Jurado Nº 2 (2024)

A sus 94 años, Clint Eastwood sigue demostrando que aún tiene mucho que decir en el cine con Jurado Nº 2, un thriller judicial que podría convertirse en su última película como director. Eastwood, cuya filmografía incluye títulos legendarios como Million Dollar Baby (2004) (INCISO: película que personalmente me parece una de las mejores películas de la historia, pero que nunca mas volveré a ver, porque me lo he prometido a mi mismo), Gran Torino (2008) o Sin perdón (1992), nos trae un relato de tensión moral donde la línea entre la justicia y la culpabilidad se difumina peligrosamente.

El guion corre a cargo de Jonathan Abrams, guionista emergente con experiencia en thrillers de tensión contenida. La película cuenta con un reparto de lujo encabezado por Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera, Renfield, La favorita), quien interpreta a un miembro del jurado atrapado en un dilema ético. Junto a él, Toni Collette (Hereditary, Puñales por la espalda), J.K. Simmons (Whiplash, Spider-Man), Kiefer Sutherland (24, Designated Survivor) y Zoey Deutch (Zombieland: Mata y remata) completan el elenco.

La película ha sido producida por Malpaso Productions, la compañía de Eastwood, y distribuida por Warner Bros. Con un presupuesto de 30 millones de dólares, Jurado Nº 2 se estrenó en el Festival AFI Fest el 27 de octubre de 2024 y llegó a los cines el 31 de octubre del mismo año. Hasta la fecha, ha recaudado 20,4 millones de dólares a nivel mundial.

Jurado Nº 2

Justin Kemp (Nicholas Hoult) es un hombre de familia, periodista en recuperación y miembro de un jurado en un caso de asesinato con alta carga mediática. A medida que avanzan las deliberaciones, Kemp comienza a darse cuenta de que podría tener una conexión directa con el crimen que se está juzgando.

El conflicto moral se apodera de él: ¿debe revelar la verdad y arriesgarse a arruinar su vida o debe permanecer en silencio y permitir que el juicio siga su curso? La presión aumenta conforme la fiscal del caso, interpretada por Toni Collette, presenta pruebas cada vez más contundentes contra el acusado. Kemp, atrapado en una red de mentiras y decisiones imposibles, deberá enfrentarse a su propia conciencia en un juego donde la verdad puede ser su peor enemigo.

Ojo spoilers:

Desde el inicio, Eastwood nos sitúa en la sala del tribunal, donde el juicio por asesinato parece ser un caso más de justicia rutinaria. El acusado, un joven de clase baja, es señalado como responsable de un homicidio cometido en circunstancias poco claras.

Sin embargo, a medida que se presentan las pruebas, Justin Kemp empieza a experimentar un creciente malestar. Un testimonio clave describe una escena que encaja con un recuerdo borroso de su pasado: una noche en la que, conduciendo bajo los efectos del alcohol, estuvo involucrado en un accidente en la misma zona del crimen.

El dilema moral se intensifica cuando el jurado se retira a deliberar. Mientras el resto de los miembros parecen inclinados a un veredicto de culpabilidad, Kemp lucha internamente: ¿está condenando a un inocente para ocultar su propia responsabilidad?

Desesperado, intenta confesar su dilema a su esposa, pero se encuentra con otra barrera: su relación familiar podría desmoronarse si la verdad sale a la luz. Por otro lado, la fiscal Killebrew (Collette) presiona para un veredicto rápido, y el juez (J.K. Simmons) impone un plazo estricto para la decisión final.

En la recta final, Kemp se enfrenta a una elección imposible: si habla, arruinará su vida, pero si calla, condenará a otro. En un momento de máxima tensión, decide escribir una nota anónima a la defensa, sugiriendo nuevas pruebas que pueden cambiar el curso del juicio sin revelar directamente su culpabilidad.

El juicio se reabre y, aunque el veredicto final sigue siendo incierto, Kemp queda atrapado en un limbo de culpa del que nunca podrá escapar.

Opinión

Clint Eastwood, con su característico estilo sobrio y sin artificios, construye un thriller legal tenso que se centra más en el conflicto moral del protagonista que en el suspense tradicional.

Las actuaciones elevan la película: Nicholas Hoult logra transmitir la angustia de un hombre atrapado en su propia mentira, mientras que Toni Collette brilla como una fiscal implacable que no sospecha que su mayor aliado en el jurado es, en realidad, parte del problema.

En cuanto a la crítica, Jurado Nº 2 ha sido bien recibida en general. Pablo O. Scholz, de Diario Clarín, la describe como «un filme de suspenso que pide la reflexión del espectador ante lo que le muestran». Por su parte, Leonardo García Tsao, de La Jornada, destaca que «Eastwood dirige con su acostumbrado estilo sobrio, sin adornos de ningún tipo, y obtiene interpretaciones convincentes de su uniforme reparto».

No obstante, algunos críticos consideran que la película sigue un desarrollo predecible y que no arriesga lo suficiente en su resolución.

Curiosidades

  • Se rumorea que Jurado Nº 2 podría ser la última película de Clint Eastwood como director. A sus 94 años, el cineasta ha insinuado su retiro tras este proyecto.
  • La película rinde homenaje a clásicos del cine judicial como 12 hombres sin piedad (1957), recreando escenas de deliberación llenas de tensión.
  • Kiefer Sutherland aceptó su papel en la película sin leer el guion, solo por la oportunidad de trabajar con Eastwood.
  • Eastwood es conocido por sus rodajes rápidos y eficientes. En este caso, la filmación duró solo 34 días.
  • En un primer momento, el protagonista iba a ser interpretado por Jake Gyllenhaal, pero por problemas de agenda se optó por Nicholas Hoult.

Conclusión

Jurado Nº 2 es un thriller judicial que, sin reinventar el género, nos sumerge en un dilema moral inquietante. Eastwood demuestra una vez más su maestría al narrar historias sobre la culpa y la redención, dejando en el espectador la incómoda pregunta: ¿qué haríamos en el lugar del protagonista?

