Jurado Nº 2 (2024)

A sus 94 años, Clint Eastwood sigue demostrando que aún tiene mucho que decir en el cine con Jurado Nº 2, un thriller judicial que podría convertirse en su última película como director. Eastwood, cuya filmografía incluye títulos legendarios como Million Dollar Baby (2004) (INCISO: película que personalmente me parece una de las mejores películas de la historia, pero que nunca mas volveré a ver, porque me lo he prometido a mi mismo), Gran Torino (2008) o Sin perdón (1992), nos trae un relato de tensión moral donde la línea entre la justicia y la culpabilidad se difumina peligrosamente.

El guion corre a cargo de Jonathan Abrams, guionista emergente con experiencia en thrillers de tensión contenida. La película cuenta con un reparto de lujo encabezado por Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera, Renfield, La favorita), quien interpreta a un miembro del jurado atrapado en un dilema ético. Junto a él, Toni Collette (Hereditary, Puñales por la espalda), J.K. Simmons (Whiplash, Spider-Man), Kiefer Sutherland (24, Designated Survivor) y Zoey Deutch (Zombieland: Mata y remata) completan el elenco.

La película ha sido producida por Malpaso Productions, la compañía de Eastwood, y distribuida por Warner Bros. Con un presupuesto de 30 millones de dólares, Jurado Nº 2 se estrenó en el Festival AFI Fest el 27 de octubre de 2024 y llegó a los cines el 31 de octubre del mismo año. Hasta la fecha, ha recaudado 20,4 millones de dólares a nivel mundial.

Jurado Nº 2

Justin Kemp (Nicholas Hoult) es un hombre de familia, periodista en recuperación y miembro de un jurado en un caso de asesinato con alta carga mediática. A medida que avanzan las deliberaciones, Kemp comienza a darse cuenta de que podría tener una conexión directa con el crimen que se está juzgando.

El conflicto moral se apodera de él: ¿debe revelar la verdad y arriesgarse a arruinar su vida o debe permanecer en silencio y permitir que el juicio siga su curso? La presión aumenta conforme la fiscal del caso, interpretada por Toni Collette, presenta pruebas cada vez más contundentes contra el acusado. Kemp, atrapado en una red de mentiras y decisiones imposibles, deberá enfrentarse a su propia conciencia en un juego donde la verdad puede ser su peor enemigo.

Ojo spoilers:

Desde el inicio, Eastwood nos sitúa en la sala del tribunal, donde el juicio por asesinato parece ser un caso más de justicia rutinaria. El acusado, un joven de clase baja, es señalado como responsable de un homicidio cometido en circunstancias poco claras.

Sin embargo, a medida que se presentan las pruebas, Justin Kemp empieza a experimentar un creciente malestar. Un testimonio clave describe una escena que encaja con un recuerdo borroso de su pasado: una noche en la que, conduciendo bajo los efectos del alcohol, estuvo involucrado en un accidente en la misma zona del crimen.

El dilema moral se intensifica cuando el jurado se retira a deliberar. Mientras el resto de los miembros parecen inclinados a un veredicto de culpabilidad, Kemp lucha internamente: ¿está condenando a un inocente para ocultar su propia responsabilidad?

Desesperado, intenta confesar su dilema a su esposa, pero se encuentra con otra barrera: su relación familiar podría desmoronarse si la verdad sale a la luz. Por otro lado, la fiscal Killebrew (Collette) presiona para un veredicto rápido, y el juez (J.K. Simmons) impone un plazo estricto para la decisión final.

En la recta final, Kemp se enfrenta a una elección imposible: si habla, arruinará su vida, pero si calla, condenará a otro. En un momento de máxima tensión, decide escribir una nota anónima a la defensa, sugiriendo nuevas pruebas que pueden cambiar el curso del juicio sin revelar directamente su culpabilidad.

El juicio se reabre y, aunque el veredicto final sigue siendo incierto, Kemp queda atrapado en un limbo de culpa del que nunca podrá escapar.

Opinión

Clint Eastwood, con su característico estilo sobrio y sin artificios, construye un thriller legal tenso que se centra más en el conflicto moral del protagonista que en el suspense tradicional.

Las actuaciones elevan la película: Nicholas Hoult logra transmitir la angustia de un hombre atrapado en su propia mentira, mientras que Toni Collette brilla como una fiscal implacable que no sospecha que su mayor aliado en el jurado es, en realidad, parte del problema.

En cuanto a la crítica, Jurado Nº 2 ha sido bien recibida en general. Pablo O. Scholz, de Diario Clarín, la describe como «un filme de suspenso que pide la reflexión del espectador ante lo que le muestran». Por su parte, Leonardo García Tsao, de La Jornada, destaca que «Eastwood dirige con su acostumbrado estilo sobrio, sin adornos de ningún tipo, y obtiene interpretaciones convincentes de su uniforme reparto».

No obstante, algunos críticos consideran que la película sigue un desarrollo predecible y que no arriesga lo suficiente en su resolución.

Curiosidades

  • Se rumorea que Jurado Nº 2 podría ser la última película de Clint Eastwood como director. A sus 94 años, el cineasta ha insinuado su retiro tras este proyecto.
  • La película rinde homenaje a clásicos del cine judicial como 12 hombres sin piedad (1957), recreando escenas de deliberación llenas de tensión.
  • Kiefer Sutherland aceptó su papel en la película sin leer el guion, solo por la oportunidad de trabajar con Eastwood.
  • Eastwood es conocido por sus rodajes rápidos y eficientes. En este caso, la filmación duró solo 34 días.
  • En un primer momento, el protagonista iba a ser interpretado por Jake Gyllenhaal, pero por problemas de agenda se optó por Nicholas Hoult.

