Lo confieso. Hasta hace unos días, no había visto ni una sola película de Terminator. Sé que suena casi imperdonable en el mundo del cine, pero simplemente nunca me había llamado la atención. Ya me había pasado con Titanic y con la saga Harry Potter, y estoy intentando solucionarlo.
No soy muy fan de las películas de acción sin sentido (the fast & the furious o triple XXX), de esas donde todo explota sin razón y los protagonistas disparan sin mirar. Pensaba que Terminator iba a ser algo por el estilo. Pero después de ver las tres primeras películas seguidas, tengo que decirlo: me equivoqué.
El inicio de la aniquilación
Para alguien que nunca ha visto Terminator, la primera película de 1984 es una sorpresa. Yo esperaba un desfile de explosiones y tiros sin parar, pero en realidad es más un thriller de ciencia ficción con una historia que se toma su tiempo. James Cameron tenía claro que quería contar algo más que una simple persecución entre un robot asesino y una chica. Hay tensión, hay construcción de personajes y hasta toques de terror.
Ahora bien, Arnold Schwarzenegger como el T-800 es un casting perfecto. No sé si el tipo podía actuar bien en esa época, pero para este papel no hacía falta. Su físico imponente, su acento alemán y su expresión robótica natural lo convierten en el Terminator ideal. La primera película funciona porque es simple: el futuro es una mierda, los robots quieren exterminarnos y un pobre humano viaja en el tiempo para impedirlo. Pero entonces llega Terminator 2 y todo cambia.
Pero si hay alguien que hace un viaje brutal en la saga, esa es Sarah Connor. En la primera película, pasa de ser una camarera que apenas entiende lo que está pasando a convertirse en la madre del futuro líder de la resistencia. Pero es en Terminator 2 donde se come la pantalla.
El pico de la saga
Siempre se dice que las segundas partes son mejores. Y es verdad en casos contados: El Padrino II, El Imperio Contraatacay, por supuesto, Terminator 2: El Juicio Final. Esta película no solo supera a la original, sino que redefine lo que una secuela debería ser. Aquí Schwarzenegger ya no es el villano, sino el héroe. John Connor, que en la primera era solo un «concepto», ahora es un niño que tendrá que liderar la resistencia humana contra las máquinas. Y entonces aparece el T-1000.
No sé qué pacto con el diablo hicieron para los efectos especiales, pero ver a Robert Patrick convertirse en mercurio líquido en 1991 sigue siendo impresionante. El T-1000 es uno de los mejores villanos del cine, y la dinámica entre Schwarzenegger y John Connor hace que la película tenga corazón. No es solo acción; hay drama, desarrollo de personajes y un final que, aunque previsible, sigue doliendo.
Pero volvamos a Sarah Connor. Si en la primera parte era una mujer asustada que no entendía nada, aquí es directamente una guerrera imparable. Linda Hamilton pasó de ser una chica normal a una auténtica máquina de supervivencia, con músculos, estrategia y una obsesión enfermiza por preparar a su hijo para lo que viene. Su arco de transformación es brutal, y verla manejar escopetas con una sola mano o enfrentarse al T-1000 es una de las mejores cosas de la película. No es la típica «damisela en apuros»; es la que lleva la película adelante.
La caída en desgracia
Y entonces, como siempre pasa cuando Hollywood quiere exprimir la gallina de los huevos de oro, llegó Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas. Lo primero que pensé al verla fue: esto no era necesario. Después de la épica conclusión de T2, esta tercera parte parece un intento forzado de continuar la historia sin saber muy bien cómo hacerlo. No es un desastre absoluto, pero se nota que falta algo.
El tono cambia, las escenas de acción parecen más forzadas y el nuevo Terminator enemigo, la T-X, aunque tiene su punto, no logra generar el mismo impacto que el T-1000. Pero lo peor de todo es que Sarah Connor ya no está. Y se nota. Sin ella, la historia pierde mucho peso, porque lo que hacía grande a la saga no era solo la acción, sino la evolución de los personajes.
Conclusión: ¿volveré para ver más?
Después de esta maratón de Terminator, entiendo por qué esta saga es tan querida. No es solo acción sin sentido; hay una historia interesante sobre viajes en el tiempo, destino y rebelión. Aún no me animo a ver las secuelas posteriores, pero como dice el propio T-800: «Volveré»… quizás.
Lo confieso me llamo Sr. Lobo y hasta hace poco, nunca había visto ni una sola película de Harry Potter (Ya me pasó con Titanic, no se si lo recordáis). No porque tuviera nada en contra, sino porque la vida me llevó por otros caminos, y para cuando la saga llegó a su fin en 2011, ya sentía que era demasiado tarde para subirme al tren del Expreso de Hogwarts. Pero ahora, con una mezcla de curiosidad, nostalgia ajena y una pizca de presión social. y de Mia Wallace, porque no decirlo, he decidido sumergirme en el mundo de J.K. Rowling, y tras ocho películas y casi veinte horas de metraje, tengo algunas cosas que decir.
El inicio de la magia
Empezar Harry Potter y la piedra filosofalen 2024 es un ejercicio de anacronismo, pero también de inocencia. La película tiene ese aire encantador del cine infantil de los 2000, con efectos especiales que a veces hacen que el Quidditch parezca una cinemática de la PlayStation 2. Sin embargo, es imposible no sentir cierta fascinación al ver a Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint dar sus primeros pasos en un universo que, aunque ficticio, se ha convertido en parte del imaginario colectivo de varias generaciones.
La primera película es divertida, ligera y llena de promesas. Hogwarts es un lugar donde cualquiera querría perderse, Hagrid es el mejor tío bonachón que podríamos pedir, y Snape… bueno, Snape es Snape.
Creciendo con la saga
La transición de las primeras películas a El prisionero de Azkaban es donde la saga realmente despega. Alfonso Cuarón inyecta un tono más oscuro y cinematográfico, y aunque sigo sin entender cómo los alumnos sobreviven a un colegio donde los pasillos cambian de dirección por capricho, empiezo a comprender por qué esta historia atrapó a millones de personas.