Si esta resulta ser su última película, Clint Eastwood se despide con una obra digna de su legado, sin estridencias, pero con su sello inconfundible.

Escape (2024)

Rodrigo Cortés, reconocido por su habilidad para crear atmósferas de tensión y suspense, regresa a la gran pantalla con «Escape» (2024), una película que mezcla el drama existencial con el humor negro. El director español, conocido por títulos como «Buried» (2010) y «El amor en su lugar» (2021), ha sido galardonado en diversos festivales internacionales y en esta ocasión nos ofrece una historia provocadora basada en la novela homónima de Enrique Rubio.

El reparto está encabezado por Mario Casas en el papel de N., un personaje que busca desesperadamente perder su autonomía ingresando voluntariamente en la cárcel. Casas, quien previamente ha trabajado en películas como «No matarás» (2020) y «Bajo la piel de lobo» (2017), demuestra una vez más su capacidad para interpretar roles complejos. Acompañándolo, Anna Castillo interpreta a Abril, la hermana que intenta impedir su autodestrucción. Castillo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por «El Olivo» (2016), aporta una profundidad emocional que contrasta con la frialdad del protagonista.

En el elenco también encontramos a Guillermo Toledo, Josep Maria Pou, Blanca Portillo, José Sacristán y Juanjo Puigcorbé, todos ellos con una amplia trayectoria en cine y televisión. La película ha sido producida por Nostromo Pictures en colaboración con Movistar Plus+ y RTVE, y ha contado con la participación de Martin Scorsese como productor ejecutivo, lo que añade un prestigio adicional al proyecto.

No nos podemos olvidar de la especial colaboración de Albert Plá. Al contrario de lo que esperaba, tuve la ocasión de preguntar al director si fue difícil dirigirlo en una película así y sin embargo, el director comentaba que era una película en la que las cosas fluían mucho, y que fue fácil y que muchas cosas simplemente se iban añadiendo a la historia y que Albert Plá aportó mucho y fue fácil trabajar con el.

Una de las anécdotas que nos contó el director es que ir con los cascos todo el rato no era una parte del guión pero que en algún momento, para evitar el ruido los cogió Mario Casas, para protegerse, del supermercado (no quiero revelar mas detalles), y que al director le gustó la imagen que proyectaba, por lo que se quedaron durante el resto de la película.

Escape

N. es un hombre que se siente atrapado en su propia existencia. Cansado de la toma constante de decisiones y del peso de la libertad, desarrolla una obsesiva idea: vivir en la cárcel para liberarse de la carga de la autonomía. En su búsqueda de encarcelamiento, comete delitos cada vez más graves, convencido de que solo entre rejas podrá encontrar la paz. Sin embargo, las cosas no salen como espera y pronto se enfrenta a un sistema que, irónicamente, se resiste a concederle su extraño deseo.

A medida que N. avanza en su plan, la sociedad que lo rodea reacciona de maneras inesperadas. Mientras que su hermana Abril lucha por comprender su decisión e intenta convencerlo de que existen otras soluciones, los medios de comunicación comienzan a retratar su caso como una anomalía, convirtiéndolo en una figura mediática. Paralelamente, las autoridades judiciales se encuentran en un dilema: castigar los delitos de N. de manera proporcional o impedir que cumpla su inusual objetivo.

La película nos sumerge en un mundo donde la lógica parece desdibujarse, explorando temas como la alienación social, la burocracia del sistema penal y la propia naturaleza del castigo y la libertad. En un giro inesperado, N. descubre que estar dentro de la cárcel no es la solución que imaginaba, lo que lo obliga a replantear su concepto de escape y a enfrentarse a una realidad aún más absurda de la que intentaba huir.

Análisis y Opinión:

«Escape» es una propuesta audaz que juega con los límites del absurdo y el drama existencial. Rodrigo Cortés, reconocido por su dominio de la tensión cinematográfica, nos sumerge en un viaje introspectivo a través del protagonista, interpretado magistralmente por Mario Casas. Sin embargo, aunque su actuación logra transmitir la angustia y determinación de un personaje que busca en la cárcel una solución a su desasosiego interno, personalmente considero que Casas es un actor bastante mediocre, con actuaciones poco creíbles que restan fuerza a la historia.

Por otro lado, el papel corto pero intenso de José Sacristán es una maravilla y no deja indiferente. Su interpretación aporta un peso dramático que equilibra las deficiencias del protagonista y eleva la calidad general de la película.

Anna Castillo, en el papel de Abril, ofrece una interpretación emotiva como la hermana del protagonista, tratando de comprender y evitar su drástico plan. La dinámica entre ambos aporta un toque humano a la historia, que en ocasiones se siente surrealista y kafkiana.

El guion de Cortés equilibra la tragedia con el humor negro, generando una sensación de incomodidad en el espectador. La dirección de fotografía de Rafa García utiliza tonos fríos y encuadres cerrados para reforzar la sensación de opresión que rodea al protagonista. La música de Víctor Reyes añade un matiz de melancolía a la narración.

Aunque la película inicia con un ritmo intrigante, algunos pasajes en la segunda mitad pueden sentirse algo prolongados. A pesar de ello, «Escape» mantiene su capacidad de provocar reflexión sobre la libertad, la alienación y la paradoja del control dentro de la sociedad.

Curiosidades:

  • La película está basada en la novela «Escape» de Enrique Rubio, aunque Cortés tomó ciertas licencias narrativas para adaptarla al lenguaje cinematográfico.
  • Martin Scorsese participó como productor ejecutivo, lo que añadió un notable prestigio al proyecto.
  • «Escape» tuvo su estreno en la 72ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y en el 57º Festival de Sitges, donde fue bien recibida por la crítica especializada.
  • No se sabe que nombre se esconde detrás de «N»

Conclusión:

«Escape» es una película arriesgada y provocadora que juega con el absurdo y el existencialismo de una manera inusual en el cine español. Sin embargo, no estoy seguro de si se trata de una comedia, un drama o una tragicomedia, lo que me hace dudar sobre si realmente es una buena película. La dificultad de catalogarla puede ser vista como un mérito o una debilidad, dependiendo del espectador. Lo que sí tengo claro es que hay muchas otras películas que volvería a ver antes que esta.