Conclusión

Jurado Nº 2 es un thriller judicial que, sin reinventar el género, nos sumerge en un dilema moral inquietante. Eastwood demuestra una vez más su maestría al narrar historias sobre la culpa y la redención, dejando en el espectador la incómoda pregunta: ¿qué haríamos en el lugar del protagonista?

Si esta resulta ser su última película, Clint Eastwood se despide con una obra digna de su legado, sin estridencias, pero con su sello inconfundible.

Nosferatu (2024)

Nosferatu (2024) es una reinterpretación del clásico del cine mudo de 1922, dirigida por Robert Eggers. La película original, dirigida por F.W. Murnau, es considerada una obra maestra del cine expresionista alemán y una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker. En esta nueva versión, Eggers busca rendir homenaje al original mientras aporta su visión contemporánea al relato gótico de terror.

La dirección y el guión recaen sobre Robert Eggers, conocido por sus trabajos en La bruja (2015) y El faro (2019). La producción sobre Jeff Robinov, John Graham, Chris Columbus, Eleanor Columbus y Robert Eggers. La producción musical esta a cargo de Robin Carolan. Y la fotografía corre a cuenta de Jarin Blaschke. El presupuesto con el que contó Robert Eggers fue solo de 50 millones y su recaudación a dia de hoy son unos 167 millones de dólares. Su duración es de 132 minutos y esta distribuida por Focus Features en Estados Unidos y Universal Pictures a nivel internacional.

Su reparto es el siguiente:

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Nosferatu

Ambientada en 1838, la historia sigue a Thomas Hutter, un joven agente inmobiliario que viaja a Transilvania para cerrar una venta con el enigmático Conde Orlok. Tras una serie de eventos inquietantes en el castillo del conde, Hutter descubre la verdadera naturaleza de Orlok y su obsesión por Ellen, la esposa de Hutter. El conde decide trasladarse a Wisborg, llevando consigo una plaga y el terror a la pequeña ciudad.

Análisis y Opinión Personal

Al igual que la versión original de 1922, esta nueva adaptación de Nosferatu mantiene una atmósfera sombría y una narrativa pausada. Personalmente, encontré que ambas versiones carecen de dinamismo, lo que las hace algo tediosas. Sin embargo, es innegable la calidad técnica y artística de la película.

Una grata sorpresa fue la actuación de Lily-Rose Depp como Ellen Hutter. La hija de Johnny Depp, logra destacarse por mérito propio, aportando una vulnerabilidad y profundidad al personaje que enriquecen la narrativa. Por otro lado, Willem Dafoe, en el papel del Profesor Eberhart, ofrece una interpretación sólida y convincente, algo esperado dada su trayectoria.

Bill Skarsgård, interpretando al Conde Orlok, aporta una presencia inquietante y perturbadora, aunque su actuación puede resultar predecible para quienes están familiarizados con sus roles anteriores en el género de terror.

Bill Skarsgård prêt à hanter les écrans dans le rôle de Nosferatu

La dirección de Robert Eggers se caracteriza por su meticulosidad y atención al detalle, recreando con fidelidad la estética gótica y opresiva de la época. Sin embargo, esta fidelidad puede ser un arma de doble filo, ya que la película puede resultar demasiado similar a la original, sin aportar suficientes elementos novedosos que justifiquen una nueva adaptación.

Curiosidades

  • Se utilizó el nombre de Conde Orlok en lugar de Conde Drácula para evitar temas legales, ya que no tenían los derechos sobre el libro. Sin embargo en la versión de 1979 ya si se pudo usar el nombre de Conde Drácula.
  • Lily-Rose Depp es hija de Jhony Depp y la cantante, actriz y modelo Vanessa Paradis.
  • El papel de Lily-Rose Depp estaba pensado originalmente para Anya Taylor-Joy.
  • El perfumista Douglas Little colaboró con Focus Features para crear «Eau de Macabre», una fragancia inspirada en la película.
  • Para interpretar al Conde Orlok, Skarsgård se sometió a una intensa transformación física. Perdió una cantidad significativa de peso y pasó hasta seis horas diarias en maquillaje, utilizando alrededor de 62 prótesis para lograr la apariencia deseada. Además, trabajó con una entrenadora de ópera para bajar su voz una octava, incorporando técnicas de canto gutural mongol.

Conclusión

Nosferatu (2024) es una película que destaca por sus valores de producción, actuaciones sólidas y una dirección cuidadosa. Sin embargo, su ritmo lento y la falta de innovación en la narrativa pueden hacer que resulte monótona para algunos espectadores. A pesar de ello, es una obra que merece ser vista, especialmente por aquellos interesados en el cine de terror clásico y las reinterpretaciones contemporáneas de historias emblemáticas.

Conclave (2024)

Cónclave es un thriller dramático dirigido por Edward Berger y basado en la novela homónima de Robert Harris. La película nos sumerge en el proceso secreto de elección de un nuevo Papa tras la muerte del Pontífice anterior, explorando las tensiones, alianzas y secretos que se esconden detrás de los muros del Vaticano. Con un reparto excepcional y una narrativa envolvente, Cónclave promete ser una de las películas más intrigantes del año.

La película está dirigida por Edward Berger, conocido por su trabajo en Sin novedad en el frente (2022). El guion fue adaptado por Robert Harris, autor de la novela original. Se estima su presupuesto en 50 millones de dólares. Y una recaudación de unos 84.5 a día de hoy. La película dura 127 minutos, y esta distribuida por Warner Bros. Pictures.