A partir de aquí, la saga se vuelve más madura. El cáliz de fuego marca el momento en que Harry deja de ser un niño y empieza a enfrentarse a lo que realmente significa vivir en un mundo donde la magia no siempre es colorida. La Orden del Fénix y El misterio del príncipe me han dado algunos de los momentos más interesantes en términos de personajes, aunque también algunas frustraciones (¿por qué Harry no usó la varita para sacar la poción del tazón en vez de torturarse hasta sangrar?).
El final de la batalla
La recta final con Las reliquias de la muerte parte 1y 2 es una montaña rusa emocional. Para entonces, me siento parte de este mundo. Ya no soy un espectador casual, sino alguien que ha sufrido cada pérdida y cada traición (y que aún no supera lo de Dobby).
La guerra contra Voldemort es épica, aunque me quedan dudas sobre por qué el Ministerio de Magia no invirtió en un departamento de seguridad decente si sabían que un tipo sin nariz andaba por ahí queriendo conquistar el mundo.
El clímax de la saga es satisfactorio, pero me quedo con un par de preguntas que probablemente nunca tendré respuesta. ¿Por qué los magos siguen escribiendo con pluma y tintero en pleno siglo XXI? ¿Dónde estaban los padres de los alumnos cada vez que Hogwarts se convertía en un campo de batalla? Y sobre todo… ¿por qué nadie jamás pensó en hacer un hechizo para localizar horrocruxes en lugar de pasar años jugando a la búsqueda del tesoro?
Conclusión: ¿valió la pena el viaje?
Después de ver la saga completa, entiendo el fenómeno Harry Potter. No es solo una historia de magia y aventuras, sino una oda a la amistad, la valentía y la lucha contra el destino. Los personajes evolucionan de niños curiosos a héroes rotos pero resilientes, y el universo construido por Rowling tiene una solidez envidiable.
¿Me arrepiento de no haberlo visto antes? Un poco. ¿Voy a releer los libros para compararlos? Probablemente no. ¿Voy a quedarme esperando mi carta de Hogwarts? Sin duda.
Y si alguien encuentra una varita de segunda mano, que me avise.
Emilia Pérez es una película de drama musical con tintes de thriller, dirigida por Jacques Audiard y protagonizada por Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gomez y Edgar Ramírez. La cinta combina elementos del género criminal con el musical, presentando una historia que explora la identidad, la redención y el empoderamiento. Se estrenó en el Festival de Cannes 2024, donde recibió elogios por su innovadora propuesta narrativa y visual.
El director Jacques Audiard es conocido por sus aclamadas películas comoUn profeta (2009), Dheepan (2015) y Los hermanos Sisters (2018). En Emilia Pérez, Audiard se arriesga con un formato musical dentro de una historia de crimen y redención, marcando un nuevo reto en su filmografía.
Se estima en alrededor de 20-30 millones de dólares. Todavía no tenemos una cifra concreta de recaudación. Su duración es de 130 minutos. Y su distribuidora es Netflix (con estreno en cines limitado antes de su lanzamiento en la plataforma). Tiene un reparto formado por:
Karla Sofía Gascón como Emilia Pérez y Manitas
Zoe Saldaña como Rita
Selena Gómez como Jessi
Edgar Ramírez como Gustavo Brun
Gascón, quien se ha convertido en un símbolo de la representación trans en el cine, ofrece una de sus interpretaciones más destacadas en el papel titular. Zoe Saldaña y Selena Gomez aportan fuerza al elenco, mientras que Edgar Ramírez interpreta un rol clave en el desarrollo de la trama.
Emilia Pérez
La historia sigue a Rita, una abogada que trabaja en un bufete especializado en clientes poderosos del crimen organizado. Su vida cambia radicalmente cuando recibe una inusual propuesta de un infame capo del narcotráfico: ayudarlo a desaparecer y renacer como una nueva persona, Emilia Pérez. Lo que sigue es un viaje de transformación, identidad y redención, con el trasfondo de una sociedad que no perdona a los que intentan cambiar su destino.
Análisis y Opinión Personal
Zoe Saldaña es conocida en otros ámbitos por películas como Avatar, Guardianes de la Galaxia o Avengers, aunque también ha participado en películas de otro corte con diferente éxito. Sin embargo, en este cambio en este cambio de registro hacia un musical «realista» demuestra lo gran actriz que es. Su interpretación de Rita aporta una emotividad única a la historia, consolidándola como una de las actuaciones más destacadas de la película.
Por otra parte, la película Emilia Pérez ha generado una notable controversia en México. Aunque ha sido aclamada internacionalmente y cuenta con múltiples nominaciones al Óscar, en México ha recibido críticas significativas. Algunos espectadores y críticos mexicanos consideran que la película ofrece una representación superficial y estereotipada de la cultura mexicana y de temas sensibles como la violencia del narcotráfico y la identidad de género. Además, se ha señalado la falta de autenticidad cultural y la ausencia de talento mexicano en roles clave.
Jacques Audiard, director de ‘Emilia Pérez’, afirma que el español es un idioma de pobres y migrantes: “Países modestos”
Sin embargo, figuras destacadas del cine mexicano, como Guillermo del Toro e Issa López, han elogiado la película, lo que refleja opiniones divididas en el país.
La banda sonora es uno de los puntos más llamativos, con canciones que no solo acompañan la trama, sino que la impulsan. La fotografía y el diseño de producción refuerzan la dualidad entre el mundo del crimen y el renacimiento de Emilia como una nueva persona. Aunque algunas de las canciones, en concreto las de Selena Gomez, que no es hispano parlante se nota que están muy forzadas e incluso mal traducidas, no sabría decir si queriendo o sin querer.
Si bien algunos espectadores podrían sentirse desconcertados por la mezcla de géneros, la película logra construir un relato conmovedor sobre la identidad y la lucha por un nuevo comienzo.
Sección de Spoilers (advertencia)
La película presenta un giro impactante cuando se revela que el narcotraficante Manitas, en su deseo de abandonar su pasado criminal, ha planeado su transformación en Emilia Pérez durante años. Su cambio de identidad no solo es físico, sino también emocional y psicológico, lo que la lleva a confrontar su pasado de violencia y corrupción.
Rita, la abogada, se convierte en su única aliada mientras Emilia intenta construir una nueva vida. Sin embargo, antiguos enemigos descubren su paradero, lo que desencadena una serie de eventos trágicos que ponen a prueba su determinación y su deseo de redención.