 

Black Panther (2018)

«Black Panther» es una película de superhéroes del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) dirigida por Ryan Coogler y estrenada en 2018. Coogler también ha dirigido películas como «Fruitvale Station» (2013) y «Creed» (2015), consolidándose como un director talentoso en el cine contemporáneo.

La película tuvo un presupuesto de aproximadamente 200 millones de dólares y logró una recaudación global de más de 1.3 mil millones de dólares, convirtiéndose en un gran éxito comercial. Fue distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures y recibió múltiples premios en festivales internacionales. Entre sus reconocimientos destacan tres Premios Oscar (Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora), además de nominaciones a Mejor Película y otras categorías. También ganó el premio SAG al Mejor Elenco y recibió galardones en los Critics’ Choice Awards y los BAFTA.

Se convirtió en un fenómeno cultural y fue la primera película de Marvel en recibir una nominación al Oscar a Mejor Película. A pesar de su impacto, no es mi favorita del UCM, ya que me parece más bien una excusa para la existencia de Black Panther dentro de la franquicia.

Reparto Principal

Black Panther

Tras la muerte de su padre, T’Challa regresa a Wakanda para asumir el trono como rey. Sin embargo, su liderazgo se ve amenazado por Erik Killmonger, un enemigo con una visión radical sobre el futuro de Wakanda. Killmonger, que ha crecido fuera del reino, cuestiona las políticas aislacionistas de Wakanda y pretende utilizar su tecnología avanzada para liberar a los oprimidos del mundo mediante la fuerza.

Mientras T’Challa lucha por equilibrar sus deberes como rey y como Black Panther, se enfrenta a una traición interna cuando M’Baku, líder de la tribu Jabari, lo desafía en combate ritual por el trono. Tras ser derrotado temporalmente, T’Challa busca la ayuda de Nakia, Shuri y Okoye para retomar su lugar como gobernante y detener los planes de Killmonger, que pretende lanzar una revolución global desde Wakanda.

La película explora temas como la identidad, la responsabilidad, la lucha por el poder y el conflicto entre el aislamiento y la globalización. En su clímax, T’Challa y Killmonger se enfrentan en una batalla decisiva que pone en juego no solo el destino de Wakanda, sino también su legado como nación.

Análisis y Opinión Personal

Si bien la película ha sido elogiada por su representación cultural y diseño visual, siento que narrativamente no es tan innovadora como otras dentro del UCM. Su estructura es bastante convencional, y la trama sigue un esquema de «héroe descubre su identidad y derrota al villano» sin muchas sorpresas.

Sin embargo, lo que sí destaca son las coreografías de combate, muy logradas y bien ejecutadas. Las secuencias de acción, en especial las que involucran a Okoye y las Dora Milaje, son de lo mejor de la película.

Estoy realizando un reto de ver todas las películas y series de Marvel en orden cronológico, aunque Mia Wallace ha hecho que me vea las de Spider-Man antes de tiempo debido a su entusiasmo por el personaje.

Curiosidades

  • «Black Panther» fue la primera película de superhéroes nominada al Oscar a Mejor Película.
  • La banda sonora fue producida por Kendrick Lamar y ganó un Grammy.
  • Michael B. Jordan se inspiró en el Magneto de los X-Men para dar vida a Killmonger.
  • Wakanda está inspirada en varias culturas africanas, incluyendo la zulú y la masai.

Conclusión

«Black Panther» es una película con un impacto cultural innegable y con un diseño de producción impresionante, pero en cuanto a narrativa, se siente dentro de lo convencional. No es mi favorita del UCM, pero reconozco su importancia dentro de la saga y el cine en general.

 

Nosferatu (2024)

Nosferatu (2024) es una reinterpretación del clásico del cine mudo de 1922, dirigida por Robert Eggers. La película original, dirigida por F.W. Murnau, es considerada una obra maestra del cine expresionista alemán y una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker. En esta nueva versión, Eggers busca rendir homenaje al original mientras aporta su visión contemporánea al relato gótico de terror.

La dirección y el guión recaen sobre Robert Eggers, conocido por sus trabajos en La bruja (2015) y El faro (2019). La producción sobre Jeff Robinov, John Graham, Chris Columbus, Eleanor Columbus y Robert Eggers. La producción musical esta a cargo de Robin Carolan. Y la fotografía corre a cuenta de Jarin Blaschke. El presupuesto con el que contó Robert Eggers fue solo de 50 millones y su recaudación a dia de hoy son unos 167 millones de dólares. Su duración es de 132 minutos y esta distribuida por Focus Features en Estados Unidos y Universal Pictures a nivel internacional.

Su reparto es el siguiente:

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Nosferatu

Ambientada en 1838, la historia sigue a Thomas Hutter, un joven agente inmobiliario que viaja a Transilvania para cerrar una venta con el enigmático Conde Orlok. Tras una serie de eventos inquietantes en el castillo del conde, Hutter descubre la verdadera naturaleza de Orlok y su obsesión por Ellen, la esposa de Hutter. El conde decide trasladarse a Wisborg, llevando consigo una plaga y el terror a la pequeña ciudad.

Análisis y Opinión Personal

Al igual que la versión original de 1922, esta nueva adaptación de Nosferatu mantiene una atmósfera sombría y una narrativa pausada. Personalmente, encontré que ambas versiones carecen de dinamismo, lo que las hace algo tediosas. Sin embargo, es innegable la calidad técnica y artística de la película.

Una grata sorpresa fue la actuación de Lily-Rose Depp como Ellen Hutter. La hija de Johnny Depp, logra destacarse por mérito propio, aportando una vulnerabilidad y profundidad al personaje que enriquecen la narrativa. Por otro lado, Willem Dafoe, en el papel del Profesor Eberhart, ofrece una interpretación sólida y convincente, algo esperado dada su trayectoria.

Bill Skarsgård, interpretando al Conde Orlok, aporta una presencia inquietante y perturbadora, aunque su actuación puede resultar predecible para quienes están familiarizados con sus roles anteriores en el género de terror.