El elenco de Cónclave está compuesto por actores de renombre que aportan profundidad y autenticidad a la narrativa:

Reparto conclave
Reparto conclave

Ralph Fiennes como Cardenal Thomas Lawrence: Encargado de liderar el cónclave y descubrir secretos que podrían sacudir los cimientos de la Iglesia. Fiennes es conocido por sus papeles en La lista de Schindler (1993), El paciente inglés (1996) y como Lord Voldemort en la saga de Harry Potter de la que escribía recientemente.

Stanley Tucci como Cardenal Bellini: Un influyente líder con carisma y poder dentro del Vaticano. Tucci ha destacado en películas como El diablo viste de Prada (2006), Julie & Julia (2009) y Los juegos del hambre (2012-2015).

John Lithgow como Cardenal Tremblay: Un estratega astuto con ambiciones ocultas. Lithgow es reconocido por sus actuaciones en La fuerza del cariño (1983), Footloose (1984) y la serie The Crown (2016-2019).

Sergio Castellitto como Cardenal Tedesco: Figura prominente con una visión tradicionalista de la Iglesia. Castellitto es conocido por No te muevas (2004) y La estrella ausente (2006).

Isabella Rossellini como Hermana Agnes: Una enigmática monja con un papel crucial en la trama. Rossellini ha participado en Terciopelo azul (1986), Muerte se convierte en ella (1992)  (en España: La muerte os sienta tan bien).

Lucian Msamati como Cardenal Adeyemi: Un candidato progresista con ideas renovadoras. Msamati es conocido por su papel en la serie La desaparición de Kiri y The No. 1 Ladies Detective Agency.

Brian F. O’Byrne como Cardenal O’Malley: Un cardenal influyente con fuertes convicciones. O’Byrne ha aparecido en Million Dollar Baby (2004) y Antes que el diablo sepa que has muerto (2007).

Jacek Koman como Cardenal Wozniak: Un miembro del cónclave con secretos que podrían cambiar el curso de la elección. Koman es reconocido por Moulin Rouge! (2001) y Romulus, My Father (2007).

Cada actor aporta una interpretación sólida y matizada, elevando la tensión y el drama dentro de la película. La química entre el elenco contribuye a la autenticidad y realismo del relato.

A continuación, se detallan las principales nominaciones y galardones obtenidos:

Premios Óscar 2025 con 8 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Actor Principal para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini. Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Vestuario para Lisy Christl

Globos de Oro 2025 con 6 nominaciones, de las cuales ganó 1 premio: Mejor Guion para Peter Straughan (ganador), y nominaciones en Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Banda Sonora Original para Volker Bertelmann

Premios BAFTA 2025 con 12 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Film Británico, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor para Ralph Fiennes, Mejor Actriz Secundaria para Isabella Rossellini, Mejor Casting para Nina Gold y Martin Ware, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Fotografía para Stéphane Fontaine, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Diseño de Vestuario para Lisy Christl.

Festival de San Sebastián 2024 donde fue nominada a la Concha de Oro: Mejor Película.

Premios del Cine Europeo (EFA) 2024 Nominada a Mejor Actor para Ralph Fiennes.

Satellite Awards 2024 con 8  nominaciones, incluyendo: Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter.

Estas nominaciones y premios reflejan el reconocimiento de la crítica y la industria cinematográfica hacia Cónclave, destacando su excelencia en diversas áreas de la producción cinematográfica.

Cónclave

Tras la muerte del Papa, los cardenales del mundo se reúnen en la Capilla Sixtina para llevar a cabo el cónclave que elegirá a su sucesor. El Cardenal Lomeli, Decano del Colegio Cardenalicio, se convierte en el árbitro de un proceso lleno de tensión, donde se revelan antiguas rencillas, alianzas inesperadas y oscuros secretos que podrían cambiar el curso de la Iglesia Católica. A medida que avanzan las votaciones, Lomeli se enfrenta a dilemas morales que ponen a prueba su fe y su sentido del deber.

Cónclave no solo es una película sobre la sucesión papal, sino que también encierra un trasfondo ideológico que puede ser interpretado de diferentes maneras. A lo largo de la cinta, se perciben ciertos matices de un enfoque más «woke», con discursos sobre modernización y el papel de la Iglesia en la sociedad contemporánea. Aunque no es una película panfletaria, sí deja entrever posturas que pueden generar debate entre los espectadores.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su fotografía. Cada escena está cuidadosamente compuesta, con una iluminación tenue que acentúa la solemnidad y la intriga del cónclave. Los planos cerrados y la dirección de arte logran capturar la opulencia del Vaticano sin caer en la grandilocuencia.

Las actuaciones son sencillamente espectaculares. Ralph Fiennes ofrece una interpretación matizada como el Cardenal Lomeli, mientras que John Lithgow y Stanley Tucci aportan una gran carga dramática a sus respectivos personajes. Isabella Rossellini, en un papel secundario, logra brillar con cada aparición, añadiendo una dosis de misterio a la trama.

A pesar de sus múltiples aciertos, la película deja un poco de lado el componente de la «política internacional» y las negociaciones entre las diferentes congregaciones, un elemento que suele ser crucial en los cónclaves reales. Si bien hay referencias a presiones externas y tensiones dentro de la Iglesia, no se exploran con la profundidad que algunos espectadores podrían esperar.

Sección de Spoilers (advertencia)

Uno de los giros más impactantes de la película ocurre cuando se revela que uno de los cardenales con mayores posibilidades de ser elegido Papa oculta un secreto que podría dividir a la Iglesia. A medida que el Cardenal Lomeli investiga la verdad detrás de esta revelación, se enfrenta a dilemas morales que pondrán en jaque su lealtad a la institución y su propio sentido de justicia.