El clímax de la película es intenso y emocional, con Emilia enfrentando las consecuencias de su pasado mientras intenta proteger a quienes la han ayudado en su transformación. El final deja abierta la posibilidad de una nueva vida para Emilia, aunque con un alto costo personal.
Curiosidades
La película se rodó en diversas locaciones de México y España.
Karla Sofía Gascón es la primera actriz trans en protagonizar una película de este calibre en el cine de Jacques Audiard.
La participación de Selena Gomez generó gran expectativa, ya que no solo actúa, sino que también interpreta algunas de las canciones originales.
Fue una de las películas más aplaudidas en el Festival de Cannes, con una ovación de más de 10 minutos.
Conclusión y Recomendación
Emilia Pérez es una propuesta innovadora dentro del cine contemporáneo. Con un guion sólido, una dirección audaz y actuaciones memorables, se posiciona como una de las películas más destacadas del 2024. Si te gustan las historias que desafían los géneros y exploran temas profundos como la identidad y la redención, esta es una película que no debes perderte.
Por desgracia, desde mi punto de vista, esta película podría haber sido destinada a ser un clásico, por los temas que trata y como los trata, sin embargo, creo que pasará desapercibida, dentro de un tiempo, ya que tanto su director como su protagonista principal (Karla Sofia Gascón) no tienen un carisma especial que les vaya ha hacer perdurar en el tiempo.
Si te gustan y te emocionan las películas donde salen perritos, y de superación, resistencia, y resiliencia, esta es tu película. Está distribuida por Lions Gate, cuenta con un presupuesto de 19M de dólares y su duración es de una hora y 47 minutos. Está calificada para todos los públicos y puedes verla ahora mismo en las principales plataformas (Apple TV, Amazon Prime Video, Youtube…), o comprarla en DVD o Blue Ray. La recaudación a día de hoy se estima en unos 35M de dólares.
Arthur (Arthur the King)(2024)
Arthur the king – poster
La película esta dirigida por Simon Cellan Jones, con guión de Mikael Lindnord (instagram), co-protagonista de la historia y autor de la novela. Simon Cellan Jones es conocido por haber dirigido capítulos en series como Boardwalk Empire, con el gigante de la escena Steve Buscemi, Years and Years, con la gigante Emma Thompson, y algunos capítulos de la serie Jessica Jones. El reparto, aparte de Mark Wahlberg, son unos grandes profesionales, que no por ello, estrellas de cine. Tengo que hacer una mención especial a Ukai, el es protagonista principal, y no lo puedo poner en otro sitio que el primero. Sin el no hay película. Como os podéis imaginar estoy hablando del perro que hace el papel de Arthur. Y lo clava.
Mark Wahlberg, para mi es un gran actor, y en este papel lo hace genial. Aunque siempre me da la sensación de que podría haber sido un actor con la repercusión de Matt Damon y se ha quedado a mitad de camino. Y por otra parte tenemos a los secundarios Nathalie Emmanuel (Fast and furious 7, 8, 9, 10, Juego de tronos), Simu Liu (Barbie), Juliet Rylance, que hacen unos buenos papeles y los vas a querer y odiar por momentos a cada uno de ellos.
Esta película podría haber sido otra película cualquiera de Mark Wahlberg, podría haber sido una película dura, de esfuerzo, de superación, de limites personales. Una película hasta en cierto punto violenta. Pero hay un perro. Y ese perro suaviza y la convierte en una película familiar que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar.
Desde el punto de vista cinematográfico, Arthur ha sido alabada por su capacidad de conectar emocionalmente con la audiencia a través de una narrativa sencilla pero conmovedora. La dirección de Simon Cellan Jones y la actuación del reparto, especialmente la del protagonista, proporcionan la credibilidad necesaria para una historia basada en eventos reales. Sin embargo, algunos críticos señalan que la película puede ser predecible en su desarrollo, con una fórmula que ya se ha visto en otras películas de género similar.
A pesar de esto, el impacto emocional y la autenticidad en la representación de la relación entre humanos y animales es notable, lo que sigue atrayendo a diferentes audiencias a nivel mundial. Al tratar temas como la lealtad, supervivencia y el altruismo, Arthur puede emocionar al público, y presenta importantes preguntas sobre la sociedad y nuestro trato a los animales.
Desde el punto de vista económico, Arthur the King, Arthur a secas en España, se estrenó a la vez que dos películas que se sabía que iban a ser muy importantes en taquilla, como son: Dune Part 2, y Kung Fu Panda 4, y a pesar de esto ha tenido unos resultados notables.
Curiosidades de Arthur (Arthur the king)
Que esta basado en hechos reales ya lo hemos comentado, pero que los protagonistas no son americanos sino Suecos no. La película esta basada en el libro escrito por Mikael Lindnord y de nombre en español «Arthur: El perro que atravesó la jungla para encontrar un hogar». No es dificil de encontrar.
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Mark Wahlberg se rompió un menisco al principio del rodaje.
Arthur, era una mezcla entre Labrador y terrier, vivió 6 años mas con su nueva familia en Suecia y falleció en 2020 de un tumor.
Mark Wahlberg es un gran amante de los animales y a pesar de que ya tiene 4 perros, intentó sobornar al entrenador de Ukai para quedárselo después del rodaje.
Opinión personal
Si has tenido perros o te gustan los perros, esta película te va a llegar al corazón. No son los mejores actores del mundo, ni el mejor guión del mundo. No se va a llevar ni un Óscar, ni una Palma de oro. Pero no todas las películas están destinadas a eso.
Hoy vamos a hablar de una super producción hollywoodense (he tenido que buscar en google como escribir eso, pero vosotros me entendéis). El especialista es el pequeño homenaje de Hollywood a un gremio invisible sin el cual no se podrían rodar muchas escenas de nuestras películas favoritas. Está distribuida por Universal Pictures, cuenta con un presupuesto de casi 105M de dólares y su duración es de dos horas y cinco minutos.
El Especialista (The fall guy) (2024)
Vamos al reparto: Ryan Gosling, protagonista principal, tiene 3 nominaciones a los Óscar, 1 Globo de Oro y 6 nominaciones, 2 nominaciones a BAFTA. Sus principales películas hasta ahora son La la Land (la ciudad de las estrellas) y Barbie, película que se estrenó a la vez que esa obra de arte protagonizada por Cillian Murphy y la propia Emily Blunt, Oppenheimer.
