, surgieron una inmunóloga, un político del Partido Laborista Británico, un matemático, una genetista pediátrica, una poeta, un cineasta…
Sir Nicholas Winton, fue condecorado y reconocido tanto en vida como después de su fallecimiento (a los 106 años de edad), con múltiples honores, como por ejemplo:
Voy a intentar ser breve, Hopkins es un gran actor, y da gusto verle hacer este tipo de papeles con 86 años y verlo tan bien. La historia es increíble, y más sabiendo que es una historia real. Su hija hace un cálculo, aproximadamente hay unas 3000 personas que ahora mismo no existirían si su padre no hubiera intercedido en la vida de esos niños.
Las dos actrices femeninas son dos grandes actrices, aparte de ser espectacularmente guapas, sin embargo, Bonham Carter durante la película, a pesar de la caracterización, no parece la madre de Johnny Flynn, y de hecho entre ellos solo existen 16 años de diferencia en la vida real. Por otra parte, nunca dejaré de verla dentro del universo Burton y me cuesta verla en otros papeles. Y en el caso de Lena Olin, pasa un poco lo mismo, existen 17 años de diferencia entre Anthony Hopkins y ella en la vida real, y entre el matrimonio Winton real solo habiá 10 años de diferencia. Durante el film piensas que ella es demasiado joven para ser su esposa.
Y para terminar, una de las pocas pegas que le pongo a la película es que ya es lo suficientemente emocionante como para tener que intentar abusar de escenas dramáticas en las que intentar arrancar la lágrima fácil del espectador. A veces lo consigue, y a veces no.
No es la mejor película del mundo, pero merece la pena verla, y conocer la historia de Sir Nicholas Winton.
Está en el top 10 histórico del FilmAffinity, detrás de películas como el Padrino I y II, Cadena Perpetua o La lista de Schilder. Es difícil mantenerse arriba 30 años. También está en la octava posición en el top 250 de IMDb.
Tarantino arriesgó introduciendo un concepto complejo en el que se mezclan 4 historias, de cuatro personajes, pero que están entrelazadas entre ellas, y sin embargo consigue que vayas descubriendo que le ha pasado a cada personaje en cada momento dando saltos adelante y atrás en el tiempo, en la historia, a través de diferentes puntos de vista, y de los ojos de los diferentes protagonistas en cada momento.
Dialogos
Los diálogos también me llaman mucho la atención en esta película. Hay frases que por como están escritas y por como están pronunciadas por los protagonistas se te quedan en la cabeza (por lo menos en mi caso).
Uno de estos diálogos, un tanto absurdo pero genial, es la conversación de la hamburguesa entre Samuel L Jackson y el de Jhon Travolta (Vincent Vega).
—(…) Y en París puedes pedir cerveza en el McDonald’s. ¿Y sabes cómo llaman al cuarto de libra con queso en París?
—¿No lo llaman cuarto de libra con queso?
—Utilizan el sistema métrico, no sabrían qué coño es un cuarto de libra.
—¿Pues cómo lo llaman?
—Lo llaman una «Royale con queso».
—”Royale con queso”.
—Sí, eso es.
—¿Y cómo llaman al Big Mac?
—Un Big Mac es un Big Mac, pero lo llaman «Le Big Mac».
—»Le Big Mac» (risas).
—(…) ¿Y qué le ponen a las patatas fritas en Holanda en vez de ketchup?
—¿Qué?
—Mayonesa.
—Puaj, joder.
—Les vi hacerlo, macho; las bañan en esa mierda.
Otra conversación que me marca de la película, es Marcellus Wallace (Ving Rhames) indicándole a Butch (Bruce Willis) que se va a tirar al suelo del ring en el 5º asalto
-Creo que descubrirás… cuando toda esta mierda haya terminado. Creo que descubrirás que eres un hijo de puta muy feliz. Lo que ocurre Butch, es que ahora posees habilidad, pero por muy doloroso que sea, la habilidad no perdura, y la tuya no tardará en desaparecer. Bien, es una ley de vida muy dura joder… pero es una ley de vida con respecto a la cual vas a tener que ser realista. Verás, este negocio está lleno hasta los topes de cabrones poco realistas, hijos de puta que creían que sus culos iban a envejecer como el vino, si eso significa que se convierten en vinagre, así es; pero si significa que mejoran con los años, pues no. Además Butch ¿cuántas peleas mas crees que podrás aguantar? ¿Un par? No existe el gran día para los boxeadores veteranos, estuviste cerca, pero nunca lo conseguiste y si hubieses tenido que conseguirlo algún día, ya lo habrías conseguido. ¿Eres mi socio?