El clímax del filme es intenso y está cargado de tensión, con una última votación que desafía las expectativas del público. El desenlace deja abierta la interpretación sobre el futuro de la Iglesia y el papel del nuevo Papa en un mundo cambiante.

Curiosidades

  • La película fue rodada en locaciones de Roma y en recreaciones meticulosas del Vaticano.
  • Edward Berger se inspiró en documentos históricos sobre cónclaves reales para dotar de autenticidad a la trama.
  • La Capilla Sixtina fue reconstruida en un estudio con un nivel de detalle impresionante, permitiendo un realismo visual inigualable.
  • Ralph Fiennes aprendió latín para interpretar con mayor credibilidad los diálogos en la película.

Conclusión y Recomendación

Cónclave es una película fascinante, con una gran carga de intriga, actuaciones memorables y una puesta en escena impecable. Sin embargo, debido a su temática y subtexto ideológico, puede no ser del agrado de todos. No la recomendaría a alguien profundamente creyente que busque una visión tradicional de la Iglesia, pero sí a quienes tienen interés en el funcionamiento de las religiones y los dilemas éticos dentro de ellas.

Si bien eché en falta una exploración más profunda de las negociaciones y maniobras políticas que suelen estar presentes en los cónclaves, la película sigue siendo una obra notable que logra capturar la solemnidad y el misterio del proceso de elección papal. En definitiva, una de las propuestas cinematográficas más interesantes del 2024.

 

Veintitrés años más tarde, he visto Harry Potter (y aún espero mi carta de Hogwarts)

Lo confieso me llamo Sr. Lobo y hasta hace poco, nunca había visto ni una sola película de Harry Potter (Ya me pasó con Titanic, no se si lo recordáis). No porque tuviera nada en contra, sino porque la vida me llevó por otros caminos, y para cuando la saga llegó a su fin en 2011, ya sentía que era demasiado tarde para subirme al tren del Expreso de Hogwarts. Pero ahora, con una mezcla de curiosidad, nostalgia ajena y una pizca de presión social. y de Mia Wallace, porque no decirlo, he decidido sumergirme en el mundo de J.K. Rowling, y tras ocho películas y casi veinte horas de metraje, tengo algunas cosas que decir.

El inicio de la magia

Empezar Harry Potter y la piedra filosofal en 2024 es un ejercicio de anacronismo, pero también de inocencia. La película tiene ese aire encantador del cine infantil de los 2000, con efectos especiales que a veces hacen que el Quidditch parezca una cinemática de la PlayStation 2. Sin embargo, es imposible no sentir cierta fascinación al ver a Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint dar sus primeros pasos en un universo que, aunque ficticio, se ha convertido en parte del imaginario colectivo de varias generaciones.

La primera película es divertida, ligera y llena de promesas. Hogwarts es un lugar donde cualquiera querría perderse, Hagrid es el mejor tío bonachón que podríamos pedir, y Snape… bueno, Snape es Snape.

Creciendo con la saga

La transición de las primeras películas a El prisionero de Azkaban es donde la saga realmente despega. Alfonso Cuarón inyecta un tono más oscuro y cinematográfico, y aunque sigo sin entender cómo los alumnos sobreviven a un colegio donde los pasillos cambian de dirección por capricho, empiezo a comprender por qué esta historia atrapó a millones de personas.

A partir de aquí, la saga se vuelve más madura. El cáliz de fuego marca el momento en que Harry deja de ser un niño y empieza a enfrentarse a lo que realmente significa vivir en un mundo donde la magia no siempre es colorida. La Orden del Fénix y El misterio del príncipe me han dado algunos de los momentos más interesantes en términos de personajes, aunque también algunas frustraciones (¿por qué Harry no usó la varita para sacar la poción del tazón en vez de torturarse hasta sangrar?).

El final de la batalla

La recta final con Las reliquias de la muerte parte 1 y 2 es una montaña rusa emocional. Para entonces, me siento parte de este mundo. Ya no soy un espectador casual, sino alguien que ha sufrido cada pérdida y cada traición (y que aún no supera lo de Dobby).

La guerra contra Voldemort es épica, aunque me quedan dudas sobre por qué el Ministerio de Magia no invirtió en un departamento de seguridad decente si sabían que un tipo sin nariz andaba por ahí queriendo conquistar el mundo.

El clímax de la saga es satisfactorio, pero me quedo con un par de preguntas que probablemente nunca tendré respuesta. ¿Por qué los magos siguen escribiendo con pluma y tintero en pleno siglo XXI? ¿Dónde estaban los padres de los alumnos cada vez que Hogwarts se convertía en un campo de batalla? Y sobre todo… ¿por qué nadie jamás pensó en hacer un hechizo para localizar horrocruxes en lugar de pasar años jugando a la búsqueda del tesoro?

Conclusión: ¿valió la pena el viaje?

Después de ver la saga completa, entiendo el fenómeno Harry Potter. No es solo una historia de magia y aventuras, sino una oda a la amistad, la valentía y la lucha contra el destino. Los personajes evolucionan de niños curiosos a héroes rotos pero resilientes, y el universo construido por Rowling tiene una solidez envidiable.

¿Me arrepiento de no haberlo visto antes? Un poco. ¿Voy a releer los libros para compararlos? Probablemente no. ¿Voy a quedarme esperando mi carta de Hogwarts? Sin duda.

Y si alguien encuentra una varita de segunda mano, que me avise.

Smile 2 (2024)

Smile 2 (2024), traducida como Sonrie 2 en Latinoamérica, con un presupuesto nada desdeñable de 28 millones de dólares, a día de hoy lleva una recaudación de mas de 109 millones de dólares. Su productora es Temple Hill Entertainment y su distribuidora Paramount Pictures. Dura 127 minutos.