Ryan Gosling
Todos sabemos de la rivalidad existente entre Barbie y Oppenheimer originada por el hecho de que ambas películas se estrenaran en cines el mismo dia, el 21 de Julio de 2023 .En redes se creó el fenómeno Barbenheimer, en el que los fans afirmaban que asistirían a una sesión doble, para luego decidir quién ganaba entre ambas. Esta iniciativa fue apoyada por celebridades, como Quentin Tarantino, a quién se le vio asistiendo a este pase doble.
Siendo conscientes de esta rivalidad, en la gala de los Oscar 2024, Emily Blunt y Ryan Gosling protagonizaron un «beef» sobre Barbenheimer durante una entrega de premios, que fue muy graciosa. Poca gente sabía que ya habían rodado El especialista juntos, lo que hace la escena todavía más interesante.
Emily Blunt, con una nominación al Óscar, un Globo de Oro y siete nominaciones, y 3 nominaciones a los BAFTA, Estuvo genial en Oppenheimer, estuvo muy bien en Sicario y en general, es una gran actriz.
No voy a destripar mucho de la película. Como se puede prever, sin ser un premio Nobel, trata de un especialista de películas, y en este caso ya he comentado antes que Ryan Gosling era el protagonista, así que es fácil intuir quien va a ser el doble de acción. Emily Blunt hará de directora novata, que acaba de recibir su primera oportunidad para dirigir algo serio.
Obviamente existe un pasado entre ellos, en el que han coincidido en otras películas, existiendo una cierta relación romántica y una tensión sexual/sentimental no resuelta.
Esta es una película del género Cine dentro del cine, en el que vemos los entresijos de un rodaje de acción, con persecuciones de coches al estilo Mad Max, en un desierto tipo Dune. Hay una serie de conspiraciones entre los diferentes miembros del equipo: productores, directores, estrellas, dobles, etc. cada uno siempre pensando en su objetivos personales.
Curiosidades de El especialista
Se vinculó a Dwayne Johnson como protagonista de la película pero se descartó finalmente.
Es un remake de una serie homónima «The Fall Guy» de 1981. El protagonista de esta (Lee Majors), hace un pequeño papel en la nueva.
Ryan Gosling tiene miedo a las alturas, confesado por él mismo, y sin embargo hizo una caída de 12 pisos, porque confiaba mucho en el equipo.
David Leitch grabó una de las primeras películas donde aparece Paris Hilton, de nombre «Nueve tumbas«. Es cortita, si os animáis a verla dejadme un comentario y lo convierto en una publicación.
Opinión personal
A ver, ni tan mal. No voy a renegar de haberla visto. ¿Pasará a la historia?, no lo creo. Sus protagonistas hacen unos papeles correctos y al menos se grabó antes de que Gosling se pusiera esos pómulos.
Pómulos Ryan Gosling
Gracias a dios, no hubo que pagarle un sueldo a los nuevos pómulos de Ryan Gosling que llegaron justo después del estreno de la película. Desde luego, se hubieran llevado un sueldo de estrella de Hollywood, aunque creo que ningún premio.
Tengo que reconocer que pasé un rato agradable y entretenido, con una película con mucha acción y ritmo, de la que no esperaba nada. Sabes lo que vas a ver, y es lo que ves. Está bien hecha, bien ejecutada. La historia no es muy compleja y en casi todos los aspectos es previsible, pero bueno, tampoco esperas una gran trama de este tipo de películas.
Hay acción, hay escenas sentimentales, hay emoción. Un poco de todo. Pero no mucho, sin pasarse.
Pasé un buen rato, me comí unas palomitas, me bebí un refresco de cola (¡¡estamos abiertos a proposiciones de sponsors eh!!) y me entretuve un par de horas en buena compañía de @Mia Wallace,
Hablamos de Galyn Galyn Susmany de como salvó una de las que probablemente sea de las mejores películas de animación de la historia, Toy Story 2. La historia sobre como perdieron el material y lo volvieron a recuperar está muy bien contada en Xataka.
Galyn Susman
A pesar de recuperar mucho dinero para la empresa (Pixar) con la recuperación de los ficheros y las copias de seguridad que tenia en su casa, y a pesar de ser Toy Story 2 una película muy taquillera que consiguió unos grandes resultados económicos, su secuela «Lightyear«, no lo fue. Además el film estuvo rodeado de otras polémicas como un beso lésbico entre dos mujeres (¿era esto en 2022?),o unos extraterrestres que aparecían o no…
Beso en Lightyear
Y parte del equipo de Pixar pagó los platos rotos entre ellos Galyn Susman. Todo esto podría ser incluso normal. Si eres el director técnico de un proyecto, y este no funciona, quizás puedan prescindir de ti, aunque hayas rescatado otro, y sea uno de los proyectos más rentables de la compañía.
Lo que me llama la atención y el motivo del artículo es que Galyn Susman no haya sido repescada por ninguna empresa, aunque conste como freelance en Linkedin, y por otra parte su último trabajo conocido sea Lightyear en 2022.
He estado buscando información sobre si estuviera trabajando en algún proyecto que haya empezado después de 2022, al fin y al cabo, son proyectos que duran más de un año y podría ser que estuviera trabajando en alguno y que todavía no estuviera lanzado, sin embargo, no consta esa información en ningún sitio.
También podría estar tomándose unas vacaciones, todo especulaciones, pero desde luego, no deja de ser llamativo, que una persona que ha trabajado y servido durante 32 años a una empresa como Pixar, y que en su currículum tiene otros 4 años en Apple, acabe marcando en Linkedin que es Freelance.
Debería ser un valor añadido en cualquier empresa y desde luego, sin conocerla, se que es un gran talento desaprovechado ahora mismo.
Está en el top 10 histórico del FilmAffinity, detrás de películas como el Padrino I y II, Cadena Perpetua o La lista de Schilder. Es difícil mantenerse arriba 30 años. También está en la octava posición en el top 250 de IMDb.