Bill Skarsgård prêt à hanter les écrans dans le rôle de Nosferatu

La dirección de Robert Eggers se caracteriza por su meticulosidad y atención al detalle, recreando con fidelidad la estética gótica y opresiva de la época. Sin embargo, esta fidelidad puede ser un arma de doble filo, ya que la película puede resultar demasiado similar a la original, sin aportar suficientes elementos novedosos que justifiquen una nueva adaptación.

Curiosidades

  • Se utilizó el nombre de Conde Orlok en lugar de Conde Drácula para evitar temas legales, ya que no tenían los derechos sobre el libro. Sin embargo en la versión de 1979 ya si se pudo usar el nombre de Conde Drácula.
  • Lily-Rose Depp es hija de Jhony Depp y la cantante, actriz y modelo Vanessa Paradis.
  • El papel de Lily-Rose Depp estaba pensado originalmente para Anya Taylor-Joy.
  • El perfumista Douglas Little colaboró con Focus Features para crear «Eau de Macabre», una fragancia inspirada en la película.
  • Para interpretar al Conde Orlok, Skarsgård se sometió a una intensa transformación física. Perdió una cantidad significativa de peso y pasó hasta seis horas diarias en maquillaje, utilizando alrededor de 62 prótesis para lograr la apariencia deseada. Además, trabajó con una entrenadora de ópera para bajar su voz una octava, incorporando técnicas de canto gutural mongol.

Conclusión

Nosferatu (2024) es una película que destaca por sus valores de producción, actuaciones sólidas y una dirección cuidadosa. Sin embargo, su ritmo lento y la falta de innovación en la narrativa pueden hacer que resulte monótona para algunos espectadores. A pesar de ello, es una obra que merece ser vista, especialmente por aquellos interesados en el cine de terror clásico y las reinterpretaciones contemporáneas de historias emblemáticas.

Conclave (2024)

Cónclave es un thriller dramático dirigido por Edward Berger y basado en la novela homónima de Robert Harris. La película nos sumerge en el proceso secreto de elección de un nuevo Papa tras la muerte del Pontífice anterior, explorando las tensiones, alianzas y secretos que se esconden detrás de los muros del Vaticano. Con un reparto excepcional y una narrativa envolvente, Cónclave promete ser una de las películas más intrigantes del año.

La película está dirigida por Edward Berger, conocido por su trabajo en Sin novedad en el frente (2022). El guion fue adaptado por Robert Harris, autor de la novela original. Se estima su presupuesto en 50 millones de dólares. Y una recaudación de unos 84.5 a día de hoy. La película dura 127 minutos, y esta distribuida por Warner Bros. Pictures.

El elenco de Cónclave está compuesto por actores de renombre que aportan profundidad y autenticidad a la narrativa:

Reparto conclave
Reparto conclave

Ralph Fiennes como Cardenal Thomas Lawrence: Encargado de liderar el cónclave y descubrir secretos que podrían sacudir los cimientos de la Iglesia. Fiennes es conocido por sus papeles en La lista de Schindler (1993), El paciente inglés (1996) y como Lord Voldemort en la saga de Harry Potter de la que escribía recientemente.

Stanley Tucci como Cardenal Bellini: Un influyente líder con carisma y poder dentro del Vaticano. Tucci ha destacado en películas como El diablo viste de Prada (2006), Julie & Julia (2009) y Los juegos del hambre (2012-2015).

John Lithgow como Cardenal Tremblay: Un estratega astuto con ambiciones ocultas. Lithgow es reconocido por sus actuaciones en La fuerza del cariño (1983), Footloose (1984) y la serie The Crown (2016-2019).

Sergio Castellitto como Cardenal Tedesco: Figura prominente con una visión tradicionalista de la Iglesia. Castellitto es conocido por No te muevas (2004) y La estrella ausente (2006).

Isabella Rossellini como Hermana Agnes: Una enigmática monja con un papel crucial en la trama. Rossellini ha participado en Terciopelo azul (1986), Muerte se convierte en ella (1992)  (en España: La muerte os sienta tan bien).

Lucian Msamati como Cardenal Adeyemi: Un candidato progresista con ideas renovadoras. Msamati es conocido por su papel en la serie La desaparición de Kiri y The No. 1 Ladies Detective Agency.

Brian F. O’Byrne como Cardenal O’Malley: Un cardenal influyente con fuertes convicciones. O’Byrne ha aparecido en Million Dollar Baby (2004) y Antes que el diablo sepa que has muerto (2007).

Jacek Koman como Cardenal Wozniak: Un miembro del cónclave con secretos que podrían cambiar el curso de la elección. Koman es reconocido por Moulin Rouge! (2001) y Romulus, My Father (2007).

Cada actor aporta una interpretación sólida y matizada, elevando la tensión y el drama dentro de la película. La química entre el elenco contribuye a la autenticidad y realismo del relato.

A continuación, se detallan las principales nominaciones y galardones obtenidos:

Premios Óscar 2025 con 8 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Actor Principal para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini. Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Vestuario para Lisy Christl

Globos de Oro 2025 con 6 nominaciones, de las cuales ganó 1 premio: Mejor Guion para Peter Straughan (ganador), y nominaciones en Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Banda Sonora Original para Volker Bertelmann

Premios BAFTA 2025 con 12 nominaciones, incluyendo: Mejor Película, Mejor Film Británico, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor para Ralph Fiennes, Mejor Actriz Secundaria para Isabella Rossellini, Mejor Casting para Nina Gold y Martin Ware, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Fotografía para Stéphane Fontaine, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter, Mejor Diseño de Vestuario para Lisy Christl.

Festival de San Sebastián 2024 donde fue nominada a la Concha de Oro: Mejor Película.

Premios del Cine Europeo (EFA) 2024 Nominada a Mejor Actor para Ralph Fiennes.