Secuela de Smile, como indica claramente su título. Si no has visto Smile, te recomiendo que veas Smile y luego, veas Smile 2, y luego te leas este post.

Desde mi punto de vista hay pocas ocasiones en las que las secuelas superen a las precuelas, quizás porque es difícil mantener un guión o una historia coherente a partir de la anterior. Y supongo que en una película de terror y ciencia ficción es quizás algo mas sencillo. Existen excepciones y cada vez que escribo un post aquí estoy deseando sacar a El Padrino a relucir, y puede que este sea uno de esos casos. Quizás esta película es lo único que tenga que ver con El Padrino, que la segunda es mejor que la primera.

Guión y dirección de Parker Finn, con varias películas de terror a sus espaldas, de las cuales solo he visto Smile. Y para ser sincero, aunque el terror no es mi género favorito, me pareció una película con un argumento y un ritmo interesante. Veamos el reparto de Smile 2:

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Naomi Scott, la recordarás (o con suerte no) por el reboot de la película Los Angeles de Charlie que se hizo en 2019, ella era la morena que no era de color. También ha salido en Aladdin (2019), Power Rangers (2017), y según filmaffinity su mejor película hasta ahora es Modern Love Tokyo (2022), que no he tenido el gusto de ver. Punto a favor de Naomi Scott es que también canta, e interpretó ella misma las canciones en Aladdin, y otras películas.

Kyle Gallner ya venia de Smile, donde hacia un papel muy interesante, y ha participado en una colección de películas decentes, pero que no pasarán a la historia como: Veronica Mars, El Francotirador, o Scream. Y Rosemarie Dewitt al contrario ha participado en series de gran nivel y que, desde mi punto de vista, dejarán huella en la historia de la cinematografía como son Black Mirror, Mad Men, o The Boys.

Y ahora viene el actor del que quería hablar desde el minuto uno y para el cual he tenido que comentar algo del resto: Ray Nicholson. Si. Es el hijo de su padre. Si. El maestro Jack Nicholson. No sale mucho en la peli, pero lo poco que sale me gusta mucho, y además cuando lo veas no vas a poder obviar el parecido con su padre en clásicos como El resplandor.

Te suena esta cara? ¿y la sonrisa? El hijo de Jack Nicholson emula a su

Smile 2 (2024)

Nuevo tráiler y póster de Smile 2

Aunque me encantan las películas de gore absurdo con mucha sangre de por medio, no soy un gran fan de las películas de terror por lo que voy a intentar que no se me note demasiado. La película Smile se dejaba ver, una película de terror, no de sustos. No era mala, te ponías con unas palomitas y una mantita y echabas un rato en la tarde haciendo algo entretenido. Smile 2 pues mas o menos igual, aunque quizás este algo mas entretenida y puedas disfrutar algo mas del género de terror. Tiene algunos giros de guión, mas un final… Quizás lo que mas me gustó de la película, aparte de que se acabara.

Otro detalle que me gusta de esta película es el marketing y la promoción previa, que esta muy conseguida, al igual que la primera. Por ejemplo, la protagonista tiene un instagram, un tiktok, un twitter, un spotify, o una página web propia como si de un personaje real se tratara.

También se colaron en los MTV Video Music Awards con esta performace:

A partir de aqui spoilers

La protagonista principal de la película es una cantante de nombre Skye Riley interpretada por Naomi Scott (`PARA NADA ESTÁ BASADO EL PERSONAJE EN MILEY CYRUS ¡EH!).

Miley Cyrus, Please Don't Grow Out Your Hair (an Impassioned ...

Sorprendente punto a favor para Naomi Scott es que interpreta las canciones ella misma con bastante éxito.

Volvamos al guión, Skye Riley una cantante juvenil que llena estados, explotada por su madre, que no tiene ni un minuto para ella y que está completamente vigilada debido a sus excesos previos con las drogas y el alcohol. Conocemos a Skye Riley en el programa de Drew Barrymore, donde nos cuenta que ha sobrevivido a un accidente de coche que le ha costado la vida a su novio. A ella prácticamente la deja paralítica, con unos grandes dolores de espalda y cicatrices tanto en el abdomen como en la espalda. Para remediar estos dolores, toma a escondidas lo que en EEUU se llama Vicodin, un analgésico muy potente. Y aquí empiezan sus problemas.

What Singer Is Smile 2's Skye Riley Based On?

En un ataque de dolor y después de un arduo entrenamiento para un gran concierto, pierde sus Vicodin por el desagüe del fregadero (que poco cuidadosa es la gente, a mi nunca me ha pasado eso y en todas las películas pasa). Así que la gran idea que tiene la muchacha es irse a hablar con su camello de confianza, para conseguir las pastillas y lo que haga falta. Y cuando llega se lo encuentra de droga hasta arriba y comportándose muy raro.

Y como ya habéis visto Smile, os podéis imaginar que pasa, el chaval le sonríe muy raro y se quita la vida justo delante de ella. A partir de ahí se le complica mucho la vida a la pobre Skye Riley. La diferencia entre Smile, y Smile 2, es que en este caso se centra en la vida de un solo personaje al que le va ocurriendo, y sin embargo, «la cosa», «el demonio», o como lo quieras llamar se la va comiendo poco a poco, haciéndole tener alucinaciones. En un determinado momento de la película el propio espectador ya no sabe si lo que esta ocurriendo es real o es una alucinación de la protagonista.

SMILE 2 Tráiler Español (2024)

Una diferencia con respecto a Smile, es que durante su camino hacia la locura Skye Riley se encuentra con Morris (interpretado por Peter Jacobson, conocido por series como House), que le comenta que ha seguido la transmisión del «demonio», «cosa», «infección» o como se le quiera llamar desde su hermano hasta ella, a través de diferentes casos.