Tarantino arriesgó introduciendo un concepto complejo en el que se mezclan 4 historias, de cuatro personajes, pero que están entrelazadas entre ellas, y sin embargo consigue que vayas descubriendo que le ha pasado a cada personaje en cada momento dando saltos adelante y atrás en el tiempo, en la historia, a través de diferentes puntos de vista, y de los ojos de los diferentes protagonistas en cada momento.
Dialogos
Los diálogos también me llaman mucho la atención en esta película. Hay frases que por como están escritas y por como están pronunciadas por los protagonistas se te quedan en la cabeza (por lo menos en mi caso).
Uno de estos diálogos, un tanto absurdo pero genial, es la conversación de la hamburguesa entre Samuel L Jackson y el de Jhon Travolta (Vincent Vega).
—(…) Y en París puedes pedir cerveza en el McDonald’s. ¿Y sabes cómo llaman al cuarto de libra con queso en París?
—¿No lo llaman cuarto de libra con queso?
—Utilizan el sistema métrico, no sabrían qué coño es un cuarto de libra.
—¿Pues cómo lo llaman?
—Lo llaman una «Royale con queso».
—”Royale con queso”.
—Sí, eso es.
—¿Y cómo llaman al Big Mac?
—Un Big Mac es un Big Mac, pero lo llaman «Le Big Mac».
—»Le Big Mac» (risas).
—(…) ¿Y qué le ponen a las patatas fritas en Holanda en vez de ketchup?
—¿Qué?
—Mayonesa.
—Puaj, joder.
—Les vi hacerlo, macho; las bañan en esa mierda.
Otra conversación que me marca de la película, es Marcellus Wallace (Ving Rhames) indicándole a Butch (Bruce Willis) que se va a tirar al suelo del ring en el 5º asalto
-Creo que descubrirás… cuando toda esta mierda haya terminado. Creo que descubrirás que eres un hijo de puta muy feliz. Lo que ocurre Butch, es que ahora posees habilidad, pero por muy doloroso que sea, la habilidad no perdura, y la tuya no tardará en desaparecer. Bien, es una ley de vida muy dura joder… pero es una ley de vida con respecto a la cual vas a tener que ser realista. Verás, este negocio está lleno hasta los topes de cabrones poco realistas, hijos de puta que creían que sus culos iban a envejecer como el vino, si eso significa que se convierten en vinagre, así es; pero si significa que mejoran con los años, pues no. Además Butch ¿cuántas peleas mas crees que podrás aguantar? ¿Un par? No existe el gran día para los boxeadores veteranos, estuviste cerca, pero nunca lo conseguiste y si hubieses tenido que conseguirlo algún día, ya lo habrías conseguido. ¿Eres mi socio?
– Eso parece, desde luego.
– La noche del combate es posible que sientas una ligera punzada, será el orgullo que intenta joderte. ¡A la mierda el orgullo! El orgullo solo hace daño, no te ayuda jamás, lucha contra esa mierda, porque dentro de un año… cuando estés gozando de la vida en el Caribe, te dirás a ti mismo: Marcellus Wallace tenia razón.
– No hay ningún problema, Sr. Wallace.
– En el quinto asalto, tu culo irá a la lona…dilo.
– En el quinto mi culo irá a la lona
O las famosas frases que pronuncia el Sr lobo como:
Estoy a 30 minutos de allí. Llegaré dentro de 10
Hola, soy el señor Lobo, soluciono problemas
O esta, un poco mas soez, pero contundente y efectiva:
No empecemos a chuparnos las pollas todavía
Escenas Míticas
Aparte de estos grandes textos, hay escenas que pertenecen a la memoria popular y no se olvidarán nunca, como por ejemplo en baile entre Travolta y Uma Thurman.
Otra cosa que no falta, es la escena conocida como «trunk shot«, el plano del maletero, que Tarantino ha añadido en cada una de sus películas:
Otra gran escena es la inicial de la película, que cierra el circulo con la última, donde Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Maria de Medeiros) atracan un restaurante
Y otra gran escena que te hace sufrir en el buen y en el mal sentido de la palabra, aunque tiene también su parte cómica, es la sobredosis de Mia Wallace, que aunque se resuelve bien al final, durante toda la escena es dura.
Banda sonora
Para mí es uno de los grandes aciertos de la película, y en cierta forma, entiendo que el largometraje se apoya sobre las grandes canciones que componen la B.S.O. En este articulo de Medium explican genial porque es importante la banda sonora de este largometraje, y lo complicado que es conseguirla.
En concreto tuvieron problemas de presupuesto, y mientras otras grandes películas del mismo año, como Forrest Gump simplemente gastaban mucho dinero en tener los éxitos de ese verano / temporada, en Pulp Fiction no tenían ese presupuesto. Ya le ocurrió algo similar en Reservoir Dogs, y recurrieron a soluciones similares, bucear en melodías surferas de los 60 y 70. Fue el propio Quentin Tarantino el que escogió todas las canciones una a una aunque, tuvo la colaboración de diferentes supervisores y productores.
La banda sonora se lanzó en múltiples formatos, bajo el nombre «Music from the Motion Picture Pulp Fiction», y tiene 13 de las 20 canciones que se utilizan en el film. Entre algunas de las canciones se intercalan algunos de los diálogos mas relevantes de la película, como el de la hamburguesa, y otros que he mencionado previamente.
Reunion de sus protagonistas
Y con ocasión de este aniversario se han vuelto a reunir sus protagonistas:
En esta reunión, faltaban dos personas muy importantes del elenco, y uno de ellos aparte es el director Tarantino, y Bruce Willis. En representación de Willis han acudido su mujer y su hija con una gorra poniendo Willis. Tarantino tampoco acudió al haber abandonado recientemente el rodaje de su último largometraje.
Reflexion personal
Para mí Pulp Fiction es una película especial, posiblemente la película que más veces he visto en mi vida. Como detalle, que es obvio, solo hay que observar que mi usuario en este blog es Sr Lobo, y el de mi compañera Mia Wallace. De hecho, Pulp Fiction me hizo introducirme en el mundo Tarantino, que tiene una gran cantidad de obras mas o menos conocidas, que para mi son obras de arte también: Reservoir dogs, Jackie Brown o Kill Bill. Tengo que reconocer que las ultimas de Tarantino no son tan mi estilo.