Satellite Awards 2024 con 8  nominaciones, incluyendo: Mejor Película – Drama, Mejor Dirección para Edward Berger, Mejor Actor Principal – Drama para Ralph Fiennes, Mejor Actriz de Reparto para Isabella Rossellini, Mejor Guion Adaptado para Peter Straughan, Mejor Montaje para Nick Emerson, Mejor Banda Sonora para Volker Bertelmann, Mejor Diseño de Producción para Suzie Davies y Cynthia Sleiter.

Estas nominaciones y premios reflejan el reconocimiento de la crítica y la industria cinematográfica hacia Cónclave, destacando su excelencia en diversas áreas de la producción cinematográfica.

Cónclave

Tras la muerte del Papa, los cardenales del mundo se reúnen en la Capilla Sixtina para llevar a cabo el cónclave que elegirá a su sucesor. El Cardenal Lomeli, Decano del Colegio Cardenalicio, se convierte en el árbitro de un proceso lleno de tensión, donde se revelan antiguas rencillas, alianzas inesperadas y oscuros secretos que podrían cambiar el curso de la Iglesia Católica. A medida que avanzan las votaciones, Lomeli se enfrenta a dilemas morales que ponen a prueba su fe y su sentido del deber.

Cónclave no solo es una película sobre la sucesión papal, sino que también encierra un trasfondo ideológico que puede ser interpretado de diferentes maneras. A lo largo de la cinta, se perciben ciertos matices de un enfoque más «woke», con discursos sobre modernización y el papel de la Iglesia en la sociedad contemporánea. Aunque no es una película panfletaria, sí deja entrever posturas que pueden generar debate entre los espectadores.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su fotografía. Cada escena está cuidadosamente compuesta, con una iluminación tenue que acentúa la solemnidad y la intriga del cónclave. Los planos cerrados y la dirección de arte logran capturar la opulencia del Vaticano sin caer en la grandilocuencia.

Las actuaciones son sencillamente espectaculares. Ralph Fiennes ofrece una interpretación matizada como el Cardenal Lomeli, mientras que John Lithgow y Stanley Tucci aportan una gran carga dramática a sus respectivos personajes. Isabella Rossellini, en un papel secundario, logra brillar con cada aparición, añadiendo una dosis de misterio a la trama.

A pesar de sus múltiples aciertos, la película deja un poco de lado el componente de la «política internacional» y las negociaciones entre las diferentes congregaciones, un elemento que suele ser crucial en los cónclaves reales. Si bien hay referencias a presiones externas y tensiones dentro de la Iglesia, no se exploran con la profundidad que algunos espectadores podrían esperar.

Sección de Spoilers (advertencia)

Uno de los giros más impactantes de la película ocurre cuando se revela que uno de los cardenales con mayores posibilidades de ser elegido Papa oculta un secreto que podría dividir a la Iglesia. A medida que el Cardenal Lomeli investiga la verdad detrás de esta revelación, se enfrenta a dilemas morales que pondrán en jaque su lealtad a la institución y su propio sentido de justicia.

El clímax del filme es intenso y está cargado de tensión, con una última votación que desafía las expectativas del público. El desenlace deja abierta la interpretación sobre el futuro de la Iglesia y el papel del nuevo Papa en un mundo cambiante.

Curiosidades

  • La película fue rodada en locaciones de Roma y en recreaciones meticulosas del Vaticano.
  • Edward Berger se inspiró en documentos históricos sobre cónclaves reales para dotar de autenticidad a la trama.
  • La Capilla Sixtina fue reconstruida en un estudio con un nivel de detalle impresionante, permitiendo un realismo visual inigualable.
  • Ralph Fiennes aprendió latín para interpretar con mayor credibilidad los diálogos en la película.

Conclusión y Recomendación

Cónclave es una película fascinante, con una gran carga de intriga, actuaciones memorables y una puesta en escena impecable. Sin embargo, debido a su temática y subtexto ideológico, puede no ser del agrado de todos. No la recomendaría a alguien profundamente creyente que busque una visión tradicional de la Iglesia, pero sí a quienes tienen interés en el funcionamiento de las religiones y los dilemas éticos dentro de ellas.

Si bien eché en falta una exploración más profunda de las negociaciones y maniobras políticas que suelen estar presentes en los cónclaves, la película sigue siendo una obra notable que logra capturar la solemnidad y el misterio del proceso de elección papal. En definitiva, una de las propuestas cinematográficas más interesantes del 2024.

 

Del revés 2 (Inside Out 2)(2024)

Inside Out 2 es la secuela de la exitosa película de animación de Pixar, Inside Out (2015). En esta nueva entrega, la historia sigue a Riley en su adolescencia, presentando nuevas emociones y desafíos internos. Con el regreso de Amy Poehler en el papel de Alegría, la película busca expandir el universo emocional de su predecesora con una exploración más profunda de la complejidad de los sentimientos en la pubertad. Se estrena en cines en junio de 2024 y es una de las películas más esperadas del año.

La película está dirigida por Kelsey Mann, quien debuta en la dirección de largometrajes después de haber trabajado en Pixar como guionista y animador. La producción corre a cargo de Mark Nielsen, y el guion fue escrito por Meg LeFauve, quien también participó en la primera entrega.

Su presupuesto se estima en alrededor de 200 millones de dólares y su recaudación en 1.699 millones de dólares, tiene una duración de 100 minutos y su distribuidora es Walt Disney Studios Motion Pictures.

Su reparto en la versión original es:

Inside Out 2: Amy Poehler, Maya Hawke hit the purple carpet for Pixar  film's Hollywood premiere - ABC30 Fresno

Mientras que en la versión española:

Gemma Cuervo posando junto a sus compañeros de reparto de Inside Out 2

El elenco de voces mantiene a varios actores de la primera entrega, aunque algunos personajes han cambiado de intérprete. La inclusión de nuevas emociones como Ansiedad y Envidia aporta una mayor profundidad al conflicto interno de Riley.

El doblaje de la versión en español me parece una autentica pasada. Han conseguido reunir a personajes populares actuales con voces muy particulares como Rigoberta Bandini o Chanel, como personajes como Brays Efe, o grandes dobladores como Michelle Jenner o Mar Bordallo. Y una especial mención a la participación de Gemma Cuervo, a sus 90 años doblando a nostalgia.