Desde ese momento, la película toma otro cariz, y ¡se me hace muy largo el post!, no os voy a desvelar el final porque simplemente creo que es genial y que no se merece que alguien como yo lo cuente, y lo haga trizas.

Mi recomendación es que es una película de palomitas y manta en casa acurricaditos y a oscuras con vuestra pareja, vuestro perro, solos o con quien os de la gana, pero palomitas y manta siempre que ya empieza a refrescar.

Arthur (Arthur the King)(2024)

Si te gustan y te emocionan las películas donde salen perritos, y de superación, resistencia, y resiliencia, esta es tu película. Está distribuida por Lions Gate, cuenta con un presupuesto de 19M de dólares y su duración es de una hora y 47 minutos. Está calificada para todos los públicos y puedes verla ahora mismo en las principales plataformas (Apple TV, Amazon Prime Video, Youtube…), o comprarla en DVD o Blue Ray. La recaudación a día de hoy se estima en unos 35M de dólares.

Arthur (Arthur the King)(2024)

Arthur the king - poster
Arthur the king – poster

La película esta dirigida por Simon Cellan Jones, con guión de Mikael Lindnord (instagram), co-protagonista de la historia y autor de la novela. Simon Cellan Jones es conocido por haber dirigido capítulos en series como Boardwalk Empire, con el gigante de la escena Steve Buscemi, Years and Years, con la gigante Emma Thompson, y algunos capítulos de la serie Jessica Jones. El reparto, aparte de Mark Wahlberg, son unos grandes profesionales, que no por ello, estrellas de cine. Tengo que hacer una mención especial a Ukai, el es protagonista principal, y no lo puedo poner en otro sitio que el primero. Sin el no hay película. Como os podéis imaginar estoy hablando del perro que hace el papel de Arthur. Y lo clava.

Mark Wahlberg, para mi es un gran actor, y en este papel lo hace genial. Aunque siempre me da la sensación de que podría haber sido un actor con la repercusión de Matt Damon y se ha quedado a mitad de camino. Y por otra parte tenemos a los secundarios Nathalie Emmanuel (Fast and furious 7, 8, 9, 10, Juego de tronos), Simu Liu (Barbie), Juliet Rylance, que hacen unos buenos papeles y los vas a querer y odiar por momentos a cada uno de ellos.

Esta película podría haber sido otra película cualquiera de Mark Wahlberg, podría haber sido una película dura, de esfuerzo, de superación, de limites personales. Una película hasta en cierto punto violenta. Pero hay un perro. Y ese perro suaviza y la convierte en una película familiar que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar.

Desde el punto de vista cinematográfico,  Arthur ha sido alabada por su capacidad de conectar emocionalmente con la audiencia a través de una narrativa sencilla pero conmovedora. La dirección de Simon Cellan Jones y la actuación del reparto, especialmente la del protagonista, proporcionan la credibilidad necesaria para una historia basada en eventos reales. Sin embargo, algunos críticos señalan que la película puede ser predecible en su desarrollo, con una fórmula que ya se ha visto en otras películas de género similar.

A pesar de esto, el impacto emocional y la autenticidad en la representación de la relación entre humanos y animales es notable, lo que sigue atrayendo a diferentes audiencias a nivel mundial. Al tratar temas como la lealtad, supervivencia y el altruismo, Arthur puede emocionar al público, y presenta importantes preguntas sobre la sociedad y nuestro trato a los animales.

Desde el punto de vista económico, Arthur the King, Arthur a secas en España, se estrenó a la vez que dos películas que se sabía que iban a ser muy importantes en taquilla, como son: Dune Part 2, y Kung Fu Panda 4, y a pesar de esto ha tenido unos resultados notables.

Curiosidades de Arthur (Arthur the king)

  • Que esta basado en hechos reales ya lo hemos comentado, pero que los protagonistas no son americanos sino Suecos no. La película esta basada en el libro escrito por Mikael Lindnord y de nombre en español «Arthur: El perro que atravesó la jungla para encontrar un hogar». No es dificil de encontrar.

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  • Mark Wahlberg se rompió un menisco al principio del rodaje.
  • Arthur, era una mezcla entre Labrador y terrier, vivió 6 años mas con su nueva familia en Suecia y falleció en 2020 de un tumor.
  • Mark Wahlberg es un gran amante de los animales y a pesar de que ya tiene 4 perros,  intentó sobornar al entrenador de Ukai para quedárselo después del rodaje.

Opinión personal

Si has tenido perros o te gustan los perros, esta película te va a llegar al corazón. No son los mejores actores del mundo, ni el mejor guión del mundo. No se va a llevar ni un Óscar, ni una Palma de oro. Pero no todas las películas están destinadas a eso.

Civil War (2024)

«Civil War» es la última y más ambiciosa película del director británico Alex Garland, conocido por títulos como «Ex Machina» y «Aniquilación«. Ambientada en un futuro cercano, esperemos que alternativo, la película nos sumerge en un Estados Unidos sumido en una cruenta guerra civil entre el gobierno federal y varios grupos secesionistas.

Civil War - Kirsten Dunst
Civil War – Kirsten Dunst

Con un guión escrito por el propio Garland, y con un reparto encabezado por Kirsten Dunst , nominada en multitud de ocasiones a los Globos de Oro, Emmy y una vez al Óscar. En este reparto también participa Warger Moura (Pablo Escobar en las dos primeras temporadas de Narcos, lo que le supuso la nominación al Globo de Oro en 2016) y la joven y también nominada a los Globos de Oro Cailee Spaeny.