Dune: Part two es una buena pelñicula de ciencia ficcíon. «No hay dos sin tres», es un refrán que se cumple casi siempre. Como en este caso, donde se deja el final abierto esperando a Dune: Part Three. El refrán que no se cumple en este caso es «segundas partes nunca fueron buenas». Este refrán se cumple siempre en el cine, salvo contadas excepciones. El Padrino 2 (ojo al nombrar a esta película que son palabras mayores), o Terminator 2, Regreso al futuro 2 y poco mas.
La primera parte acaba cuando Paul (Chamalet) se une al grupo de los Frenen (Zendaya y Bardem), y el y su madre Lady Jessica (Rebecca Ferguson) viajan con los Fremen a su ciudad natal.
A partir de ahí, lo que se ve, es el ascenso de Chamelet al poder dentro de la tribu de los Fremen. De como los Fremen tienen mas o menos controlados a los odiosos gusanos de la arena y pueden montarlos y usarlos para atacar. Y como Chamelet y los Fremen terminan rebelándose contra el emperador, que hasta ahora domina a todas los pueblos.
Durante la película transcurren ciertos hechos, en los que se establece una trama no solo política, sino también familiar, que afecta a Paul y a su madre. Por supuesto tampoco faltan los impresionantes combates, la mas espectacular, prácticamente al final, por el trono de emperador con Feyd-Rautha, interpretado de Austin Butler de forma que es irreconocible.
Otra actuación que me ha parecido bastante interesante, e inesperada, ha sido la de Dave Bautista, como Glossu Rabban, La Bestia. Bautista, mas conocido por su papel en Guardianes de la Galaxia, se sabe que no continuará interpretando a Drax el Destructor, aunque no está cerrado a papeles en las películas de Marvel o DC.
Glossu Rabban Dave Bautista
No os quise contar nada, por no hacer spoiler en el artículo de la primera película, pero aquí os cuento que Chalamet y los Fremen terminan derrotando al Emperador Shaddam Corrino IV interpretado magistralmente por Christopher Walken. Chamalet se casa con su hija, la Princesa Irulan Corrino interpretada por Florence Pugh (dejando a Zendaya con un ataque de cuernos brutal).
Yo, que no me he leído los libros, entiendo que en la tercera película tienen que resolver los cuernos de Zendaya (ese personaje esta hecho para terminar siendo pareja del protagonista de la peli). Por otra parte, Chamalet ha vencido al emperador, pero ahora el resto de las «casas» o «tribus» o como se quieran llamar, no le obedecen a el, y por tanto van a intentar conquistar Arrakis.
El resumen, Chamalet ahora es el emperador, se ha casado con su hija y se viene una guerra en Arrakis. Tendrá que resolverlo usando las tropas del emperador y a los Fremen.
Curiosidades de Dune: Part two
Cuando se lanzaron las entradas se colapsó el sistema por la alta demanda.
Chamalet ha robado el record a Travolta en dinero recaudado por un actor en un año, ya que entre «Wonka» y «Dune 2», ha recaudado mas de lo que se recaudó por «Fiebre del sábado noche» y «Grease».
El guión de la parte tres de Dune ya esta en las fases finales de su producción. Aunque no se sabe cuando esta película será grabada y estrenada.
Hans Zimmer vuelve a encargarse de la banda sonora. Y como en la primera parte de Dune y en prácticamente cualquier obra de Zimmer, es una maravilla.
Emma Roberts (sobrina de Julia Roberts) fue considerada para interpretar a la Princesa Irulan Corrino, sin embargo, no pudo aceptar el papel por problemas de agenda. Terminó llevándoselo Florence Pugh, con quien ya había coincidido Chamalet en Mujercitas (2019), y con quien mantiene una muy buena relación.
Conclusión
La película, visualmente merece la pena ir a verla al cine. Ojo, que no se ha omitido ni un detalle en los 166 minutos que dura. Traducido a horas y minutos son 2 horas y 46 minutos de desierto, combates, gente conduciendo gusanos y Zendaya en un anuncio de colonia de la campaña de navidad: «eau du désert».
Merece la pena. Si te gusta la ciencia ficción esta película marca un antes y un después en la historia. No la puedo poner a la altura de capitulo V de Star Wars, ni Blade Runner, ni Alien. Pero a partir de ahí, pelea dignamente con cualquiera.
A través de un amigo descubrimos este ciclo organizado por Mateo P Quero, de nombre Cinema Sideral, donde se están proyectando películas muy interesantes. Se pueden ver en el Aula magna de la Facultad de Comunicación, en el campus de Teatinos, los miércoles por la tarde. Suelen proyectar dos, una a las 16:00 y otra a las 18:00 ó 18:30. Puedes obtener más información sobre las películas y horarios en su Instagram.
Vamos a la película/documental/drama. Dirigido por los hermanos Albert y David Maysles. Famosos por haber grabado a los Beatles para el DVD «The Beatles: The First U.S. Visit» o a los Rolling Stone en Gimme Shelter.
Este documental es una cosa muy diferente. No sabría muy bien cómo definirlo, aunque si que puedo decir que es una obra que te impresiona y te hace reflexionar. El título, Grey Gardens, proviene del nombre de una mansión, de 28 habitaciones, situada en East Hampton, Long Island, dentro del distrito de New York, cerca de la playa. En una de las zonas más lujosas y caras del mundo. Solo por ponernos en contexto, en diciembre de 2017 la casa fue vendida por 15.5 millones de dólares. Este es el lugar donde se graba el film al completo, siendo un lugar extremadamente lujoso y valioso en el sentido económico.
Las protagonistas apenas abandonaron esta mansión durante décadas, y no la cuidaban como debían, almacenando gran cantidad de suciedad y basura, y alentando a la okupación de gatos y mapaches que vivían por allí.
La película, grabada a modo de documental, describe la vida de «Big Edie» (Edith Ewing Bouvier Beale), tía de la que fue primera dama de los EEUU Jacqueline Kennedy Onassis, y cantante en su época y su hija «Little Edie» (Edith Bouvier Beale). Cualquiera podría pensar que siendo familia de Kennedy, o de los Onassis y que teniendo una mansión en uno de los sitios más caros del mundo, su vida sería una vida de lujos, excesos y fiestas de la alta sociedad, pero definitivamente este no es el caso.