Del revés 2

La película sigue a Riley, ahora con 13 años, mientras enfrenta los cambios y desafíos emocionales de la adolescencia. Con la llegada de nuevas emociones a su mente, como Ansiedad y Envidia, el equilibrio en el Cuartel General se ve alterado, lo que provoca conflictos entre las emociones originales y las recién llegadas. Alegría y el resto del equipo deben aprender a convivir con estos sentimientos, descubriendo que cada emoción tiene su papel en la vida de Riley.

Análisis y Opinión Personal

Inside Out 2 amplía el universo emocional de Riley de una manera fascinante. La introducción de nuevas emociones es un acierto, ya que refleja con precisión los cambios que experimentamos en la adolescencia. La animación sigue siendo impecable, con una paleta de colores vibrante y una dirección artística que mantiene la calidad de Pixar.

Uno de los aspectos más destacados es la interpretación de Maya Hawke como Ansiedad, quien logra aportar una gran dosis de realismo a un sentimiento universal en la adolescencia. Sin embargo, algunos fans podrían extrañar la voz original de Miedo, ya que Tony Hale reemplaza a Bill Hader en esta secuela.

La película equilibra el humor con momentos emotivos de manera efectiva. Aunque no alcanza la misma carga emocional devastadora de la primera entrega, sigue ofreciendo momentos conmovedores y reflexivos que conectarán con el público de todas las edades.

Sección de Spoilers (advertencia)

La historia toma un giro importante cuando Ansiedad comienza a tomar el control del Cuartel General, creyendo que es la única emoción capaz de proteger a Riley de los peligros de la adolescencia. Alegría y las demás emociones deben recuperar el equilibrio emocional antes de que Ansiedad se apodere por completo de la mente de Riley.

Uno de los momentos más impactantes ocurre cuando Alegría se da cuenta de que su rol ya no es el mismo que en la infancia de Riley. En lugar de intentar eliminar emociones negativas, ahora debe aprender a coexistir con ellas, reconociendo su importancia en el desarrollo emocional de Riley.

El desenlace muestra a Riley comprendiendo que todas sus emociones son válidas y necesarias, marcando su crecimiento hacia una adolescencia más equilibrada y consciente.

Curiosidades

  • Es la primera secuela de Inside Out, tras casi una década desde el estreno de la original.
  • Maya Hawke, quien interpreta a Ansiedad, es hija de Ethan Hawke y Uma Thurman. (Mi adorada Uma Thurman)
  • La película introduce un nuevo diseño para la mente de Riley, reflejando su crecimiento y la complejidad de sus pensamientos.
  • Pete Docter, director de la primera película, regresa como productor ejecutivo.

Conclusión y Recomendación

Inside Out 2 es una digna continuación de la película original. Aunque no alcanza el impacto emocional de su predecesora, sigue siendo una obra destacada dentro de la animación de Pixar. La inclusión de nuevas emociones y su representación de la adolescencia hacen que sea una película recomendable tanto para niños como para adultos.

Si disfrutaste la primera entrega, esta secuela te ofrecerá una nueva perspectiva sobre la complejidad de las emociones humanas. Sin duda, es una de las mejores películas animadas del año y una de las más esperadas por los fanáticos de Pixar.

Emilia Pérez (2024)

Emilia Pérez es una película de drama musical con tintes de thriller, dirigida por Jacques Audiard y protagonizada por Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gomez y Edgar Ramírez. La cinta combina elementos del género criminal con el musical, presentando una historia que explora la identidad, la redención y el empoderamiento. Se estrenó en el Festival de Cannes 2024, donde recibió elogios por su innovadora propuesta narrativa y visual.

El director Jacques Audiard es conocido por sus aclamadas películas como Un profeta (2009), Dheepan (2015) y Los hermanos Sisters (2018). En Emilia Pérez, Audiard se arriesga con un formato musical dentro de una historia de crimen y redención, marcando un nuevo reto en su filmografía.

Se estima en alrededor de 20-30 millones de dólares. Todavía no tenemos una cifra concreta de recaudación. Su duración es de 130 minutos. Y su distribuidora es Netflix (con estreno en cines limitado antes de su lanzamiento en la plataforma). Tiene un reparto formado por:

  • Karla Sofía Gascón como Emilia Pérez y Manitas
  • Zoe Saldaña como Rita
  • Selena Gómez como Jessi
  • Edgar Ramírez como Gustavo Brun

Gascón, quien se ha convertido en un símbolo de la representación trans en el cine, ofrece una de sus interpretaciones más destacadas en el papel titular. Zoe Saldaña y Selena Gomez aportan fuerza al elenco, mientras que Edgar Ramírez interpreta un rol clave en el desarrollo de la trama.

Emilia Pérez' está en su mejor momento, pero no todo el mundo lo celebra - Los Angeles Times

Emilia Pérez

La historia sigue a Rita, una abogada que trabaja en un bufete especializado en clientes poderosos del crimen organizado. Su vida cambia radicalmente cuando recibe una inusual propuesta de un infame capo del narcotráfico: ayudarlo a desaparecer y renacer como una nueva persona, Emilia Pérez. Lo que sigue es un viaje de transformación, identidad y redención, con el trasfondo de una sociedad que no perdona a los que intentan cambiar su destino.

Análisis y Opinión Personal

Zoe Saldaña es conocida en otros ámbitos por películas como Avatar, Guardianes de la Galaxia o Avengers, aunque también ha participado en películas de otro corte con diferente éxito. Sin embargo, en este cambio en este cambio de registro hacia un musical «realista» demuestra lo gran actriz que es. Su interpretación de Rita aporta una emotividad única a la historia, consolidándola como una de las actuaciones más destacadas de la película.

Por otra parte, la película Emilia Pérez ha generado una notable controversia en México. Aunque ha sido aclamada internacionalmente y cuenta con múltiples nominaciones al Óscar, en México ha recibido críticas significativas. Algunos espectadores y críticos mexicanos consideran que la película ofrece una representación superficial y estereotipada de la cultura mexicana y de temas sensibles como la violencia del narcotráfico y la identidad de género. Además, se ha señalado la falta de autenticidad cultural y la ausencia de talento mexicano en roles clave.