– Eso parece, desde luego.
– La noche del combate es posible que sientas una ligera punzada, será el orgullo que intenta joderte. ¡A la mierda el orgullo! El orgullo solo hace daño, no te ayuda jamás, lucha contra esa mierda, porque dentro de un año… cuando estés gozando de la vida en el Caribe, te dirás a ti mismo: Marcellus Wallace tenia razón.
– No hay ningún problema, Sr. Wallace.
– En el quinto asalto, tu culo irá a la lona…dilo.
– En el quinto mi culo irá a la lona
O las famosas frases que pronuncia el Sr lobo como:
Estoy a 30 minutos de allí. Llegaré dentro de 10
Hola, soy el señor Lobo, soluciono problemas
O esta, un poco mas soez, pero contundente y efectiva:
No empecemos a chuparnos las pollas todavía
Escenas Míticas
Aparte de estos grandes textos, hay escenas que pertenecen a la memoria popular y no se olvidarán nunca, como por ejemplo en baile entre Travolta y Uma Thurman.
Otra cosa que no falta, es la escena conocida como «trunk shot«, el plano del maletero, que Tarantino ha añadido en cada una de sus películas:
Otra gran escena es la inicial de la película, que cierra el circulo con la última, donde Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Maria de Medeiros) atracan un restaurante
Y otra gran escena que te hace sufrir en el buen y en el mal sentido de la palabra, aunque tiene también su parte cómica, es la sobredosis de Mia Wallace, que aunque se resuelve bien al final, durante toda la escena es dura.
Banda sonora
Para mí es uno de los grandes aciertos de la película, y en cierta forma, entiendo que el largometraje se apoya sobre las grandes canciones que componen la B.S.O. En este articulo de Medium explican genial porque es importante la banda sonora de este largometraje, y lo complicado que es conseguirla.
En concreto tuvieron problemas de presupuesto, y mientras otras grandes películas del mismo año, como Forrest Gump simplemente gastaban mucho dinero en tener los éxitos de ese verano / temporada, en Pulp Fiction no tenían ese presupuesto. Ya le ocurrió algo similar en Reservoir Dogs, y recurrieron a soluciones similares, bucear en melodías surferas de los 60 y 70. Fue el propio Quentin Tarantino el que escogió todas las canciones una a una aunque, tuvo la colaboración de diferentes supervisores y productores.
La banda sonora se lanzó en múltiples formatos, bajo el nombre «Music from the Motion Picture Pulp Fiction», y tiene 13 de las 20 canciones que se utilizan en el film. Entre algunas de las canciones se intercalan algunos de los diálogos mas relevantes de la película, como el de la hamburguesa, y otros que he mencionado previamente.
Reunion de sus protagonistas
Y con ocasión de este aniversario se han vuelto a reunir sus protagonistas:
En esta reunión, faltaban dos personas muy importantes del elenco, y uno de ellos aparte es el director Tarantino, y Bruce Willis. En representación de Willis han acudido su mujer y su hija con una gorra poniendo Willis. Tarantino tampoco acudió al haber abandonado recientemente el rodaje de su último largometraje.
Reflexion personal
Para mí Pulp Fiction es una película especial, posiblemente la película que más veces he visto en mi vida. Como detalle, que es obvio, solo hay que observar que mi usuario en este blog es Sr Lobo, y el de mi compañera Mia Wallace. De hecho, Pulp Fiction me hizo introducirme en el mundo Tarantino, que tiene una gran cantidad de obras mas o menos conocidas, que para mi son obras de arte también: Reservoir dogs, Jackie Brown o Kill Bill. Tengo que reconocer que las ultimas de Tarantino no son tan mi estilo.