En 1971, unos años antes de que se grabase el documental, la policía tuvo que intervenir debido a la gran cantidad de basura acumulada dentro de la vivienda. Las protagonistas de la película, fueron multadas y a partir de ahí, recibían una ayuda de la familia Bouvier, para poder mantenerse al día con los impuestos, la limpieza de la casa y la comida.
En 1972 la sobrina de Big Edie, Lee Radziwill (de soltera Lee Bouvier) sorprendida de la vida que llevaban su tia y su prima en los Hamptons, decide contratar unos documentalistas que graben lo que esta ocurriendo. Estos son los hermanos Albert y David Maysles, que no consiguieron concluir con éxito el proyecto de la película, y cedieron las imágenes a Radziwill. En 1975, los hermanos Maysles estaban tan fascinados de la vida que llevaban Little Edie y Big Edie que decidieron recoger fondos para poder grabar este documental, grabando mas de 70 horas. Este film está considerada mayormente una obra maestra del género documental.
Little Edie
Edith Bouvier Beale 1975 Grey Gardens
Little Edie, tuvo una educación elitista (The Spence School, ó Miss Porter’s School), y perteneció a los mejores clubes sociales, como el Maidstone Country Club ,un club un tanto racista, porque no decirlo. Los judíos no fueron admitidos como miembros hasta finales de los años 70 y durante la década de 1990 y principios de los 2000, la prensa informó que no había miembros negros.
En 1952, vuelve a su casa en Grey Gardens para cuidar de su madre. El documental se graba en 1975 cuando ella tiene ya 54 años y aunque no se comenta abiertamente durante la película, sufría alopecia. Durante toda la película viste distintos tipos de pañuelos que le cubren toda la cabeza, dando igual que haga frio y lleve un chaquetón enorme, o esté en la playa vistiendo un bañador. Baila cuando tiene oportunidad, ella siempre quiso ser bailarina, cantante y actriz, y lo comenta en múltiples ocasiones. Siempre tiene ganas de irse a triunfar a New York. Este documental fue una gran oportunidad para ella de sentirse de alguna forma así. Little Edith coquetea durante todo el metraje con el director y los cámaras alli presentes, lo cual da para analizar, pues son las únicas figuras masculinas que ve a diario, y aún es joven y en edad de tener pareja, asi que tampoco es de extrañar que flirtee con ellos.
Después de estrenar Grey Gardens, Little Edie llegó a actuar en un bar. Su madre ya había fallecido. «En aquel momento tenía 60 años, seguía vistiendo su lujosa ropa de hace cuatro décadas y llevaba el característico pañuelo que ocultaba su calvicie. Como suele ocurrir, los curiosos acudían en masa a aplaudir su decrepitud», describe el documental. Beale se mudaría a Bal Harbour mediados de 1997. Sería encontrada muerta en 2002 a la edad de 84 años, se creyó que Edith habría muerto días antes de un paro cardíaco.
Big Edie
Big Edie
Big Edie es una persona de la más alta sociedad americana. Descendiente y hermana de brokers de bolsa y abogados. Se casó en la catedral de San Patricio en New York en una lujosa ceremonia con Phelan Beale, abogado y financiero. tuvieron tres hijos. Su marido la abandonó por una mujer mexicana en 1931. Ella se quedó con la casa de Grey Gardens y una pensión alimenticia infantil. Continuó con su carrera de cantante, sus hijos fueron a la universidad. Tendría una dramática pelea con su padre en 1942 después de la boda de su hijo, Bouvier. Llegó a las nupcias con veinticinco minutos de retraso, vestida como una estrella de ópera. Su padre,completamente disgustado por el comportamiento de Big Edie, cambió su testamento dos días después. Su parte heredada de su patrimonio de 825.000 dólares ahora se redujo a 65.000 dólares y, como castigo adicional, sería controlada en fideicomiso enteramente por sus hijos. Sólo recibiría 300 dólares al mes para la manutención de ella y su hija. Como resultado, se animó a algunos invitados que visitaron Grey Gardens a “ir de compras” mientras estaban allí. La pequeña Edie vendía plata, joyas y otros objetos de valor de la familia de Tiffany que estaban bajo su custodia. Su marido le pide definitivamente el divorcio en 1946, por telegrama, pero ella nunca lo aceptó porque ella lo consideraba un falso divorcio al no haberlo hecho por la Iglesia.
Big Edie murió de neumonía en el Hospital Southampton en Southampton, Nueva York, el 5 de febrero de 1977. Su cuerpo fue sepultado en la parcela de la familia Bouvier en el cementerio católico Most Holy Trinity en East Hampton. Se dice que le dijo a Little Edie en su lecho de muerte que no tenía nada más que decir, porque todo lo que quería contarle al mundo ya estaba en el documental de Maysles.
La vida en Grey Gardens
Big Edie and Little Edie in the room
Durante el documental Big Edie y Little Edie discuten constantemente, Little Edie se lamenta y acusa a Big Edie de destrozar su vida, de espantarle parejas, de impedirle ir a vivir a New York como bailarina, mientras que Big Edie se justifica diciendo que en ningún caso ella debería vivir sola. Little Edie alimenta a Big Edie con comida de gato, y lo llama paté. Tienen un montón de mapaches que entran y salen del ático de la casa libremente ya que Little Edie les da de comer montones de pan y comida para gatos también. En general la casa parece caerse en pedazos. Durante el largometraje se ve como no tienen apenas contacto con el exterior, y que no lo han tenido durante los últimos 25 años. Se dice que sobrevivían vendiendo las joyas que les quedaban, una a una, y de las ayudas de sus familiares.
Big Edie parece hacerlo todo desde la cama, cocinar, comer, siempre acompañada de sus gatos y sus pertenencias. Vestir un gorro y cantar alguna de sus obras, mientras Little Edie ayuda a preparar «la comida». Canta sus canciones en cuanto tiene ocasión. Hacen prácticamente toda su vida dentro de esa habitación, solo utilizan otra habitación, el salón, con la ocasión especial del cumpleaños de Big Edie, donde reciben invitados.