Declaraciones del director
Jacques Audiard, director de ‘Emilia Pérez’, afirma que el español es un idioma de pobres y migrantes: “Países modestos”

Sin embargo, figuras destacadas del cine mexicano, como Guillermo del Toro e Issa López, han elogiado la película, lo que refleja opiniones divididas en el país.

La banda sonora es uno de los puntos más llamativos, con canciones que no solo acompañan la trama, sino que la impulsan. La fotografía y el diseño de producción refuerzan la dualidad entre el mundo del crimen y el renacimiento de Emilia como una nueva persona. Aunque algunas de las canciones, en concreto las de Selena Gomez, que no es hispano parlante se nota que están muy forzadas e incluso mal traducidas, no sabría decir si queriendo o sin querer.

Si bien algunos espectadores podrían sentirse desconcertados por la mezcla de géneros, la película logra construir un relato conmovedor sobre la identidad y la lucha por un nuevo comienzo.

Sección de Spoilers (advertencia)

La película presenta un giro impactante cuando se revela que el narcotraficante Manitas, en su deseo de abandonar su pasado criminal, ha planeado su transformación en Emilia Pérez durante años. Su cambio de identidad no solo es físico, sino también emocional y psicológico, lo que la lleva a confrontar su pasado de violencia y corrupción.

Rita, la abogada, se convierte en su única aliada mientras Emilia intenta construir una nueva vida. Sin embargo, antiguos enemigos descubren su paradero, lo que desencadena una serie de eventos trágicos que ponen a prueba su determinación y su deseo de redención.

El clímax de la película es intenso y emocional, con Emilia enfrentando las consecuencias de su pasado mientras intenta proteger a quienes la han ayudado en su transformación. El final deja abierta la posibilidad de una nueva vida para Emilia, aunque con un alto costo personal.

Curiosidades

  • La película se rodó en diversas locaciones de México y España.
  • Karla Sofía Gascón es la primera actriz trans en protagonizar una película de este calibre en el cine de Jacques Audiard.
  • La participación de Selena Gomez generó gran expectativa, ya que no solo actúa, sino que también interpreta algunas de las canciones originales.
  • Fue una de las películas más aplaudidas en el Festival de Cannes, con una ovación de más de 10 minutos.

Conclusión y Recomendación

Emilia Pérez es una propuesta innovadora dentro del cine contemporáneo. Con un guion sólido, una dirección audaz y actuaciones memorables, se posiciona como una de las películas más destacadas del 2024. Si te gustan las historias que desafían los géneros y exploran temas profundos como la identidad y la redención, esta es una película que no debes perderte.

Por desgracia, desde mi punto de vista, esta película podría haber sido destinada a ser un clásico, por los temas que trata y como los trata, sin embargo, creo que pasará desapercibida, dentro de un tiempo, ya que tanto su director como su protagonista principal (Karla Sofia Gascón) no tienen un carisma especial que les vaya ha hacer perdurar en el tiempo.

 

Robot salvaje (2024)

Robot salvaje es una producción de animación para el público infantil – juvenil de la productora DreamWorks Animation y distribuida por Universal Pictures.

El director de la película es Chris Sanders, al que conoceremos de otras películas como Lilo & Stitch o Como entrenar a tu dragón, otros dos grandes éxitos dentro del cine infantil – juvenil.

Tiene un presupuesto de 78 millones de dólares y a día de hoy ha recaudado 272 millones de dólares. Dura 142 minutos, y al ser de animación cuenta con las voces en su versión original de grandes actores del momento como:

The Voice Actors and Characters of The Wild Robot, Explained | NBC Insider

    • Lupita Nyong’o: Después de aparecer en poniendo su voz en películas como «las nuevas de Star Wars (7,8,9)», que no le hacen ningún favor, o en Black Panther: Wakanda Forever, ha encontrado un muy buen sitio, haciendo un papel protagonista en Robot Salvaje.
    • Pedro Pascal: Otro actor de moda, no voy a recordar de cuantas series o películas lo conocemos porque entonces no acabamos, co-protagonizando con bastante éxito en esta película. Su papel me recuerda un poco al del gato con botas de Antonio Banderas y no creo que lo hubiera hecho mal nuestro compatriota en este papel. Sin embargo, Pedro Pascal debuta con bastante éxito en el mundo del doblaje.
    • Kit Connor: Tiene el tercer papel co-protagonista de la película. Lo tengo que reconocer, para mi es un desconocido, me suenan algunas de sus películas y puedo entrar en filmaffinity y hablar de el. Lo único que parece reseñable es una película llamada Heartstopper, que no he tenido el gusto de ver.
    • Mark Hamill: Es un personaje secundario pero me parecía importante reseñar la presencia de un actor como Mark Hamill en una producción de este tipo.

El reparto en español han sido:

Macarena García y Álvaro Morte - Robot Salvaje

    • Macarena García, como protagonista, conocida por participar en multitud de series y películas en España y recientemente premiada por su papel en «La Mesias«.
    • Álvaro Morte, como co-protagonista, es otro de los actores de moda en España desde que co-protagonizó La Casa De Papel. Desde ese momento ha hecho multitud de anuncios y otras series y películas.
    • Y en un papel mas secundario un gran clásico del doblaje en español como es Miguel Ángel Jenner.

Robot salvaje (2024)

No quiero escribir un resumen exhaustivo de la película. Tampoco es tan importante, el guión. La película es una buena película de animación, muy cuidada en todos los aspectos. Tiene una buena banda sonora, un buen ritmo, unos personajes bien diseñados, se hace agradable de ver para adultos y entretiene a los niños. Y supongo que es eso a lo que debe aspirar cualquier película de este tipo.

A partir de aqui spoilers

La película trata de un robot abandonado con la misión de ayudar y cuidar, y lo que se encuentra para cuidar es una cria de ganso. Y lo ayuda hasta que el ganso se convierte en el mejor ganso de todos. Obviamente, en medio correrán mil y una aventuras, y las compartirán con un zorro que les echará una mano siempre que lo vea posible.