Civil War

La historia sigue a un equipo de periodistas compuesto por la veterana fotógrafa Lee Smith (Kirsten Dunst), su colega Joel (Wagner Moura), el mentor Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la joven aspirante Jessie Cullen (Cailee Spaeny). Tras quedar atrapados en un atentado en Nueva York, deciden viajar a Washington para intentar entrevistar al presidente, mientras el conflicto se recrudece por momentos.

Lo que hace especial a «Civil War» es que, a diferencia de otras películas bélicas, aquí la guerra no ocurre en un país lejano o en un futuro distópico, sino en el mismísimo corazón de Estados Unidos, en un presente/futuro cercano alternativo. Esto le da un toque de realismo y actualidad que resuena con fuerza en el espectador. Garland logra un equilibrio perfecto entre la crudeza de la violencia y la belleza sombría de las imágenes. El sonido envolvente y la cinematografía de alto nivel nos sumergen en la acción, mientras que los toques de humor inesperados nos proporcionan breves respiros.

Las actuaciones están a la altura, con Dunst y Moura destacando como los veteranos periodistas que han visto demasiado horror, pero siguen adelante por su compromiso con la verdad. Cailee Spaeny y Stephen McKinley Henderson completan un reparto coral que muestra las diferentes caras del impacto humano en tiempos de guerra.

En definitiva, «Civil War» es una película bélica que no pertenece al cine bélico tradicional. Garland usa el género para hacer una potente alegoría sobre la polarización y la violencia que acechan a la sociedad actual. Un thriller trepidante y aterrador que no dejará indiferente a nadie

Curiosidades sobre Civil War

  • Alex Garland escribió el guión en apenas 3 meses, inspirándose en la creciente tensión política y social que se vive en Estados Unidos.
  • Kirsten Dunst y Wagner Moura tuvieron que someterse a un intenso entrenamiento para interpretar de forma creíble a los veteranos periodistas. Dunst aprendió a manejar cámaras de fotos profesionales.
  • El rodaje se llevó a cabo en Atlanta y Londres, con un presupuesto de 50 millones de dólares, convirtiéndose en la película más cara producida por A24.
  • Un 17% del público disfrutó de la película en salas IMAX, para apreciar en toda su espectacularidad las impactantes escenas de acción y destrucción.
  • «Civil War» se estrenó en el festival SXSW en marzo de 2024 y se convirtió en el estreno más taquillero de la historia de A24, recaudando 113 millones de dólares en todo el mundo
  • Alex Garland considera la película como una alegoría de ciencia ficción sobre la polarización actual, situada en un futuro lo suficientemente cercano como para ser creíble.

Opinion personal

«Civil War» es una de esas películas que te dejan con el estómago revuelto pero que no puedes dejar de mirar. Garland nos sacude con una visión aterradora y profética de un futuro que parece cada vez más cercano. Una película que no olvidarás fácilmente.

Fue una grata sorpresa y me alegro mucho de haber ido a verla al cine, donde se pueden disfrutar mas intensamente los efectos y matices, así como la gran interpretación de Kirsten Dunst. Aunque la gran sorpresa de la película no deja de ser Cailee Spaeny que hace un papel espléndido.

Cailee Spaeny
Cailee Spaeny

Por ponerle una pega, diría que el nombre no esta bien elegido, ya que se confunde con la todavía reciente y más que presente «Civil War» de Marvel.

Permaneced atentos a su estreno en plataformas (principalmente movistar+ y filmin) y no desaprovechéis la oportunidad de disfrutar de esta gran obra.

Crítica de Dune (2021)

Llego 3 años tarde para hacer esta crítica pero nunca es tarde si la dicha es buena. Hoy voy a comentar un poco Dune (2021), basada en la saga de libros escrita por Frank Herbert entre 1965 y 1985. En total este conjunto de libros se compone de 6 volúmenes, dejando el final del último totalmente abierto.

Ahora estrenan Dune: Segunda Parte (que ya he visto también, pronto tendremos crítica) y bueno, por ponerme al día, y antes de verla, decido ver la primera parte de Dune llevándome una sorpresa bastante positiva. Existen videos para ver el argumento de la película resumidos en Youtube y en 10 minutos estás al día, aunque yo recomiendo verla entera.

Dune

Pero vamos a la película. El reparto es espectacular, no se andan con tonterías en este caso. No me caen bien algunos de los actores de Dune, ni Timothée Chalamet, ni, aunque sea español, Javier Bardem. Así que me resistí mucho a ver la primera parte de Dune, aunque en cierta forma me atrajera un poco por las figuras en alza de Zendaya, Jason Momoa (que aunque a él no le guste, salió en los vigilantes de la playa) y Rebecca Ferguson.

Está dirigida por Denis Villeneuve, director de otras grandes películas del género de ciencia ficción como Blade Runner 2049, o The Arrival (La llegada), aunque también ha dirigido algunas otras del género de acción como Sicario o Prisoners (Prisioneros).

Los derechos de esta película han ido rodando por diferentes productoras, Paramount Pictures los compró en 2008, y diferentes directores (Peter Berg director de Collateral, o Pierre Morel director de Transporter), que no han tenido el presupuesto o la capacidad de hacerla, hasta que definitivamente llegaron a las manos de Legendary Pictures, y estos decidieron contactar con Villeneuve, que confesó que deseaba hacer Dune desde hace décadas.

Resumiendo la película un poco, y muy rápido, existe un planeta llamado Arrakis, que tiene una sustancia muy valiosa, y existen diferentes casas, así como pueblos ya en ese planeta que necesitan esa sustancia. Así que cada casa, intenta hacer lo posible por quedarse y gobernar el planeta entero.