Estos dos cineastas consiguieron romper el aislamiento de estas dos personas con el mundo exterior durante un tiempo. No se si era una pura necesidad de ellas, de contactar con mas gente, y de contarle sus historias, o el simple hecho de que nadie lo había hecho antes. Pero lo cierto es que ambas se abren ante la cámara. Y se sienten importantes de nuevo, Big Edie nos cuenta que ha sido una cantante importante que ha hecho muchas cosas en la vida, Little Edie sin embargo, muestra una constante frustración, ella quiere ser artista en New York y está encerrada en Grey Gardens por que tiene que cuidar de su madre.
En el documental aparecen más personas, los propios documentalistas interaccionan y se dejan ver en algunos momentos, o Jerry Torre, también denominado por Little Edie como «The Marble Faun». Es una de las pocas personas que tiene contacto con estas dos mujeres y su historia también es un tanto peculiar, tanto que da para un buen libro. Jerry Torre huyó de su casa por su homosexualidad, y las Beaver lo acogieron en la suya. Jerry Torre trabajó para las Bouvier arreglándoles el jardín, después como asistente de Wayland Flowers, y también consiguió un trabajo a través de Aristotle Onassis, con la familia real saudí, cuidando un jardín tropical de dos acres y medio en Riad. Después del lanzamiento de “Grey Gardens”, dice Torre, ayudó a Edie con un acto de cabaret que ella había organizado. Pero después de la muerte de la Sra. Beale, en 1977, Edie vendió la casa y finalmente se mudó a Florida (murió en 2002) y perdieron el contacto.
Obras derivadas
En 2006 el documental fue adaptado como un musical del mismo nombre, donde se muestra la transición de estas dos personas, desde la alta sociedad aristócrata, a su existencia aislada y abandonada en una casa llena de gatos y acusada en repetidas ocasiones de falta de salubridad. Por otra parte también intenta descifrar la relación tóxica entre madre e hija.
Otra obra derivada de este documental es «The Marble Faun of Grey Gardens» un libro escrito por Jerry Torre, mas conocido por «The marble Faun» o «El fauno del mármol» que fue el apodo que le puso Little Edie durante el documental.
En 2009 se publicó un largometraje para la televisión protagonizado por Drew Barrymore y Jessica Lange sobre este documental, recibiendo múltiples nominaciones y premios en los Primetime Emmy Awards.
En 2017, se publicó el metraje original de Radziwill visitando a las Beales como «That Summer» y esta disponible actualmente en algunas plataformas. Una precuela de “Grey Gardens” que se centra en el momento en el que el primo, Lee Radziwill, llega con los hermanos Maysles.
Mi opinión
Es un documental histórico y de referencia. Se nota que está hecho con el máximo mimo y cuidado para mostrar solo lo que se quiere mostrar. Estoy seguro que se podrían hacer montajes mucho más crueles con esas dos personas que obviamente no están en su mejor momento. Y sin embargo, te das cuenta desde el minuto uno que no están bien, pero a la vez, les coges cariño, y cualquier persona con un poco de empatía trataría de ayudar en lo máximo posible a esas dos personas.
Si, también vi esta película en el Festival de Málaga. No me siento orgulloso, de hecho, tampoco estoy contento, pero tengo que reconocer que fui a verla. Tenía pocas esperanzas de que me gustara, y lo cierto es, que consiguió batir mis expectativas, por lo bajo. Ojo que en esta crítica voy a hacer spoilers porque no considero que sea importante que la veas o no.
Este film está dirigido por Emilio Martínez-Lázaro, con un buen palmarés a sus espaldas, nominaciones a los Goya, los Feroz, los Forqué o incluso ganó dos Biznagas de plata del Festival de Málaga por El otro lado de la cama. Probablemente sus últimas películas Ocho apellidos vascos y Ocho apellidos catalanes sean las más conocidas, con éxito rotundo de público aunque quizás no de crítica. También ha dirigido películas fuera del humor, como Trece Rosas.
Este largometraje que nos atañe hoy: Un hipster en la España vacía, describe el nacimiento de un partido político, que apuesta por lo rural, lo verde, la España vacía, o vaciada, o como la quieras llamar, etc. Podría sacarse el parecido a algún partido político actual, pero aquí no hemos venido a hablar de eso.
Dentro de ese partido político nos encontramos con diferentes perfiles, un irresistible líder, con el pelo corto, nada de coleta, interpretado porPaco León, para mi nada creíble. No digo que sea feo o atractivo, pero no es el tipo de persona que yo consideraría un seductor y mucho menos de la forma en la que actúa en la película. Ni siquiera para hacerlo con humor o como algo gracioso. Otros perfiles que nos encontramos dentro de este partido son el protagonista y su pareja, interpretados por la guapa pero insulsa en este papel, Macarena Garcia, y Lalo Tenorio. Sinceramente, podría ser él, o podría ser otro, me impresionó tan poco, que si me lo cruzo por la calle, no lo reconocería.
El argumento es el siguiente, la pareja, de militantes de este «novedoso» partido muy verde, muy ecológico, están super motivados con sus ideales políticos y quieren progresar lo mas rápidamente posible. Esto separará sus caminos, a una la mandará a los brazos del «irresistible líder» y al otro a un pueblo de la España vacía. Resumiendo muy rápido, de verdad, porque no creo que merezca ni el tiempo de leerlo. Ella, la novia del protagonista, hace uso de «tenemos una relación abierta» para liarse y ponerle los cuernos con el «irresistible líder». Él, mientras tanto, monta una revolución en el pueblo que pasa de tener el mismo alcalde desde hace 40 años a tenerlo a él como alcalde, con la ayuda de la dueña del bar del pueblo Berta Vázquez. Y pasa a ser todo «chupiguay», super verde y super eco, como las lavadoras modernas.
Todavía no entiendo como gente con el curriculum de Miguel Reyán (Tío, que salías en Amanece que no es poco) o Tito Valverde (y tu también), se meten en estos berenjenales. No entiendo como acceden a hacer estos papeles. Estoy convencido que tienen suficiente dinero en el banco como para no tener que pasar por esto y manchar su carrera con este tipo de largometrajes.
La única actriz que mantiene la película un poco arriba es Berta Vazquez, como la dueña del bar del pueblo, por su interpretación, y porque está terriblemente guapa. Durante toda la película, no hay escena que le quede mal.
Berta Vázquez
No os voy a contar el final, tampoco os vais a sorprender, porque es totalmente previsible.