La película lo tiene todo para triunfar en los Oscar y en general en todos los certámenes donde se presente. Y en general han habido otras buenas obras de animación este año, sin embargo parece actualmente la principal candidata por la acogida de la prensa y del publico. Pero bueno, todavía no ha salido las nominaciones y todo son especulaciones.

Cosas curiosas:

    • La historia se basa en un libro original del Peter Brown.
    • No quiero dar pistas, pero tiene 3 volúmenes, y la película esta basada en el primero.
    • Trueno, el halcón salvaje de la película, no aparecía en el libro original de Peter Brown.
    • Según Peter Brown, la idea de esta película se le ocurrió al dibujar un robot en un árbol, y pensar, ¿Qué haría un robot inteligente en la naturaleza?

Mi opinión personal:

Hoy estoy quejica:

    • No se porque motivo, últimamente, los trailers en español te cuentan toda la película de principio a fin, con los mejores diálogos y escenas. Prácticamente te desvela todo y te quita gran parte de la magia del cine. Vamos, que si quieres decir que la has visto, sin haberla visto entera, busques en Youtube en trailer, y te lo ves… y poco mas.
    • Segunda queja. Entiendo que es una película de animación infantil, y entiendo que es una película de éxito. Pero yo no se como, me encontré con una niña de 3 años o así que se quería comunicar conmigo en mi asiento. Un poquito de respeto, y si lleváis niños al cine, por lo menos llevadlos sujetos y que no se os escapen muchos metros.
    • Por lo demás, bien, la película chula, y doblemente chula porque es la semana del espectador o lo que sea o como se llame y te cuestan las entradas mas baratas. Eso que me ahorro.

¡Aprovechad para ir al cine! ¡Pasadlo bien!

Arthur (Arthur the King)(2024)

Si te gustan y te emocionan las películas donde salen perritos, y de superación, resistencia, y resiliencia, esta es tu película. Está distribuida por Lions Gate, cuenta con un presupuesto de 19M de dólares y su duración es de una hora y 47 minutos. Está calificada para todos los públicos y puedes verla ahora mismo en las principales plataformas (Apple TV, Amazon Prime Video, Youtube…), o comprarla en DVD o Blue Ray. La recaudación a día de hoy se estima en unos 35M de dólares.

Arthur (Arthur the King)(2024)

Arthur the king - poster
Arthur the king – poster

La película esta dirigida por Simon Cellan Jones, con guión de Mikael Lindnord (instagram), co-protagonista de la historia y autor de la novela. Simon Cellan Jones es conocido por haber dirigido capítulos en series como Boardwalk Empire, con el gigante de la escena Steve Buscemi, Years and Years, con la gigante Emma Thompson, y algunos capítulos de la serie Jessica Jones. El reparto, aparte de Mark Wahlberg, son unos grandes profesionales, que no por ello, estrellas de cine. Tengo que hacer una mención especial a Ukai, el es protagonista principal, y no lo puedo poner en otro sitio que el primero. Sin el no hay película. Como os podéis imaginar estoy hablando del perro que hace el papel de Arthur. Y lo clava.

Mark Wahlberg, para mi es un gran actor, y en este papel lo hace genial. Aunque siempre me da la sensación de que podría haber sido un actor con la repercusión de Matt Damon y se ha quedado a mitad de camino. Y por otra parte tenemos a los secundarios Nathalie Emmanuel (Fast and furious 7, 8, 9, 10, Juego de tronos), Simu Liu (Barbie), Juliet Rylance, que hacen unos buenos papeles y los vas a querer y odiar por momentos a cada uno de ellos.

Esta película podría haber sido otra película cualquiera de Mark Wahlberg, podría haber sido una película dura, de esfuerzo, de superación, de limites personales. Una película hasta en cierto punto violenta. Pero hay un perro. Y ese perro suaviza y la convierte en una película familiar que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar.

Desde el punto de vista cinematográfico,  Arthur ha sido alabada por su capacidad de conectar emocionalmente con la audiencia a través de una narrativa sencilla pero conmovedora. La dirección de Simon Cellan Jones y la actuación del reparto, especialmente la del protagonista, proporcionan la credibilidad necesaria para una historia basada en eventos reales. Sin embargo, algunos críticos señalan que la película puede ser predecible en su desarrollo, con una fórmula que ya se ha visto en otras películas de género similar.

A pesar de esto, el impacto emocional y la autenticidad en la representación de la relación entre humanos y animales es notable, lo que sigue atrayendo a diferentes audiencias a nivel mundial. Al tratar temas como la lealtad, supervivencia y el altruismo, Arthur puede emocionar al público, y presenta importantes preguntas sobre la sociedad y nuestro trato a los animales.

Desde el punto de vista económico, Arthur the King, Arthur a secas en España, se estrenó a la vez que dos películas que se sabía que iban a ser muy importantes en taquilla, como son: Dune Part 2, y Kung Fu Panda 4, y a pesar de esto ha tenido unos resultados notables.

Curiosidades de Arthur (Arthur the king)

  • Que esta basado en hechos reales ya lo hemos comentado, pero que los protagonistas no son americanos sino Suecos no. La película esta basada en el libro escrito por Mikael Lindnord y de nombre en español «Arthur: El perro que atravesó la jungla para encontrar un hogar». No es dificil de encontrar.

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  • Mark Wahlberg se rompió un menisco al principio del rodaje.
  • Arthur, era una mezcla entre Labrador y terrier, vivió 6 años mas con su nueva familia en Suecia y falleció en 2020 de un tumor.
  • Mark Wahlberg es un gran amante de los animales y a pesar de que ya tiene 4 perros,  intentó sobornar al entrenador de Ukai para quedárselo después del rodaje.

Opinión personal

Si has tenido perros o te gustan los perros, esta película te va a llegar al corazón. No son los mejores actores del mundo, ni el mejor guión del mundo. No se va a llevar ni un Óscar, ni una Palma de oro. Pero no todas las películas están destinadas a eso.