Lo primero, Timothée Chalamet, a partir de ahora Chalamet a secas, protagonista principal, se enfrenta a hombres que le doblan en peso, volumen y altura. No me parece nada creíble que Chalamet sea un tan buen luchador y se enfrente a unos y otros y ganando, ni tantos combates, ni tantas batallas. No tengo pegas ni en la actuación de Javier Bardem ni en la de Jason Momoa, ambos dos ejerciendo mucho mejor su rol de hombres rudos, de batalla.

Me sorprendió lo poco que aparece Zendaya en el metraje para lo que se la publicita. Y Rebeca Ferguson está extraordinaria. Me encanta su interpretación, aparte de pegarle muchísimo el personaje. Mucho mas importante y trascendental del que pudiera parecer en un principio.

Cosas curiosas de la película:

En resumen: Me ha gustado. Un poco pesada en algunos momentos, un poco demasiado exagerada en otros, pero en general, parece una buena adaptación de las novelas. Y al haber visto Dune: Segunda Parte, recomiendo encarecidamente ver esta antes.

Festival de Málaga: Los pequeños amores.

Celia Rico Clavelino (con una nominación a los Goya y otra al festival de San Sebastian) nos trae al festival «Los pequeños amores«, nominada a mejor película y obteniendo finalmente el premio, Biznaga de plata: premio especial del jurado. La película tiene un título bien elegido, un buen elenco de actores principalmente Adriana Ozores y Maria Vázquez, (y Titán, un pastor alemán precioso).

Y también son reseñables la localización, la fotografía, los escenarios son todos preciosos y dan ganas de ir a visitarlos. Ha sido rodada en regiones de Begues, L’Ametlla de Merola, Sant Cugat de Sesgarrigues, Olesa de Bonesvalls, La Granada…

A la presentación acudieron en este caso, la directora Celia Rico, La co-protagonistas Adriana Ozores, Maria Vázquez, el actor Aimar Vega, así como la productora Sandra Tapia (Los pequeños amores y Robot Dreams, nominada a los oscars) y Titán con su dueño Guillermo que se comporta como uno mas del reparto,  (no podia dejarlo pasar, porque soy un amante de los animales y este en concreto es precioso).

No descubro ya nada si digo que la biznaga de plata a la mejor interpretación femenina de reparto se la llevó merecidísimamente Adriana Ozores, una actriz consagrada, ganadora de un Goya y nominada en repetidas ocasiones. su actuación en esta película a mi me encantó. También hace un gran papel de sufridora Maria Vázquez.

Hablemos sobre la película sin descubrir demasiado el contenido. Básicamente es una historia cotidiana. Todos tenemos historias cotidianas en nuestras vidas, a diario, y eso es precisamente lo único negativo que le encuentro a esta película. Por lo demás incluye mucho de amor mutuo y correspondido entre una madre y una hija. Quizás estemos mas acostumbrados en esta sociedad a hablar del amor maternofilial, y de cuanto quieren las madres a los hijos y menos al revés cuando también es una cosa natural, importante, y casi siempre, con el tiempo, imprescindible.

Por otra parte, también se trata el amor en sentido romántico, como, cuando uno vuelve a sus orígenes, y restablece relaciones con gente de su pasado, puede temblarle todo el suelo y los cimientos, hacerte replantearte tu vida actual, tus relaciones sentimentales, actuales, pasadas, y su futuro en general.

Resumen y conclusiones, para mi es una buena película. Las películas sobre temas cotidianos, tranquilas y sosegadas con mensaje profundo no son lo mio, pero esta puedo decir que es bonita y me gustó y no se me hizo larga en absoluto. La podéis ver desde el 9 de Marzo en los cines.

Festival de cine de Málaga: Yana Wara

Hoy voy a escribir sobre Yana Wara, película que vi en el fantástico Festival de Málaga de Cine. La presentaron el director y una de las actrices protagonistas, Irma Doris Percca, que vino ataviada de su vestimenta folclórica. Saludaron en su lengua local, y hablaron un poco sobre lo que querían transmitir con esta película. Lo cierto es que la sala no estaba muy llena en este caso.

Como siempre, trataré de no hacer spoilers sobre que pasa durante la película, pero teniendo en cuenta que esto es una crítica, es posible que desvele algún detalle de la trama.

Bueno, eso lo podría decir de cualquier película de la que escriba una crítica, de esta, no tanto. La hora (las 4 de la tarde) y el ritmo y argumento de la película no ayudaron mucho. Tampoco que estuviera en VOS y su lenguaje fuera el Aymara, y teniendo en cuenta que esta rodada en Perú, por indígenas semiprofesionales, o aficionados, se me hizo complicado seguir la trama. A lo mejor tampoco ayudó que la película fuera íntegramente en blanco y negro. Vamos, lo voy a confesar ya, por mucho que me duela, tuvieron que despertarme en el algún momento.

El argumento de la película lo puedes leer en cualquier sitio, así que no entraré mucho en detalles, pero habla de las tradiciones, creencias, y misticismos de la zona, y lo perjudiciales que pueden ser para algunas personas, en este caso, la perjudicada es una pobre niña.

Dato curioso de la película: su director inicial Óscar Catacora, falleció durante el rodaje a los 34 años de edad de apendicitis, y la película fue terminada de rodar por su tío, Tito Catacora.

Resumiendo, a mi personalmente no me llaman mucho la atención este tipo de películas, pero entiendo que cualquier persona que pueda apreciar la belleza de la fotografía, la profundidad del argumento y lo dificultoso de grabar una película en esas condiciones puede disfrutar mucho de ella.

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